Postmedia Books

Esperienza e realtà affronta il tema della ricostituzione di una unità organica tra le quattro dimensioni fisiche dello spazio-tempo e quella dell’esperienza, cui si riferiscono filosofi quali John Dewey ed Herbert Marcuse. Che cos’è, dunque, la dimensione dell’esperienza e in che modo essa è fortemente legata al concetto di estetica? E ancora, qual è il ruolo dell’arte in un mondo in cui la frattura tra materia e spirito, tra lavoro e felicità viene ricomposta? Queste domande e il tentativo di una articolata risposta costituiscono la prima parte del libro, che inizia con una analogia su come il rapporto tra fisica classica e moderna abbia modificato profondamente la nostra percezione della realtà lasciando tracce significative nella filosofia del Novecento e nell’arte contemporanea. La seconda parte di questa pubblicazione affronta, invece, le applicazioni che una prospettiva pentadimensionale della realtà ha avuto nell’arte del XXI secolo. Gian Maria Tosatti (Roma, 1980) è un artista visivo italiano. I suoi progetti sono lunghe indagini su precisi argomenti relativi al concetto di identità, dal punto di vista politico e spirituale.

L’avventura dell’Ed.912 è breve e attraversata da contraddizioni, ma si rivela capace di registrare e riflettere, con assoluto anticipo, la progressiva trasformazione che in quel periodo interessa i territori dell’arte, sempre più influenzati e contaminati dalla nascente cultura alternativa. Si tratta di un mutamento radicale, che risponde alla necessità di una metamorfosi del lavoro culturale, da intendersi come un’azione concreta, reale, politica, lontana da speculazioni meramente teoriche ed estetiche. Nella Milano della metà degli anni Sessanta, scenario di tensioni socio-politiche in cui emerge forte l’ambizione di sovvertire i modelli culturali vigenti, i poco più che ventenni Gianni-Emilio Simonetti, Gianni Sassi e Sergio Albergoni fondano l’Ed.912, una casa editrice che, in appena due anni, dal 1967 al 1969, dà vita a una pluralità di iniziative e progetti, fra cui riviste, manifesti, libri, oggetti e concerti Fluxus, che la rendono “la più grande casa editrice d’avanguardia in Italia”.

Molti suggeriranno questo libro agli studenti di grafica, ma in realtà è un libro indicato a molte più persone, soprattutto in un paese come l'Italia dove si pensa che la pubblicità sia ancora riuscire a entrare "nella testa del cliente". In collaborazione con Stefan Sagmeister, Sartoria editoriale ha tradotto il cospicuo Q&A (domande e risposte) presente sul suo blog e in alcuni testi per i cataloghi delle mostre dedicate alla sua grafica. Come scrive il curatore del volume, Davide Caglioti... “Stefan Sagmeister è uno dei più importanti graphic designer contemporanei. Noto soprattutto per i suoi manifesti (AIGA), per le sue copertine di dischi, è il co-fondatore del famoso studio di design Sagmeister & Walsh, che ha creato in collaborazione con Jessica Walsh. I suoi design intriganti e provocatori hanno ridefinito lo status dei grafici... Considerato una rockstar della grafica mondiale, Stefan Sagmeister si concede un anno sabbatico ogni sette anni rinfrescandosi le idee". Stefan Sagmeister nasce il 6 agosto 1962 a Bregenz. Nel 1991, Sagmeister si trasferisce a Hong Kong dove lavora per Leo Burnett. Nel 1993 fonda la sua agenzia Sagmeister Inc. a New York.

Dagli stessi autori di "A cielo aperto" una nuova ricerca dedicata all'arte contemporanea in chiave pubblica. "Per Fare un Tavolo. Arte e territorio" è un evento ideato da Bianco-Valente e Pasquale Campanella nell'ambito del Padiglione Italia alla 17ª Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia e parte integrante del progetto A Cielo Aperto, le cui attività sono sostenute dall'Associazione Culturale Vincenzo De Luca, nel Comune di Latronico. I contributi presenti nella pubblicazione provengono da personalità afferenti a diversi ambiti disciplinari, sono un approfondimento sulle tematiche delle aree interne e degli sviluppi delle pratiche artistiche legate al territorio, per definire il ruolo "pubblico" dell'arte, degli artisti e delle comunità. Oltre alla riflessione e all'analisi teorica, si confrontano alcune fra le migliori esperienze artistiche italiane che in anni di lavoro hanno saputo mettere insieme "bellezza" e "politica".

