Electa

Electa pubblica una monografia retrospettiva sul lavoro di Mimmo Jodice (Napoli, 1934). Il progetto nasce da Attesa 1960-2016, la più ampia mostra antologica dedicata a Mimmo Jodice, ospitata al museo Madre di Napoli dal 24 giugno al 24 ottobre 2016 e curata da Andrea Viliani: in un percorso espositivo concepito dallo stesso artista vennero presentate al pubblico più di cento opere suddivise in diverse sezioni fra loro connesse, evocando un tempo circolare, ciclicamente ritornante su se stesso e sui suoi motivi ispiratori. Il volume, che di quella mostra conserva lo spirito e il messaggio, accoglie un apparato scientifico aggiornato e completo con saggi inediti di studiosi di fama internazionale, che approfondiscono diversi aspetti disciplinari della ricerca di Jodice: Salvatore Settis scrive della relazione pervasiva fra il soggetto archeologico e la sua rappresentazione fotografica, mai documentaria ma di reinterpretazione critica; Ester Coen esamina lo stringente rapporto fra la ricerca artistica di Jodice e la Metafisica italiana e, in parte, il Surrealismo, indelebili e fondamentali fonti di ispirazione di tutta la sua pratica; Nicola Spinosa approfondisce il tema del rapporto tra il maestro e il barocco a Napoli, in un percorso tra realtà e fantasia, sogno e illusione, arte e vita; Marta Gili e Tina Kukielski scrivono invece della pratica della fotografia e analizzano gli snodi della lunga carriera dell'artista. Una lunga intervista di Hans Ulrich Obrist a Mimmo Jodice e gli approfondimenti testuali dedicati alle differenti tematiche della mostra al museo Madre, a firma di Andrea Viliani, completano l'elenco dei testi, tutti inediti e realizzati per l'occasione. L'apparato iconografico, ricchissimo, è composto da oltre 350 fotografie, selezionate personalmente da Mimmo Jodice, cui fa da controcanto un'importante e ricca selezione di documenti, in parte inediti: inviti, brochure, copertine e pagine interne di cataloghi / libri d'artista / riviste, così come corrispondenze private, anche con altri artisti, oltre a prove di stampa e schizzi di allestimenti, frutto di una ricerca biennale presso gli archivi dell'artista. Corredano la monografia una serie di vedute della mostra al Madre e delle principali mostre personali precedenti, come, tra le altre, le mostre presso Philadelphia Museum of Art (1995); Kunstmuseum Dusseldorf (1996); Maison Européenne de la Photographie, Parigi (1998 e 2010); Museo di Capodimonte, Napoli (1998 e 2008); Cleveland Museum of Art (1999); Galleria Nazionale di Arte Moderna, Roma (2000); Castello di Rivoli-Museo d'Arte Contemporanea e Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea, Torino (2000); MassArt, Boston (2001); Museo d'Arte Moderna, Wakayama (2004); Museo della Fotografia, Mosca (2004); MASP-Museu de Arte de São Paulo (2004); MART-Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (2004 e 2016); Galleria d'Arte Moderna, Bologna (2006); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2010); Musée du Louvre (2011); Museo McCord, Montreal (2012); Städtische Museen, Jena (2013). Il volume, bilingue (italiano/inglese), è stato progettato dallo studio grafico Lefloft.

Armando Testa è forse il più importante e conosciuto pubblicitario italiano del secolo scorso. Ha saputo costruire un universo di immagini che, grazie all'ironia e all'incisiva forza comunicativa, sono diventate parte dell'immaginario collettivo. Il volume ci restituisce la capacità visionaria e l'universo visivo del grande artista: Testa applica al lavoro di creazione una sorta di strategia umoristica, una radicale anarchia creativa che lo porta ad appropriarsi, in maniera assolutamente libera, di stilemi, segni e riferimenti iconografici, riassemblati con una volontaria assenza di sistematicità dalla storia dell'arte, passando da John Cage a De Chirico, da Duchamp a Malevic, con un'inventiva propria dei grandi comunicatori e dei veri creativi. Le sue campagne e le sue immagini sono diventate delle vere e proprie icone del nostro tempo e il volume restituisce la ricchezza e la profondità del processo di elaborazione.

Ghirri ha portato all'architettura un modo più libero di concepire la realtà, basato non più su una riduzione e un'esclusione degli infiniti soggetti del mondo, ma sulla loro inclusione in un'immagine attuale, una lettura del paesaggio in cui l'architettura, nelle sue diverse forme e nei suoi diversi tempi, è ricollocata nel presente.

