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Il graffiti-writing, o graffitismo, nasce sul finire degli anni '60 nelle strade di Filadelfia. Ma è nella New York dei primi '70 che assurge a vera e propria arte urbana, appropriandosi gradualmente del panorama cittadino, dai muri ai cunicoli della metropolitana. Negli anni in cui questa forma d'arte emerge, i suoi pionieri ne stendono le fondamenta giocando con le ventisei lettere dell'alfabeto senza soluzione di continuità. Esse vengono distorte ed evidenziate nelle diverse tag graffitate sui muri. Nella prima parte di questo libro, Woshe racconta l'incredibile storia della nascita di questa cultura. Passa poi a offrirci un'analisi dettagliata delle ventisei lettere dell'alfabeto, della loro struttura e dei modi in cui i graffitari ne hanno determinato l'evoluzione. Tale studio è corredato da una grande quantità di illustrazioni ed esempi delle personalizzazioni applicate dagli artisti alle loro lettere. Al termine del volume, dieci tra i più talentuosi artisti del graffito sulla scena mondiale rispondono alle domande di Woshe su argomenti come il metodo, il rapporto con le lettere e i riferimenti culturali.

Il termine effimero illustra fedelmente il tempo in cui viviamo. Tuttavia, le strutture con un ciclo di vita limitato sono da sempre una costante nella storia dell'architettura. La ricerca dei materiali e, soprattutto, l'evoluzione della progettazione hanno reso questa disciplina un'essenziale area di studio tanto per gli studenti, quanto per le autorità del campo. Ephemeral Architecture offre una vasta, e allo stesso tempo rigorosa, selezione dei migliori progetti contemporanei di alcuni tra i più audaci e innovativi studi di architettura. Gli spettacolari progetti contenuti in queste pagine sono ampiamente illustrati e accuratamente documentati per mezzo di bozze, piante in scala e disegni, illustrazioni, rendering e fotografie. Il libro è suddiviso in sezioni tematiche che permettono al lettore di ammirare gli interventi più innovativi, siano essi padiglioni, installazioni artistiche, strutture interattive, stand o, infine, progetti vincitori di premi nell'ambito dell'architettura temporanea.

"Collage by women" presenta 50 artiste contemporanee del collage di fama internazionale, attraverso una rigorosa selezione delle loro opere. Curata dall'artista del collage spagnola Rebeka Elizegi, la pubblicazione dà voce a tutti i background, le origini e le espressioni artistiche, oltre a mostrare l'ampia varietà di prospettive che sta plasmando il panorama del collage oggi, portando alla luce l'effervescenza dell'iniziativa artistica femminile in tutto il mondo. Dai nomi emergenti ai più celebri e affermati, le artiste qui illustrate stanno allargando i confini dell'arte. Collage by Women vuole portare l'attenzione sulle esperienze e sui processi creativi di artiste da non perdere di vista, attraverso un'imponente selezione di tecniche manuali e digitali, argomenti e scelte estetiche, accompagnata da testi che offrono un approccio minuzioso all'ispirazione, alle influenze e al percorso lavorativo di ogni artista.Nato dalla convinzione che le voci delle donne abbiano la più eminente rilevanza in tutti i campi culturali e sociali, il libro contribuirà certamente a comprendere la nostra realtà in modo più sano, completo e inclusivo. Tra le artiste che hanno contribuito, troviamo Annegret Soltau, Rozenn Le Gall, Caro Mantke, Eva Eun-Sil Han, Eugenia Loli, Sarah Eisenlohr, Isabel Reitemeyer, Olivia Descampe e Linden Eller.

Quest'opera originale introduce il lettore alle tecniche del movimento iperrealista, uno stile applicato alla pittura, che aspira a trasferire nel disegno l'esattezza della fotografia. Dalle fasi preliminari, prima di vedere l'opera – la ricerca di informazioni e immagini di riferimento – alle diverse tecniche di disegno e scultura, il libro offre una spiegazione punto per punto del processo creativo, e mostra al lettore come illustrare in bianco e nero ma anche con le matite colorate, come lavorare ad acquerello e ad olio, come creare un trompe l'oeil e un modello 3D dall'aspetto realistico. Il lettore troverà, con spiegazioni piacevoli e divertenti, tutte le tecniche e i suggerimenti di cui ha bisogno per comporre le proprie creazioni iperrealiste. È un modo originale e creativo di introdurre tecniche di disegno diverse, che finiranno per risvegliare l'artista in ognuno di noi, e che sorprenderanno con il loro risultato grazie all'elevato grado di realismo ottenuto, proprio come fossero vere fotografie. Il libro include riferimenti ad artisti contemporanei che abbiano impiegato ciascuna delle tecniche descritte, oltre a curiosità dal mondo dell'arte e altri trucchi del mestiere.

