Silvana: Cataloghi di mostre

Il volume documenta Arte Sella, un progetto internazionale di arte contemporanea, nato nel 1986, che si svolge nei boschi della Val di Sella (nel comune di Borgo Valsugana, in provincia di Trento), e che richiama ogni anno migliaia di visitatori. Lungo i sentieri del monte Armentera sono dislocate ogni anno, tra primavera ed estate, opere d'arte realizzate in perfetta comunione con la natura, e che da essa prendono ispirazione e origine, essendo ottenute per lo più con sassi, foglie, rami o tronchi e che, lasciate al naturale degrado, si inseriscono nel ciclo vitale della natura. Nelle pagine del libro sono raccolte le immagini delle più significative e suggestive opere realizzate dagli oltre centocinquanta artisti che vi hanno lavorato dagli anni ottanta al 2013, come Giuliano Mauri, Studio Azzurro, Steven Siegel, Bob Verschueren solo per citarne alcuni. A corredo dell'album fotografico vi sono, oltre a un testo introduttivo di Laura Tomaselli che spiega lo spirito dell'associazione Arte Sella e la natura della manifestazione, un testo di Vittorio Fagone, che offre un commento critico e teorico della manifestazione alla luce della tendenza artistica denominata Art in Nature, uno scritto dell'attore teatrale Marco Paolini, che racconta le impressioni ricevute durante una visita ad Arte Sella e il poema Tre visioni leggere della scrittrice Mariangela Gualtieri, composto e rappresentato durante l'edizione del 2007.

La storia di come e perché si siano staccati gli affreschi nel corso dei secoli è l'oggetto di questi due volumi, che intendono ripercorrerne la fortuna di questa pratica che è anche storia del gusto, del collezionismo, del restauro e soprattutto della tutela di una parte fondamentale dell'antico patrimonio pittorico italiano. Il primo volume, introdotto dai saggi di Claudio Spadoni e Luca Ciancabilla, presenta una preziosa scelta di opere provenienti dall'Italia e dall'estero, raccolte in sezioni accuratamente illustrate: dai primi masselli cinque e seicenteschi ai trasporti settecenteschi, compresi quelli provenienti da Pompei ed Ercolano, dagli strappi ottocenteschi fino alle sinopie staccate negli anni settanta del Novecento. Fra gli artisti, ricordiamo Giotto, Pisanello, Andrea del Castagno, Luini, Garofalo, Perugino, Raffaello, Romanino, Correggio, Guercino e Tiepolo, solo per citarne alcuni.

La storia di come e perché si siano staccati gli affreschi nel corso dei secoli è l'oggetto di questi due volumi, che intendono ripercorrerne la fortuna di questa pratica che è anche storia del gusto, del collezionismo, del restauro e soprattutto della tutela di una parte fondamentale dell'antico patrimonio pittorico italiano. Il secondo volume, dal taglio più specifico, raccoglie gli interventi di restauratori e critici d'arte che approfondiscono varie questioni - storiche, tecniche e metodologiche - legate a questa pratica conservativa, ed è completato da apparati biobibliografici.

Sul clima di riscoperta da parte di musei e collezionisti della pittura vittoriana, il volume presenta un'ampia rassegna dedicata ai grandi artisti di questa stagione, che si apre con il regno della regina Vittoria (1837-1901) e si conclude con quello di suo figlio Edoardo VII (1901-1910): fra i pittori spiccano i nomi di Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Frederic Leighton (1830-1896), Edward Coley Burne-Jones (1833-1898), Albert Joseph Moore (1841-1893) e John William Waterhouse (1849-1917). Celebrazione della bellezza femminile e adesione alla cultura classica costituiscono il fil rouge che unisce le opere di questi artisti, che pure attingono a diverse fonti di ispirazione, muovendosi tra antichità reinventata, leggende medievali e atmosfere di romantico languore e raffinata indolenza. La donna, sotto la parvenza di un'eroina medievale o di un personaggio shakespeariano, assume i tratti di una vera e propria musa, di un'ammaliatrice o di un'amante melanconica, incarnando così tutti i sogni dell'età vittoriana. Le opere provengono dalla collezione Pérez Simón, una delle più ricche raccolte private di opere vittoriane, che Juan Antonio Pérez Simón sta riunendo a Città del Messico da una trentina d'anni a questa parte.