"Esiste un solo modo di percepire l'architettura: attraverso l'edificio realizzato. Tutte le mostre di architettura devono partire da questo semplice concetto. Fotografie e immagini di progetti realizzati non possono sostituire l'esperienza della stessa." David Chipperfield, dall'introduzione del volume Electaarchitettura pubblica con Koenig Books il catalogo della mostra "David Chipperfield Architects Works 2018" allestita nella Basilica Palladiana di Vicenza (12 maggio - 2 settembre 2018). David Chipperfield Architects Works 2018 presenta una selezione di circa 20 progetti recenti e in corso nelle loro diverse fasi di sviluppo, mostrando una serie di attività che si svolgono oggi in uno studio di architettura. La presentazione di ogni progetto è stata sviluppata dai rispettivi gruppi di progettazione negli studi di Londra, Berlino, Milano e Shanghai, dimostrando così il desiderio di affrontare sfide culturali, professionali e intellettuali. "Questa mostra rappresenta il nostro tentativo di rivelare come lavoriamo, come sviluppiamo le nostre idee, come i diversi progetti si muovono in parallelo in luoghi differenti, con risorse, priorità e collaboratori diversi, sempre alla ricerca di un equilibrio tra prospettiva locale e globale. ". Il volume, introdotto da David Chipperfield e dal saggio "Palladian Chipperfield" di Fulvio Irace, è corredato da disegni, immagini e foto selezionati tra progetti recenti, in corso, ed edifici chiave realizzati dallo studio, dalla fondazione nel 1985 ad oggi.

Uno studio monografico completo sull'opera di Achille Castiglioni (1918-2002), uno dei più originali maestri del design del XX secolo, attivo dalla fine degli anni Trenta. Esponente della migliore cultura progettuale italiana, Castiglioni, capace di coniugare nelle sue opere rigore e disciplina a una surreale vena ironica, ha contribuito in maniera decisiva, con i suoi numerosissimi allestimenti effimeri a trasformare i modi della pratica allestitiva e della museografia. Inoltre egli ha goduto di una meritata fortuna con gli oggetti di design che ha firmato, tanto che alcuni di essi sono divenuti oggetti di culto - si pensi alle lampade Arco, Frisbi e Parentesi, alla poltrona San Luca o ai tavoli Bramante e Leonardo da Vinci, ad esempio - dopo aver anticipato le evoluzioni dei gusti e delle mode. Il libro è il risultato del lavoro di ricerca che uno dei più attenti e curiosi studiosi delle produzioni nei campi della arti applicate, quale Sergio Polano, che ha svolto nell'archivio personale dell'architetto le ricerche più approfondite.

"Carta Bianca. Capodimonte Imaginaire" è il catalogo dell'omonima mostra allestita al Museo e Real Bosco di Capodimonte dal 12 dicembre 2017 al 9 dicembre 2018. L'insolita forma è pensata per contenere il risultato della sfida lanciata dal museo a dieci personalità internazionali in diversi campi del sapere. A persone diverse, con sensibilità, formazione, cultura, nazionalità e inclinazioni differenti, è stata data "carta bianca" per diventare 'curatori' della loro sala 'ideale' nel Museo di Capodimonte, selezionando liberamente circa dieci opere tra le 47.000 conservate, con il solo vincolo di spiegare la propria scelta. Le dieci sale, autonome l'una dall'altra, sono raccontate in altrettanti piccoli libri. Completano il catalogo l'undicesimo libro con l'introduzione di Sylvain Bellenger e Andrea Viliani e venti cartoline, due per ogni sala, che mostrano gli allestimenti e le opere.

Le loro figure e la loro fama di architetti sono indissolubilmente legati al successo e all'immagine dello Studio Monaco e Luccichenti fondato intorno al 1936-37 e destinato a diventare uno dei luoghi di punta di un nuovo modo di fare architettura, dove le sinergie di gruppo, gli alti specialismi, la garanzia di un prodotto di qualità e la capacità di saper trattare i vari aspetti della complessa materia progettuale sono stati in grado di fare la differenza: due personalità diverse ma un'unica solidale esperienza dell'architettura; un binomio la cui originalità di approccio al progetto e il cui stile inconfondibile travalicarono ben presto i ristretti confini nazionali per porsi all'attenzione della critica e della stampa specializzata internazionale. Amici dei più importanti artisti, poeti e intellettuali italiani del loro tempo, sono stati tra i più influenti e fervidi sostenitori dell'apertura del progetto architettonico alle correnti più avanzate e sperimentali dell'arte italiana moderna e contemporanea. Questa monografia sull'opera di Monaco e Luccichenti, colma un inspiegabile vuoto di conoscenze, ricostruisce, sullo sfondo di una storia del paese che va dal finecorsa dell'Italia mussoliniana all'Italia del boom e della dolce vita, un capitolo di architettura italiana in grado di riassegnare il posto a due suoi legittimi interpreti, tanto più significativi ed emergenti quanto più difficilmente collocabili nelle usuali categorie.

