Forme d'arte

Nell'andare raccogliendo le superstizioni, le fiabe, le leggende e le credenze dell'Appennino Marchigiano, attorno al XV secolo gli abitanti e i pellegrini che arrivavano in queste zone avevano l'uso di tatuarsi le mani o l'avambraccio vicino ai polsi. Erano tatuaggi di colore blu di figure, motti, croci, simboli sacri, cuori trafitti, teschi e ancore. Questa popolazione così semplice, gentile e intelligente nella quale pare si siano confuse e quasi adagiate le civiltà umbra ed etrusca, ha l'uso di tatuarsi; gli uomini singolarmente: ed è facile di scoprirlo, perché si tatuano in generale le braccia verso il polso. L'osservatore rimane sorpreso di vedere nei lavoratori dei campi, colle maniche rimboccate, questi segni simbolici di colore turchino: una figura, un motto, una croce e i simboli della Passione col sole e la luna, o quello dello Spirito santo, e uno o due cuori sopra un globo, talvolta ad una stella; poi un millesimo, eterno, incancellabile non ti scordar di me, come dice la canzone. Le origini di questa tradizione venivano dal Santuario di Loreto, probabilmente era un atto di devozione o forse di riconoscimento.

Riempire tutto di colore o lasciare gli spazi bianchi senza alcun rancore. Tutto pieno o tutto vuoto, è indifferente! L'importante è lasciar libera la mente.

Come si scrive la storia dell'arte? La scuola di Vienna ha dato contributi fondamentali alla domanda, operando una rivoluzione metodologica. Nel solco di questa tradizione, Sedlmayr promuove una storia dell'arte che riesca a rendere conto dell'opera nella sua totalità di senso, dalla sua concreta materialità fino alle sue più rarefatte implicazioni spirituali. Se è stata tentata, con Riegl, una storia dell'arte come storia del senso dello spazio, è invece ancora tutta da scrivere, secondo Sedlmayr, una storia delle arti visive sub specie lucis. La luce nelle sue manifestazioni artistiche ne tratteggia appunto il programma, affrontando i "problemi fondamentali" e individuando quelle "epoche fototropiche" che sono riuscite a scoprire nuove materie luminose e a impiegarle nelle loro espressioni artistiche. Completano il volume altri quattro saggi intimamente connessi al programma di ricerca di Sedlmayr, che precisano importanti risvolti implicati dalla filosofia della storia della luce, dalle dottrine dell'analogia e del simbolo in arte, dalla fenomenologia e dall'ontologia del colore nel suo rapporto con la luce e l'oscurità.

La prima guida dalla A alla Z per scoprire il linguaggio segreto dei tatuaggi Che significato hanno i tatuaggi più popolari del mondo? Dalle rondini dei marinai ai teschi messicani, dal filo spinato dei prigionieri agli intricati disegni Maori, i tatuaggi sono stati usati come mezzo di comunicazione dalle culture di tutto il mondo per migliaia di anni. Ma che significato hanno i simboli più ricorrenti? È possibile individuare un linguaggio, stratificato nel corso dei secoli, che attribuisca ai disegni un valore universale? Attraverso una ricerca meticolosa, Trent Aitken-Smith ha rintracciato le origini delle figure più popolari, rivelando i loro significati nascosti e le loro storie, che risalgono a un passato ormai dimenticato. Con una raccolta di oltre duecento simboli, questo libro è il primo dizionario illustrato dei tatuaggi: un viaggio entusiasmante nel mondo dell'inchiostro sulla pelle. L'ancora Simbolo di forza, stabilità e costanza. L'angelo Rappresenta tutto ciò che non possiamo ottenere come esseri mortali. Il drago Figura mitologica che ha potere e controllo sull'universo. Il tristo mietitore Simbolo della morte che cammina sulla terra per guidare l'uomo tra il mondo terreno e l'aldilà. Il Sacro Graal Rappresenta la nostra anima e la ricerca dell'illuminazione. Il ferro di cavallo Un simbolo associato da sempre alla buona sorte. La libellula Il significato mistico di questo animale è la guarigione e la trasformazione.

I tatuaggi minimali sono sempre più una tendenza. Grazie alle celebrità che li esibiscono sui social (prime fra tutti Kendall Jenner, Hailey Baldwin e Bella Hadid), i micro tatuaggi vanno per la maggiore. Questo manuale di 1000 minuscole opere d'arte, attentamente suddivise per stili e soggetti è curato dalla tatuatrice, e star di Instagram, Rebecca Vincent. Una fonte di ispirazione per gli artisti del body art o per chiunque voglia esplorare il mondo del tatuaggio.

Le 160 tavole a colori di magnifiche opere, tutte conservate in collezioni private, di importanti artisti: Sellitto, Ribera, Battistello Caracciolo, F. Vitale, De Bellis, Stanzione, Vaccaro, F. Guarino da Solofra, Preti, ecc. nonchè di tanti pittori ancora definiti "minori".

