Electa

L'evento espositivo si propone l'obiettivo di far conoscere al grande pubblico una delle classi più preziose e meno note tra i materiali restituitici dall'antichità, che rivestiva accanto a quello economico, un forte valore simbolico. Affiancando ai materiali di competenza della Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli e Caserta i prestiti provenienti dalla maggior parte dei musei italiani e da prestigiose istituzioni straniere, l'esposizione presenta un cospicuo numero di oggetti in ambra, inseriti nei contesti di provenienza, oggetti che consentono non solo la costruzione di un quadro il più possibile unitario della produzione artistica e dei percorsi di approvvigionamento dell'ambra, ma anche la comprensione dei meccanismi economici, sociali e rituali alla base della sua distribuzione.

"Pesci rossi" si intitola una fortunata raccolta di scritti di Emilio Cecchi, che vide la luce nel 1920. Pochi anni prima Cecchi, in occasione della mostra della Secessione Romana, aveva avuto modo di ammirare I pesci rossi di Matisse: al quadro, così moderno nell'estetica delle forme e nella profondità delle allusioni, e alla mostra, lo scrittore dedicò un breve articolo e qualche annotazione sparsa dei suoi taccuini, suscitando l'interesse e la curiosità dei suoi lettori, di altri critici del suo tempo, e perfino della famiglia reale. Sì che da allora, e per qualche tempo, pesci rossi allusero proprio a quei brevi saggi, a quelle colte divagazioni del tipo ricordato. Ci è piaciuto riproporre quella stessa tecnica dello scrivere, un saggio breve illustrato, che abbia per argomento un artista, un'opera, una città, un monumento. O altro ancora, sempre connesso alla materia di cui trattiamo, la storia dell'arte.

Il catalogo della mostra realizzata a Venezia dedicata a John Singer Sargent (1856-1925). Oli e acquerelli, realizzati tra il 1880 e il 1913, finalmente esposti a Venezia, la città più amata da Sargent. Circa sessanta opere, tutte a tema veneziano, del maggior esponente dell'impressionismo americano, noto per i ritratti dell'aristocrazia e dell'alta borghesia inglese e americana, fra cui Henry James e Vernon Lee. Animate dai riflessi della luce sull'acqua e sulle architetture, le vedute dei luoghi e dei monumenti più noti (ponte di Rialto, palazzo Ducale, chiesa della Salute) insieme alle visioni di vita quotidiana della Venezia dell'epoca, con interni di botteghe, strade affollate, donne al lavoro, caffè e osterie, creano un suggestivo viaggio in gondola lungo il Canal Grande. Con una prefazione di Giandomenico Romanelli e saggi di Warren Adelson, Richard Ormond, William H. Gerdts, Elaine Kilmurray, Elizabeth Oustinoff e Rosella Mamoli Zorzi.

La mostra consiste nella presentazione dell'opera "Manège" (letteralmente giostra) presentata nel 2006 presso lo spazio 315 del Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou di Parigi e per la quale Closky aveva vinto il prestigioso "Prix Duchamp" l'anno precedente. L'installazione mette in scena una serie di 16 schermi piatti appesi a intervalli regolari che "lanciano" una riflessione sul tempo: da prendere, trovare, avere, dare, fare, guadagnare, passare, o addirittura uccidere.

Introdotta da un saggio di Francesco Dal Co, la monografia sull'opera di Sverre Fehn analizza, opera per opera, la particolare simbiosi che la sua architettura instaura tra il linguaggio formale moderno e la tradizione locale delle regioni da cui proviene. Le invenzioni strutturali, che caratterizzano tanto le opere costruite quanto i progetti, sviluppano in modo coerente la lezione appresa negli anni di apprendistato nello studio di Jean Prouvé. La sua architettura, dai semplici caratteri costruttivi, strettamente funzionali all'espressione dei contenuti, si fondono in un equilibrio compositivo che evita l'esibizione gratuita tanto della tecnica quanto l'esaltazione delle qualità plastiche dei materiali.

La mostra consiste nella presentazione dell'opera "Manège" (letteralmente giostra) presentata nel 2006 presso lo spazio 315 del Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou di Parigi e per la quale Closky aveva vinto il prestigioso "Prix Duchamp" l'anno precedente. L'installazione mette in scena una serie di 16 schermi piatti appesi a intervalli regolari che "lanciano" una riflessione sul tempo: da prendere, trovare, avere, dare, fare, guadagnare, passare, o addirittura uccidere.