Quando la parabola dirompente e rivoluzionaria delle Avanguardie artistiche del primo decennio del Novecento si esaurisce a ridosso del primo conflitto mondiale, cede il posto ad una nuova visione della realtà e ad una nuova interpretazione del mondo che, facendo tesoro delle atmosfere sospese ed ambigue della prima metafisica dechirichiana e recuperando aulici modelli dal passato, coniuga temi contemporanei ad allegorie classiche. Si tratta di un fenomeno transnazionale che con acutezza critica e intelligente intuizione il critico d'arte monacense Franz Roh, in un suo celebre saggio dedicato alla pittura contemporanea tedesca e pubblicato nel 1925, definisce Realismo Magico. La formulazione è in effetti di un ossimoro poiché un termine collide con l'altro e tuttavia quella definizione calza perfettamente per un fondamentale segmento dell'arte italiana compreso tra l'esordio degli anni Venti, con qualche significativo antefatto, e il suo sviluppo negli anni Trenta, con qualche strascico negli anni della seconda guerra mondiale. A partire dalle invenzioni pittoriche di Giorgio de Chirico e di Felice Casorati, ma anche di Carlo Carrà e Gino Severini, i quali, abiurando la fede futurista, già alla fine degli anni Dieci propongono un "ritorno all'ordine" e un recupero dei valori plastici dell'arte del passato, da Giotto a Masaccio a Piero della Francesca, fino alla decisa presa di posizione e al formulario "realistico e magico, insieme" di Cagnaccio di San Pietro, Antonio Donghi, Ubaldo Oppi, Achille Funi, Cesare Sofianopulo e alle varianti sul tema di Mario Sironi, Giorgio Morandi, Piero Marussig, e molti altri, il manipolo dei "realisti magici" si incrocia con i destini di "Novecento", il gruppo milanese creato da Margherita Sarfatti, ma anche con le realtà locali dell'arte veneziana, triestina, torinese, romana uscite da esperienze secessioniste. La realtà artistica italiana, ben connotata e ricca di suggestioni e spunti, non risulta tuttavia isolata, trovando significativi contrappunti e analogie, pur nella diversità degli obiettivi e delle matrici culturali di partenza, con la Neue Sachlickheit (Nuova Oggettività) tedesca, ma anche con i realismi che emergono in Olanda così come in Unione Sovietica, negli Stati Uniti come in Francia, in una generale riconquista dell'arte come mimesis della realtà, ma inevitabilmente attraversata dalle inquietudini esistenziali e ideali del Novecento. Struttura della mostra La definizione "Realismo Magico" riguarda un momento dell'arte italiana circoscritta, nella fase più creativa ed originale, in circa dieci anni, tra il 1920 e il 1930, rappresentando in sostanza il clima di fine delle Avanguardie, del ritorno al mestiere (in particolare nella pittura) e una specifica declinazione di una temperie neoclassica che ha tangenze con il gusto déco nella sua specificità italiana. Allo stesso tempo a questo segmento dell'arte italiana si legano termini specifici quali realismo, magia, metafisica, spettrale, obiettivo, vero, naturale, surreale. La mostra si articola intorno a 85 capolavori della pittura di quel momento, secondo una precisa ricostruzione filologica e storiografica del fenomeno "Realismo Magico". Alla struttura cronologico-filologica si innesterà in alcuni punti una proposta tematica (il ritratto, la natura morta, l'autoritratto, i bambini, il circo e il gioco, il paesaggio, I'eros, il nudo, l'allegoria) che permetta al pubblico di cogliere le novità interpretative che il Realismo Magico mette in campo rispetto ad alcuni generi della tradizione pittorica.

I ragionamenti di Barbara Radice, scaturiti da lunghi e appassionati studi tra le carte dell'autore, hanno consentito a Christoph Radl, come a Michele De Lucchi nell'allestimento, di scegliere e disporre con maestria, su un album di grande formato, gli scritti, talora riprodotti in suggestiva anastatica e le immagini (disegni, fotografie, bozzetti, studi, ambientazioni) così che affiorano informazioni sconosciute, memorie, intuizioni, connessioni per restituire da un'angolazione inedita tutta la forza dirompente di uno dei più grandi “maestri” del design italiano, di un intellettuale che metteva in discussione i luoghi comuni di un sistema di valori consolidato.