Nel mondo kawaii, ogni cosa è piccola e carina! Aggiungendo occhi e bocca, anche l'oggetto più insignificante può diventare adorabile. In questo modo i lama sorridono, il sushi fa l'occhiolino, la Tour Eiffel tira fuori la lingua e le gondole cantano. Entra in questo piccolo universo della cultura giapponese e impara a disegnare passo dopo passo dei personaggi colorati e pucciosi!

La mente, la mano e la macchina sono i tre punti da cui passa il piano metodologico del progetto, sul quale poi l'uomo costruisce tutti i suoi artefatti. In altre parole, dall'unione di teoria, pratica e tecnologia, si sviluppano tutte le azioni e le cose che determinano la cultura del design. Dopo un'introduzione panoramica al ruolo di questi poli, alcuni approfondimenti storici e critici tra Rinascimento e Novecento ci portano alla conoscenza della sottile ma resistente e fitta trama tra "alto artigianato" e "alta tecnologia". Fra gli intrecci amorosi e progettuali che hanno spesso benedetto la passione del fare italiano, la visione umanistica universale ha sempre posto la condizione umana al centro dell'innovazione, tra rivoluzioni silenti e progetti radicali. Lo sviluppo del design italiano ha profonde radici nella cultura artigiana in relazione all'architettura. È negli interni d'inizio Novecento, infatti, che la moderna storia del design si è accesa, e lì gli artigiani esercitavano tutte le arti. Questo volume approfondisce il tema del rapporto vitale tra cultura del progetto, alto saper fare e imprenditorialità, che ha storicamente trovato terreno più che mai fertile nel nostro Paese. Il volume illustra, grazie a un ampio apparato iconografico, le relazioni fruttuose e le dinamiche che s'innescano tra designer, artigiano e impresa. Mondi apparentemente diversi, ma profondamente concatenati, in grado di mantenere prerogative e identità in un continuo susseguirsi di scambi, arrivando a fertili soluzioni, capaci di coniugare funzionalità ed estetica. Confrontarsi con queste realtà significa soprattutto recuperare il valore della cultura del fare; sviluppare un processo di ricerca che parta dalla materia per arrivare alla forma; coltivare una particolare attenzione verso l'opera unica o di piccola serie; sviluppare una sensibilità culturale sempre più diffusa anche nel pubblico verso il valore della materia, della sua lavorazione e dei processi di elaborazione tecnica.

"Storia della pittura" racconta l'arte attraverso una prospettiva originale: i nuovi materiali e le tecniche, oltre che le idee, hanno ispirato gli artisti di tutti i tempi, portando a stupefacenti innovazioni e a capolavori indimenticabili. Splendide immagini, dettagli dei dipinti e contenuti di rilievo... Un libro per ogni appassionato o per chi voglia vedere l'arte da un punto di vista alternativo.

In Disegnare e dipingere volti espressivi, l'artista e insegnante Amarilys Henderson condivide il suo metodo semplice e divertente per ritrarre persone reali e immaginarie, con istruzioni dettagliate che vi guideranno passo passo. Procurarsi il materiale: esplorate le potenzialità creative di acquarelli, inchiostri e pennarelli e mettete insieme un kit portatile per riuscire a catturare volti ed espressioni in ogni momento. Semplificare il volto e individuare le proporzioni: imparate a usare le foto per riconoscere le caratteristiche principali di ogni volto; scoprite come calcolare le proporzioni e posizionare nel modo corretto gli elementi del viso; mettete in pratica quanto appreso grazie a un semplice esercizio che vi insegnerà a dipingere con i diversi valori tonali di un solo colore. Forme ed elementi del viso: scoprite le cinque forme base del volto e come definire mento, orecchie e attaccatura dei capelli; disegnate e dipingete occhi, nasi e bocche; aggiungete dettagli per rappresentare atteggiamenti e personalità. Mischiare i colori: usate le tinte giuste per ottenere un'ampia gamma di tonalità della pelle, ombre ed espressioni realistiche. Dare vita ai volti: seguite il procedimento dall'inizio alla fine, rifinite i dettagli per indicare etnie e generi diversi, e infine aggiungete un tocco di stile personale per rendere davvero uniche le vostre creazioni. Idee per progetti: lasciatevi ispirare da fantastici spunti per mettere in pratica le vostre nuove abilità: urban sketching, biglietti e regali personalizzati, motivi ripetuti e altro ancora!

Una combinazione affascinante: a due racconti di Ray Bradbury - "L'uomo illustrato" e "La donna illustrata" -, si accompagna una ricca selezione fotografica di capolavori a cura di maestri contemporanei dell'arte del tatuaggio. La prosa tagliente di Bradbury si affianca a immagini di grande intensità, ritratti di uomini e donne "illustrati", in un percorso che parla non solo di bellezza estetica e stilistica, ma anche e soprattutto di complessità psicologica: perché ogni tatuaggio ha molte storie, molti significati, che cambiano nel tempo e negli occhi di chi li osserva (o li esegue, o li sceglie). Il volume, che riporta i testi originali in inglese e un inserto con le traduzioni italiane, si conclude con una sezione biografica dedicata allo scrittore e agli artisti.