Metilene

Si può provare a carpire il segreto dell'esistenza della poesia? La necessità, che abita gli esseri umani sin dalla notte dei tempi, di raccontare le loro storie attraverso questa eccezionale forma in versi? Brunella Antomarini in "La preistoria acustica della poesia" prova ad addentrarsi tra le spire complesse e oscure di queste domande che, per la loro squillante urgenza, avvertibile da chiunque desideri provare a corteggiare i dubbi radicali che segnano l'umanità ("Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?" per utilizzare la formula dell'interrogazione esistenziale di Paul Gaugin), rimandano a tempi antichi, tempi in cui l'esperienza poetica seguiva i ritmi delle formule rituali e il lungo dispiegarsi orale dei componimenti epici. Attraverso una ricerca sui fondamenti antropologici di questo manufatto umano, la paziente osservazione diacronica del valore "sonoro" dei componimenti e gli inevitabili aggiustamenti che segnano il trasferimento di elementi astratti come il ritmo, il tono e la voce sulla pagina scritta, titanico tentativo di concretizzare l'immateriale, Antomarini si lancia alla ricerca delle matrici che collegano il mondo antico della poesia con i suoi stati più evoluti utilizzando strumenti filosofici, linguistici e filologici. Questo «studio antropologico del fenomeno poetico», che si arricchisce nel saggio che chiude il volume, Pensiero poesia scrittura in feedback loop, di un ulteriore tassello di questa ricerca, ovvero il lento e inesorabile processo che ha portato le tecnologie a influenzare le attività creative, sonda ciò che si è perso di quel mondo poetico primordiale attraverso un lavoro di decostruzione di tutte quelle sovrastrutture che allontanano la poesia dal suo stadio originale, l'oralità.

La ricerca di Chiara Bettazzi, declinata in installazioni, fotografie e progetti condivisi, è profondamente legata a una riflessione sull'oggetto d'uso quotidiano rielaborato e rifunzionalizzato attraverso una pratica che viene, da una parte, orientata verso l'usa e getta e, dall'altra, votata all'accumulo compulsivo di oggetti di dubbia utilità. L'oggetto, in questo senso, viene inteso come materia con cui disegnare lo spazio, privandolo dal loro eventuale valore simbolico per trasformarlo e ricostruirlo costantemente. Un processo in cui tutte le sue installazioni possono essere interpretate come un unico lungo lavoro in progress che si sviluppa, si adatta, si declina o si concretizza in funzione di un determinato spazio, riutilizzando più volte gli stessi oggetti fino a quando questi non diventano polvere. Raccogliendo le intuizioni, le urgenze e le problematiche precedentemente sottolineate, la mostra Reverse, pensata appositamente per la Tenuta Dello Scompiglio, prende forma a partire dall'idea di natura morta come genere pittorico, legandolo alla sua genesi e alla sua evoluzione nel corso della storia dell'arte.

Art Odyssey non è un semplice viaggio in barca a vela, ma un'avventura nella storia e nell'arte, lungo le rotte delle civiltà nate sulle sponde del Mediterraneo. Come in un vasto museo diffuso, questo grande bacino conserva antichi templi di fronte al mare, città sepolte che affiorano dagli scavi archeologici, santuari di culti lontani nel tempo, torri e fortezze a guardia delle coste, porti e mercati pieni di colori. Ancora oggi navighiamo con gli stessi venti che in passato portavano verso levante e i fari sui promontori sono sempre il punto di riferimento per tutti i naviganti. Niente è cambiato. Attraverso fotografie scattate in navigazione o nei luoghi esplorati arrivando dal mare, Art Odyssey racconta una storia di mare e di incontri, di splendidi scenari naturali, di memorie del passato e di testimonianze del presente.

Cultori e cultrici della qualità e del "ritorno al mestiere", gli autori e le autrici selezionati mostrano, ancora una volta, la rivoluzione "silenziosa" della pittura, la sua capacità di rinnovarsi nel tempo in forme sempre più attuali, muovendosi sui sentieri accidentati quanto effimeri del presente in divenire. Una rivoluzione "policentrica", in atto tanto in Occidente quanto in Oriente, nel contesto inedito della tecnicizzazione della sensibilità umana che sta mutando profondamente l'esperienza percettiva. Ritrattistica, paesaggio, natura morta, sono solo alcuni degli aspetti della pittura contemporanea analizzati da Cesare Biasini Selvaggi, curatore del volume.

