Forme d'arte

C215, pseudonimo di Christian Guémy, uno dei grandi maestri della Street Art contemporanea, si racconta tra queste pagine attraverso le interviste rilasciate ad Alessandra Mattanza. Un ritratto intimo e personale dell'artista e della sua visione, basata sulla convinzione che davvero l'arte possa cambiare il mondo. Da Parigi a Los Angeles, da Roma a New York, da Londra a Istanbul, le immagini delle sue opere più celebri e più importanti, scattate da lui stesso, accompagnano il racconto e conducono il lettore alla scoperta di un caleidoscopio di emozioni, capaci di togliere il fiato, risvegliare la coscienza e lasciare un segno indelebile.

Il 20 febbraio 1909, accompagnato da un clamore internazionale, usciva su "Le Figaro", a Parigi, il manifesto di fondazione del Futurismo, stilato da F.T. Marinetti, poeta, letterato e geniale comunicatore. Con quello scritto programmatico Marinetti inaugurava una modalità di comunicazione dirompente e inedita per la cultura, poiché i manifesti futuristi sarebbero poi stati distribuiti con mezzi "popolari" come volantini stampati in centinaia di migliaia di copie, oppure pubblicati su organi d'informazione non specialistici, o declamati nelle affollatissime serate futuriste, aperte a tutti. D'allora in poi il Futurismo avrebbe adottato questa pratica comunicativa per ognuno dei molti ambiti in cui si avventurò - poesia, pittura, scultura, architettura, danza, teatro, arti decorative, grafica, pubblicità e molto altro -, nel suo sogno di saldare l'arte e la vita, ridisegnando l'intero orizzonte umano. E poiché in ognuno di quegli scritti si proclamavano le basi teoriche cui attenersi nella pratica artistica, per comporre questa mostra ci siamo affidati ai manifesti stesi dagli artisti visivi - da Boccioni, Carrà, Russolo, Balla, Severini, a Depero, Prampolini e agli aeropittori degli anni Trenta - esponendo le opere che meglio e più puntualmente illustrano i princìpi teorici esposti in ognuno. Perché, quelle che potrebbero apparire come invenzioni brillanti e curiose, sono in realtà la trascrizione di un vero sistema di pensiero.

Leonardo da Vinci, genio ancora oggi studiato e apprezzato per la sua versatilità e il modo eclettico di approcciarsi alla conoscenza, non è considerato anzitutto un "pittore di Madonne". Eppure, alcuni dei suoi dipinti più noti insistono sull'iconografia mariana, autentici capolavori di dolcezza e grazia, all'origine di veri e propri modelli la cui fortuna si è tramandata anche dopo la morte. Perché Leonardo fu un innovatore non solo in campo scientifico. In ambito artistico si inserì nella tradizione pittorica per rinnovarla, nella tecnica e nei temi, in particolare nel soggetto così caro alla devozione privata rinascimentale delle Madonne col Bambino. In questo libro Rosa Giorgi affronta un arduo percorso: raccontare il fascino e il mistero di tutte le Madonne dipinte dal grande artista, per svelare al lettore appassionato la loro storia, i loro segreti, le loro meravigliose cromie. E fargli scoprire, passo dopo passo, l'universo leonardesco incastonato come una perla nello scrigno del Rinascimento italiano.

Diciassette street artist di fama internazionale per altrettanti muri, collocati in punti nevralgici della città, ciascuno dedicato ai diciassette obiettivi dell'Agenda 2030 per lo sviluppo sostenibile sottoscritta dai governi dei centonovantatré paesi membri dell'Onu. Protagonista indiscussa del progetto è la città di Torino, con una serie di location individuate nei quartieri più rappresentativi, dal centro alle periferie. Con TOward 2030 il Comune di Torino, Lavazza e Asvis (Alleanza italiana per lo sviluppo sostenibile) hanno dato il via a un ambizioso progetto artistico, durato due anni e raccontato in questo libro, che candida il capoluogo piemontese a diventare ambasciatore della sostenibilità ambientale e sociale, interpretata attraverso la street art. Ognuno dei diciassette obiettivi (dalla parità di genere all'istruzione di qualità, dalla lotta contro il cambiamento climatico alla sconfitta della povertà e delle diseguaglianze) viene interpretato secondo il linguaggio e i codici della street art e delle culture metropolitane. Un grande racconto per immagini che questo libro ci restituisce attraverso le fotografie che ritraggono, oltre alle opere, anche il backstage e il making of, arricchite da riflessioni e suggestioni. Il libro si chiude con un racconto a più voci in cui gli attori principali cercano di immaginare uno scenario futuro che è ormai alle porte.

Per riuscire a riprodurre un tono di colore è importante saperlo scomporre: la neve ha decine di sfumature di bianco, che vanno dalla componente gialla a quella azzurra, e il mare passa dal verde al violetto, al grigio e al blu... Il manuale insegna a leggere i colori e a trovare la composizione delle tante sfumature presenti in natura per poterle riprodurre esattamente. Il colorimetro è una griglia facile da usare, che permette di dosare i colori per ottenere esattamente il tono voluto e di coglierne a fondo tutte le sfumature e quindi anche la bellezza.