Attraverso circa ottanta opere (disegni, tele, video, fotografie, sculture e installazioni), la collettiva presenta 24 artisti attivi in Italia o italiani attivi all'estero, emersi intorno agli anni Novanta: Simone Berti, Botto & Bruno, Pierpaolo Campanini, Monica Carocci, Alice Cattaneo, Paolo Chiasera, Sarah Ciracì, Francesco De Grandi, Elisabetta Di Maggio, Giuseppe Gabellone, Giovanni Kronenberg, Andrea Mastrovito, Sabrina Mezzaqui, Adrian Paci, Diego Perrone, Luisa Rabbia, Pietro Roccasalva, Pietro Ruffo, Andrea Salvino, Elisa Sighicelli, Patrick Tuttofuoco, Nico Vascellari, Francesco Vezzoli e Carlo Zanni. La mostra si inaugura a circa cinque anni dall'inizio dell'attività espositiva del MAXXI ed è frutto di un lungo e approfondito lavoro di ricerca, analisi, catalogazione di testi, immagini, documenti sugli artisti contemporanei in Italia, riuniti infine in una mostra che ne suggerisca le ipotetiche future direzioni così come le origini, le radici, i modelli. Molti artisti non hanno mai esposto al MAXXI né sono presenti nella collezione del Museo, per una precisa esigenza di direzionarsi all'esterno, verso situazioni sempre nuove e in movimento.

Un segno acuto e raffinato quello di Ettore Viola che da vent'anni, sulle pagine dei maggiori quotidiani italiani, pubblica ritratti di personaggi della storia e della cultura. La mostra antologica 'Ritratti quotidiani" presenta ottanta disegni, in tavole originali, di profili apparsi sulle pagine di Repubblica, Stampa e Messaggero. Copertine, riproduzioni di pagine, fogli di lavoro con tecniche diverse ripercorrono l'intero percorso dal momento della creazione artistica a quello della pubblicazione sul giornale: il lavoro di un disegnatore di altissimo livello che con il suo tratto pregiato spazia sui temi diversi imposti dalla vita frenetica di ogni quotidiano, dalla musica alla letteratura, dal cinema al reportage. Riemergono così, imponendosi sullo spazio bianco della tavola o tra le colonne di inchiostro del giornale, le figure di Proust, De Chirico, Adorno, Picasso, Joyce, Camilleri, Verdi rese vivide da un illustratore mai banale, mai scontato.

Grazie alle scuderie del Quirinale e al concorso del Polo Museale di Firenze e del Polo Museale di Roma, il pubblico italiano e internazionale avrà l'occasione di conoscere più da vicino l'arte di Albrecht Dürer, non soltanto come maestro di grafica stampata ma anche come brillante pittore, acquerellista e disegnatore. Si tratta, infatti, della prima mostra in Italia dedicata a questo geniale artista del Rinascimento in un'ottica complessiva.

Il volume è dedicato all'ampia famiglia di oggetti di uso quotidiano di cui non solo non si conosce il progettista ma che non si identificano immediatamente con un'azienda. In un momento in cui viene data grande rilevanza alla "firma" del designer o del brand, più in generale in una fase di trasformazione delle merci estetiche contemporanee, le "normali" virtù del design anonimo meritano di essere sostenute e proposte ad exempla. Il volume presenta un corpus centrale di oltre settanta schede, dedicate ad altrettanti oggetti, volte a costituire un primo inventario del design anonimo italiano che identifica in questi artefatti, dall'età preindustriale ai nostri giorni, la prima sistematica ricognizione di prodotti anonimi dal design di qualità in Italia. Dalla moka Bialetti all'Ape Piaggio, dalle sedie di Chiavari al borsalino, dalla tripolina alla pentola a pressione, dal gelato "La coppa del nonno" al Campari Soda.

Rachel Whiteread (Londra 1963) è una delle artiste più importanti della sua generazione. Sin dal 1988, dopo essersi laureata alla Slade School of Fine Art, Whiteread ha utilizzato per le sue sculture calchi di oggetti quotidiani: lo spazio sotto le sedie e i letti e all'interno di armadi, vasche da bagno e interni di case viene invertito cosicché il vuoto diventa solido, il negativo si trasforma in positivo. Attraverso la descrizione dell'assenza, l'artista riesce comunque a far emergere associazioni sensoriali grazie anche all'uso di materiali quali poliuretano, resine, gesso e gomma che acuiscono la percezione di qualcosa che non esiste più, ma che una volta era indissolubilmente legato alla vita umana. Il suo interesse si sposta progressivamente verso l'architettura intesa come spazio della collettività e della storia. La retrospettiva di Napoli è la prima mostra museale della Whiteread in Italia. Per l'occasione l'artista ha creato anche una grande installazione pensata appositamente per gli spazi dell'istituzione partenopea, utilizzando decine di case di bambola di varie epoche fino a formare un villaggio immaginario, reminiscente le ricostruzioni storiche negli allestimenti museali dei siti archeologici, analizzando e decostruendo la nostra percezione critica dei contesti abitativi.