Il volume raccoglie una selezione di fotografie provenienti dall'archivio Arnaldo Chierichetti, che mostrano gli scorci di una Milano che non esiste più, una vera e propria "città d'acqua", la cui fisionomia è profondamente cambiata in seguito interventi urbanistici e architettonici subiti nella prima metà del XX secolo. Arnaldo Chierichetti (Milano, 1887-1975), personalità nota in città per il negozio di ottica aperto in Porta Romana nel 1914, nonché animatore della vita sociale meneghina, grazie alla sua passione per la fotografia ci ha lasciato una documentazione unica nel suo genere, immortalando scrupolosamente la vita milanese dagli anni dieci fino al secondo dopoguerra. Attraverso gli scatti documentati nel volume si potrà viaggiare sulle vie d'acqua che percorrevano Milano, dal ponte di Porta Romana a quello delle Sirenette in via San Damiano, dall'antico Corso di San Celso, oggi Corso Italia, alla conca di via Senato o, ancora, ritrovarsi nella darsena di Porta Ticinese o in via Arena, dove un tempo era ospitata la più antica conca del mondo, le cui vestigia possono essere tuttora ammirate nella omonima via. Le straordinarie e inedite vedute sono accostate a fotografie dedicate all'illustrazione della vita quotidiana della città, e all'imponente opera di copertura dei navigli completata nel 1930, da Chierichetti doviziosamente documentata.

"Universo Depero" è dedicato a uno degli artisti più significativi e amati del Novecento, la cui opera, dalle molteplici sfaccettature, appare ancora oggi di straordinaria attualità. Fortunato Depero ha saputo proporre una visione estetica in grado di manifestarsi in molti campi dell'esistenza: fu infatti non solo pittore e scultore di talento, ma anche scenografo, costumista, pubblicitario, designer e maestro nelle arti applicate. Il volume presenta oltre novanta opere - tra dipinti, arazzi, tarsie, mobili, sculture, scenografie teatrali, bozzetti, libri e schizzi - che ripercorrono l'iter creativo di Depero dalla sua adesione al futurismo sino alle realizzazioni degli anni Quaranta e Cinquanta. I capitoli del catalogo analizzano l'intenso rapporto con la pubblicità, di cui fu uno dei primi artisti a comprenderne le implicazioni - significativo in tal senso il lungo sodalizio stretto con la Campari - ma anche lo stretto legame con il teatro e la danza, la fondamentale esperienza americana vissuta durante il soggiorno a New York dal 1928 al 1930, fino alle tappe che hanno condotto alla nascita di Casa Depero. Il volume, accanto ai saggi dei curatori, accoglie una serie di testi selezionati dello stesso Depero, e apparati biografici.

Al pulcino Calimero, diventato grazie alle pubblicità di Carosello uno dei personaggi più amati dal pubblico, è dedicato questo volume, che, nel cinquantesimo anniversario della comparsa, ne racconta per la prima volta la storia. Nato dalla matita di Nino e Toni Pagot, Calimero fece la sua prima apparizione il 14 luglio 1963: da allora, la sua vocina inconfondibile che protesta "è un'ingiustizia però..." ha fatto il giro del mondo, conquistando il cuore di grandi e piccini. Il pulcino tutto nero, - a cui sono state dedicate ricerche, canzoni, libri e citazioni - ha rappresentato nell'immaginario comune l'eroe e l'antieroe, il compagno fedele di avventure e disavventure, l'amico sensibile e ingenuo. Attraverso una vasta raccolta di disegni, tavole originali, storyboard e oggetti provenienti dal ricchissimo archivio Pagot, il volume ne ripercorre 50 anni di avventure, dagli anni di Carosello alla trasformazione in serie televisiva - con la comparsa della fidanzata Priscilla e dell'amico Valeriano - dalla notorietà conquistata in molti paesi anche lontani, come il Giappone, fino alle recenti trasposizioni del cartone in 3D. Testi: Dario Cimorelli, Stefano Salis

Questo volume esplora un ambito della storia dell'arte italiana contemporanea poco studiato sinora: l'ambiente come opera. Si tratta di un territorio aperto nel 1949 da Lucio Fontana: da allora molti artisti italiani si sono cimentati nella progettazione e nella realizzazione di "ambienti/arte", spesso con una singolare anticipazione rispetto a opere simili create in un contesto internazionale. La grande stagione italiana degli "ambienti", che si può collocare tra gli anni sessanta e settanta, continua ancor oggi con le generazioni più giovani, con alcune significative varianti rispetto ai primi pionieristici lavori. Quaranta artisti italiani, tra i più rilevanti nel campo degli "ambienti", costituiscono il nucleo espressivo su cui Marco Meneguzzo, ideatore del progetto critico, Bruno Di Marino e Andrea La Porta riflettono storicamente, accanto ai contributi di altri studiosi più giovani.