La mostra e il catalogo esplorano differenti prospettive di un percorso generazionale e multidisciplinare attraverso una lettura dell'arte abruzzese emergente progettata per rendere più complesse le narrazioni canoniche su quanto prodotto negli ultimi anni. Gli artisti e artiste selezionati si confrontano con immaginari più ampi rispetto a quelli designati tradizionalmente dal sistema dell'arte, spingendo lo spettatore a vedere il presente da lontano, in un confronto serrato e creativo con le molteplici sfere dell'identità. Da un lato, le autrici e gli autori individuati sconfessano la retorica che considera i "giovani" solo in riferimento alla loro proiezione nel futuro, dall'altro le loro prospettive artistiche dimostrano di abbracciare una temporalità plurale, composta di anacronismi, loop, ciclicità e dimensioni parallele.

Il volume, edito in occasione della mostra presso le Sale Affrescate del Comune di Pistoia, propone il percorso artistico del pittore e scultore da sempre affascinato dal racconto delle Donne Forti della montagna pistoiese. Soggetto predominante dell'opera di Begliomini è infatti la donna madre che vigila sui figli e orienta l'equilibrio etico della famiglia attraverso un'autorità indiscussa e ben accetta. Una figura femminile tipicamente riscontrabile nei primi anni del '900, quando gli uomini erano costretti a partire dai paesi della montagna per la Maremma, la Sardegna o la Corsica per lavorare come carbonai, lasciandole sole con i figli e le tante responsabilità.

Il cofanetto raccoglie i progetti espositivi realizzati negli spazi di Villa Rospigliosi a Prato nel corso del 2021 a cura dell'Associazione ChorAsis - Lo spazio della Visione. Nei loro processi creativi gli artisti, pur senza essersi consultati e certamente stimolati dal luogo, hanno concentrato il loro pensiero sul concetto di tempo, inteso nella sua accezione più ampia: Carlo Colli con il suo progetto evidenzia proprio la transitorietà dei momenti temporali, dove il passaggio da l'uno all'altro non è bloccabile in una monumentalizzazione avvertita come impossibile; il tempo è visto anche come occasione di meditazione sul qui e ora, come accade a Serena Fineschi con l'uso della meridiana o con il confronto gomma verde/prato erboso. Il tempo pare invece essere avvertito come memoria in Myriam Cappelletti, interpretazione declinata particolarmente sull'individuo; l'invito esplicito di Cristina Gozzini sembra invece essere quello di un tentativo di recupero del tempo naturale, dove il passo prende la giusta cadenza. La pubblicazione è composta da 4 volumi, uno per artista, raccolti in un cofanetto con testi di Riccardo Farinelli, Cristina Gozzini, Chiara Lupi e Laura Monaldi.

Dalla mitologia greca, secondo cui la dea Atena avrebbe donato la pianta agli uomini, la storia dell'olivo e dell'olio si snoda fino ai giorni nostri attraverso miti e credenze della tradizione popolare dove talvolta, come nel caso del malocchio, la religione incontra la magia. Oggi la scienza ha rafforzato il nostro legame con la pianta e con i suoi derivati, dimostrandone l'efficacia nella prevenzione e nella cura delle malattie. In particolare l'olio extravergine di oliva, usato in cucina, rappresenta un importante alleato per la salute. Benessere che si unisce al gusto nei piatti della tradizione per i quali nel libro, insieme alle ricette, sono riportate anche considerazioni storiche e dietetiche.

Il lavoro di Francesca Banchelli si focalizza principalmente sui linguaggi della pittura e della performance, articolandosi in installazioni poliedriche che mettono al centro la tematica del tempo come metodo per indagare la potenzialità della narrazione. Una percezione della realtà che diventa ricerca dell'armonia nel mondo e presa di coscienza di questi rapporti a livello fisico, emotivo e psicologico. Il progetto Afternoon, sviluppato nella Tenuta Dello Scompiglio di Lucca nel 2023, è costituito da una serie di grandi teli sospesi che accolgono disegni ai margini della figurazione: intrecci di corpi singoli che formano corpi collettivi, abbozzi di figure umane imprecisate e corridoi silenziosi che si stagliano su un pavimento ricoperto di cenere. All'interno i performer abitano liberamente lo spazio lasciando tracce dell'impercettibile con atteggiamenti lenti e contorti, producendo incontri casuali con gesti corrisposti e sovrapposizioni di corpi che portano allo sdoppiamento, alla differenza, per poi tornare al loro stato di solitudine iniziale. Una situazione in cui convivono senza paradossi la complessità e la leggerezza della presenza umana sulla Terra.