“Vestire” l’architettura è un’abitudine antica che si posiziona agli albori delle prime ipotesi espositive. Dal latino medievale displicare, to display indicava inizialmente l’azione del “dispiegare” ed era legato all’abitudine di appendere “panni dipinti” dalle finestre di vari edifici per commemorare eventi religiosi, politici e socialmente importanti. Queste pratiche di maquillage spaziale si delineano oggi come i primi tentativi espositivi dove sia la spazialità messa in scena che l’ambiguità degli artefatti integrati sembrano anticipare le ibridazioni tra display e design del display che hanno articolato la storia delle esposizioni del ventesimo e ventunesimo secolo. A partire da queste considerazioni, il volume rintraccia quelle situazioni ibride, sorta di sovrapposizioni estetiche, tra exhibit e dispositivo, tra esposizione e allestimento, tra display e design del display, che hanno seguito le evoluzioni contestuali proprie alla storia dell’arte e alle pratiche artistiche. All’interno di una prospettiva storiografica dove dall’oggetto si è passati al processo, dall’environment all’evento fino ad arrivare all’interazione situata, si tratta di mobilitare le problematiche e i dibattiti in corso sulla questione del design del display e sulla capacità delle nuove tendenze espositive a generare un rinnovamento delle forme di presentazione, dei processi di creazione e dei contesti di diffusione.

Ai mondi sociali che cambiano la Banca di Oklahoma mostra che i principi della ludica Banda del Marameo rimangono: ciò che aveva ironicamente previsto il Teatro di Oklahoma e la patafisica Casa Editrice Trieb si sta avverando: il sistema dell’arte sta diventando tutto mercato e pubblicità e l’artista desidera entrare nel mondo globalizzato. La Banca di Oklahoma non solo è una risposta diretta agli anni ottanta, alla Pattern Painting, ai Nuovi Nuovi, al magico Primario, alla Transavanguardia e allo sfrenato ritorno alla pittura a cui tali movimenti hanno dato vita, ma è anche un gentile sberleffo all’autonomia dell’arte pensata come Società per Azioni.

"Un must per i fan dei Black Sabbath. . . tutti gli appassionati di letteratura rock dovrebbero dare un'occhiata a questo libro". _PiercingMetal.com "Così come i punk circa sette anni dopo di loro, i quattro ragazzi conosciuti come Black Sabbath non avevano la minima idea del segno che stavano lasciando nella Storia. Si i Sabs hanno inventato l’Heavy Metal. Semplice, inattaccabile, inopinabile". _ Martin Popoff Quasi 40 anni di droga, depressione, depressione, alcol, bestia e paranoia sono a vostra disposizione in questo fantastico viaggio nel malvagio mondo del Black Sabbath. Con tanti album nelle "top list" della storia del rock, l'influenza sulle band contemporanee, gli eccessi del famigerato Ozzy Osbourne (ancora oggi in circolazione) e le invenzioni di Tony Iommi, i Black Sabbath hanno continuato a riempire le arene di tutto il mondo fino alla decisione finale del tour di addio con data conclusiva il 4 febbraio del 2017 a Birmingham, lì dove tutto era nato nel 1968. Sono stati classificati da MTV come la più grande Metal Band di tutti i tempi, mentre la rete televisiva VH1 li piazza al secondo posto nella lista dei "100 migliori artisti di Hard Rock".