Il libro propone un'analisi del rapporto tra Kazimir Malevic - l'artista che più di ogni altro ha affrontato il problema della visione dell'invisibile - e la dimensione estetico-filosofica dell'icona. Dopo aver ripercorso i fondamenti teologici e spirituali di questa grande tradizione dell'Oriente cristiano, l'Autore prende in esame l'opera del fondatore del Suprematismo a partire dal celeberrimo Quadrato nero - uno dei miti e dei riti istitutivi dell'arte moderno-contemporanea - e di questa vera e propria ultima icona fornisce una lettura che corre in parallelo con il "De visione dei" (1453), uno straordinario scritto del filosofo e teologo Nicola Cusano, che di quell'opera seminale sembra paradossalmente rappresentare il commento anticipato. Nell'opera di Malevic assume nuova vita il problema artistico e teologico-filosofico dell'icona. Ciò significa che in realtà le avanguardie non operano una tabula rasa (la "parola d'ordine" con la quale sempre si sono autopresentate) della cultura artistico-filosofica precedente, ma che l'intreccio tra appartenenza e modificazione si anima anche in quei casi ove più enigmaticamente evidente ci si offre il tratto dell'azzeramento radicale, della rielaborazione più innovativa.

Queste fotografie sono il diario visivo del Myanmar, l'obiettivo dell'autore è stato quello di catturare la sua gente, spontanea ed estemporanea, lontana dal bagliore di un mondo ossessionato dalla politica del Paese, il suo iconico leader e il suo futuro economico. Le emozioni sono catturate furtivamente e rivelate semplicemente, attraverso l'obiettivo in bianco e nero di un vecchio iPhone.

Questo libro è una guida per tutti coloro che lavorano la ceramica, dai principianti assoluti agli appassionati che si dedicano a questo hobby nel tempo libero, dagli studenti d'arte ai vasai professionisti. Attraverso queste pagine Stuart Carey vi accompagnerà in tutte le fasi di lavorazione, facendovi scoprire come funziona l'argilla e come applicare le vostre capacità alla ruota da vasaio e non solo. Grazie a semplici istruzioni passo passo, immagini chiare e suggerimenti utili, diventerete provetti ceramisti e sarete in grado di creare opere al tempo stesso belle e funzionali.

Due giganti della pittura, Francis Bacon e Lucian Freud, a confronto per raccontare uno dei più affascinanti e significativi capitoli dell'arte mondiale con la "School of London". Sette decenni di arte britannica e lo spirito di un'intera città presentati attraverso le opere dei due maestri e dei loro contemporanei: Michal Andrews, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Paula Rego. Artisti nati tra l'inizio del Novecento e gli anni Trenta, la maggior parte immigrati in Inghilterra per motivi differenti, che hanno segnato un'epoca, ispirato generazioni, utilizzato la pittura per raccontare la vita.

In questo volume sono presentate le produzioni grafiche dei fanciulli del ghetto di Lodz, con lo scopo di riportare un "cono di luce" su di essi, a volte anche grazie ad un nome impresso su un disegno, quasi per tentare di strapparli alle tenebre dell'oblio e della morte. Tali creazioni hanno rivelato la loro interiorità, emersa anche attraverso i loro bigliettini augurali e gli inviti agli spettacoli di fine anno scolastico, in cui si ravvisano le aspirazioni, i sogni e la ricerca di una "normalità" quotidiana, che spesso si scontravano con una tragica realtà, senza prospettive di sopravvivenza. Questi ragazzini ci hanno lasciato la prova testimoniale della loro esistenza nel ghetto, a volte con il tratto e la pressione marcati sul foglio, manifestazioni di paura o di rabbia, divenuti importanti quanto le parole, proprio per essere forme primordiali di espressione: è nato così il desiderio dell'autrice di riportare in vita almeno il loro ricordo.

"Antonello dipinge Maria" costituisce, all'interno di un'articolata analisi delle tavole, una lettura "altra" della complessità sacrale, non disgiunta dalla visione della forma, dalle tensioni ideali e dal contesto storico. Protagonista del libro è Antonello da Messina, che nelle opere mariologiche affronta, dall'età giovanile sino alla maturità, con sempre maggiore acume introspettivo, la figura della Vergine Madre, mai percepita in termini pietistici. L'artista svela, nell'incanto di una pittura esaltante il Rinascimento, l'essere di una donna gravida di dubbi e angosce, che accoglie un incomprensibile destino che la unisce al Figlio. La realtà di Maria è pienamente umana, di donna splendente nella carne e inquieta nello spirito. Questa interiorità esistenziale affascina la ragione di Antonello il quale, nella sequenza di 17 ritratti, tenta di penetrare la mente di Maria, percepirne pensieri ed emozioni, ascoltarne i silenzi, interpretare lo sguardo suo inabissato nel vuoto. Dà vita a una pittura profonda, Antonello, rivelatrice della femminilità della fanciulla di Nazareth, della sua psiche, della sua intelligenza aperta al mistero. I ritratti, indubbiamente intellettuali, non sono destinati al devozionismo, bensì all'appercezione, poetica e teologica, di Colei che Dante dice "rosa in che 'l verbo divino/ carne si fece". Sebbene denso di rimandi formali, evocazioni bibliche, riflessioni critiche, il libro, che si incentra sull'esegesi dei singoli ritratti, si sviluppa diacronicamente in vari capitoli con una scrittura narrativa, talvolta empatica, tesa alla contemplazione dei capolavori del pictor cecilianus.