Franco Menicagli lavora da anni sul concetto di anti-monumentalità. Le sue sculture o installazioni ambientali, realizzate attraverso l'ibridazione di oggetti di recupero e materiali poveri, rivelano un'attenzione verso costruzioni precarie capaci di esprimere tensioni fisiche e relazioni simboliche con luoghi e persone. Le fragili impalcature tenute insieme da nastro adesivo o fascette diventano la protesi di una scultura da restaurare, spostando l'attenzione sul rapporto con la storia e il valore della conservazione. Attraverso lavori recenti come "Espansioni", una serie di sedie che accolgono altrettante strutture in poliuretano espanso, passando da "Clues", installazioni ambientali dove le linee-forza rivelano l'energia contenuta dallo spazio, fino ad arrivare ai lavori dei primi anni duemila, Menicagli analizza la possibilità di un equilibrio mobile, in una condizione aperta tra dispersione e disgregazione. Questo volume, pubblicato in occasione della mostra a Villa Rospigliosi a Prato a cura di ChorAsis, rappresenta la prima monografia dell'artista e si arricchisce dei testi di Pietro Gaglianò, Martino Margheri e Riccardo Farinelli.

Mecenate e filantropo, Niccolò Puccini ha avuto un ruolo imprescindibile nella storia della Toscana negli anni convulsi che prepararono l'Unità d'Italia. A Pistoia, sua città natale, sono molte le istituzioni per le quali si adoperò: dalla Cassa di Risparmio, alla nuova via Leopolda, dalla Ferrovia Porrettana agli istituti per l'infanzia, dalle scuole professionali alle raccolte d'arte e di libri. Ma soprattutto lo si ricorda per il Villone e il grande parco romantico di Scornio, luogo in cui visse per la maggior parte della sua vita, e che donò alla città per volontà testamentaria insieme al vasto patrimonio di famiglia. Per questo Niccolò Puccini rimane nella memoria collettiva e nella tradizione popolare come un personaggio illustre ma al tempo stesso vicino alla gente. Può lasciarci interdetti l'idea che quell'ometto con la gobba, che molti a Pistoia hanno l'impressione di aver conosciuto, discutesse di politica con Massimo d'Azeglio e Vincenzo Gioberti, frequentasse a Firenze gli intellettuali amici di Giovan Pietro Vieusseux, commissionasse quadri a Giuseppe Bezzuoli, invitasse a cena Pietro Giordani e intrattenesse epistolari con Leopardi.

Parlare di donne e design significa portare alla luce storie di progettiste capaci di superare i pregiudizi di genere e gli stereotipi del proprio tempo. Donne nell'ombra, spesso legate all'esperienza del Bauhaus, talvolta al fianco di compagni importanti con cui doversi confrontare. Aino Marsio Aalto, Anne Griswold Tyng, Charlotte Perriand, Harriet Pattinson, Lilly Reich, Margaret Macdonald Mackintosh, Marion Mahony Griffin, Ray Kaiser Eames fino alle contemporanee Anna Lindgren e Sofia Lagerkvist che, con diversa consapevolezza, sono protagoniste del design internazionale. Attraverso i saggi di Serena Bedini, Domitilla Dardi, Rosa Maria Di Giorgi, Silvia Fabbroni, Giuseppe Furlanis, Valentina Gensini, Dora Liscia Bemporad, Claudio Paolini e Patrizia Scarzella, il libro apre una finestra sulla storia del Novecento, offrendo prospettive inedite sul valore femminile nel design contemporaneo. La collana Lezioni di Design, a cura di Selfhabitat Cultura e ISIA Firenze, nasce dall'insegnamento di Vanni Pasca, storico del design e fondatore con Pierluigi Bemporad di Selfhabitat Cultura, con l'intento di riprendere e amplificare i temi affrontati nel corso dell'omonimo ciclo di lezioni.