Il parco di scultura Rossini Art Site si estende per dieci ettari sulle colline della Brianza e conserva e valorizza la collezione d'arte moderna e contemporanea della famiglia Rossini. L'esposizione comprende una sessantina di opere, tra cui importanti sculture di César, Arman, Jean Tinguely, Daniel Spoerri, Grazia Varisco, Dennis Oppenheim, Fausto Melotti, Pietro Consagra, Hidetoshi Nagasawa, Giò Pomodoro, Giulio Turcato. Aperto al pubblico nel 2015, il Rossini Art Site fa anche da cornice per le mostre e i progetti temporanei prodotti da Fondazione Pietro e Alberto Rossini, riconosciuta da Regione Lombardia nel 2017, impegnata nella valorizzazione dell'arte e della cultura contemporanee oltre che della collezione permanente.

All'inizio del 2021, il boom del mercato degli NFT (Non Fungible Token, certificati digitali di autenticità) ha aperto nel mondo dell'arte il dibattito sulla blockchain, il registro pubblico decentralizzato su cui questi certificati convivono con le criptovalute, promettendo "scarsità digitale verificabile." In realtà la blockchain, sorta all'inizio della crisi finanziaria del 2008 e vista da molti come il fondamento di un nuovo Web 3.0 più privato e sicuro, ha già cambiato l'economia mondiale e sta ridisegnando l'ambiente digitale in cui, sempre più, anche l'arte si trova a essere creata, distribuita e scambiata. Nato nel tumulto di un hype tecnologico e di una bolla speculativa, questo volume colloca le promesse del mercato degli NFT in una prospettiva storica che approfondisce e analizza sia gli sviluppi delle tecnologie su cui si fonda, sia il ruolo di certificati e contratti nell'arte contemporanea, sia le vicende del mercato della media art nel corso degli ultimi trent'anni. Cavalcando l'onda di un dibattito in corso, Surfing con Satoshi affronta una serie di domande ancora aperte, come: cosa ha a che fare l'arte con la blockchain? Ha senso parlare di "Crypto Art"?

Intorno alla metà degli anni Settanta in Italia si diffondono le posizioni del nuovo femminismo, il femminismo della differenza. Questo rivoluzionario pensiero, incentrato sulla necessità di ridefinire l'identità della donna a prescindere da secoli di cultura maschile, ha forti ripercussioni sulle ricerche di molte fotografe e artiste che ricorrono alla fotografia come mezzo ideale per condurre la riflessione identitaria o testimoniare la condizione della donna, operando con una nuova consapevolezza del proprio fare e del proprio ruolo. Nel giugno del 2020, l'anno che il Comune di Milano dedica a "I talenti delle donne", il Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo ha organizzato una giornata di studio curata da Cristina Casero e introdotta da Giovanna Calvenzi, seguita da un dibattito animato da alcune delle protagoniste degli anni Settanta in dialogo con autrici più giovani. Da questa occasione di confronto scaturiscono le riflessioni raccolte nel presente libro e una mappatura necessaria alla ricerca della fotografia in Italia. Con saggi di: Linda Bertelli, Cristina Casero, Lara Conte, Elena Di Raddo, Laura Iamurri, Lucia Miodini, Federica Muzzarelli, Raffaella Perna.

Nessun altro manuale di storia dell'arte presenta la diversità e la complessità dell'arte americana del dopoguerra, dall'espressionismo astratto al presente, in modo così chiaro e sintetico come ha fatto David Joselit con questa innovativa ricerca. Joselit traccia e analizza le condizioni formali, ideologiche e politiche spesso contraddittorie della seconda metà del Novecento che hanno reso l'arte americana predominante nel mondo. Le trasformazioni sociali e culturali radicate nelle tecnologie dei mass-media - fotografia, televisione, video e Internet - hanno elevato i beni di consumo allo status di soggetti artistici legittimi, come nell'arte Pop e nelle installazioni, e hanno portato a una meccanizzazione dell'atto creativo. Gli artisti, inoltre, verso la fine del secolo si sono sempre più impegnati su questioni di genere, razza, identità e potere. Si discute di movimenti e figure canoniche - Pollock, Rothko, Krasner, Oldenburg, Johns, Rauschenberg, Warhol, Twombly, Paik, Ruscha, Sherman, Holzer, Koons e Barney - alternati ad artisti e pratiche contemporanee meno note. David Joselit insegna dal 2014 al Ph.d. Program di Storia dell'Arte di The City University of New York.