A metà strada tra guida di viaggio e opera artistica, il diario di viaggio oscilla tra stile documentario giornalistico ed espressione in forma visiva. Genere letterario ed artistico, è complesso e multiforme, eterogeneo e soggettivo. Questo libro illustra le grandi imprese geografiche e giornalistiche della storia, dalla Campagna d'Egitto alla guerra in Iraq, attraverso la descrizione delle tecniche artistiche e tendenze contemporanee che contraddistinguono il taccuino di viaggio. Esso esplora anche territori più intimi, catturando l'essenza del modo tutto personale che ognuno ha di custodire i ricordi. Tra testo e immagine, questa straordinaria raccolta viaggia attraverso i secoli rivelando le più belle pagine di un'avventura squisitamente umana. Il libro si chiude con una panoramica esaustiva dei diversi generi (dal viaggio di istruzione al reportage) e tipi di diari di viaggio (dai taccuini per schizzi alle opere audiovisive), incluse le diversissime tecniche scelte dai vari artisti (opere a matita, arti grafiche e tecniche miste). In veste di memoria d'altri luoghi, i taccuini di viaggio narrano l'esperienza del conoscere i posti visitati e noi stessi. Essi hanno accompagnato gli artisti da Dürer a Philip Delord, passando attraverso orientalisti ed esploratori.

Come progettereste un edificio dall'aspetto inconfondibile, che riesca anche a inserirsi nel proprio contesto senza turbarlo? In che modo aggiungereste valore a un luogo, ribadendone allo stesso tempo l'identità? Architettura e contesto cerca di rispondere a questi interrogativi attraverso un'attenta selezione di progetti internazionali, pubblici/privati, eseguiti su larga scala o artigianali, ognuno dei quali dimostra grande sensibilità nei confronti del proprio contesto ambientale, culturale e sociale. Ciascun progetto è corredato da un testo descrittivo e critico, e illustrato con fotografie e disegni, dalla prima bozza al disegno costruttivo in tutti i suoi dettagli. Il lettore ha a disposizione una panoramica completa dell'intera fase di progettazione, dall'idea alla costruzione. Tutti questi progetti di qualità illustrano le diverse interpretazioni possibili del contesto, oltre ai tanti successi architettonici che ne derivano.

L'evoluzione tecnologica dà alle persone la possibilità di ricevere informazioni da fonti diverse mediante vari dispositivi. Nel campo del branding (attribuzione e gestione di un marchio), i loghi devono essere ottimizzati per gli smartphone, i tablet, le TV e i desktop dei computer e, allo stesso tempo, soddisfare le esigenze dei consumatori. Oggi, in quella che sta diventando una tendenza di branding, l'abilità di adattamento ha assunto maggiore importanza dato che, all'interno dell'ampio spettro di visualizzazioni e formati attuali, un logo deve preservare la propria personalità e identità in una vasta gamma di dimensioni. Proprio come nel caso delle pagine web, i marchi adattano e modificano il loro aspetto visivo in base all'ampiezza del dispositivo di visualizzazione. Per questa ragione, in alcuni casi sono già state prese misure per ridurre i dettagli del logo e riorganizzare gli elementi identificativi per evitare la perdita di identità che li caratterizza. In altri casi, i designer abbandonano il vecchio logo che oggi ha perso funzionalità e creano design più semplici per adattarli ai media di oggi. Questo libro presenta, con un'analisi dettagliata, entrambe le tendenze per aiutare i designer a realizzare loghi che, in questa era del digitale, siano sia utili che moderni, attraverso esempi di marchi con varianti di design per tutti i tipi di supporti fisici e digitali, oltre all'adattamento responsive del marchio nelle varie visualizzazioni grafiche e nei diversi formati.

La stretta relazione tra l'arte nipponica del tatuaggio e l'oscuro mondo della yakuza ha contribuito a permeare questa forma di espressione artistica di un'aura di mistero. Ma la cultura dell'irezumi è profonda e ricca di significati, forme e motivi trasferiti dalle colorate immagini xilografiche alla pelle, per abbellire e proteggere coloro i quali scelgono di portarli. Questo libro rivela il significato e i segreti che si celano dietro i più importanti motivi del tatuaggio tradizionale giapponese—come creature e animali mitologici e soprannaturali, divinità del Buddismo, fiori e personaggi della storia—e tramuta questa forma d'arte in un percorso di conoscenza personale ed espressione individuale. I lettori scopriranno l'origine e il significato di ciascuna rappresentazione grafica dei temi più frequentati da questa forma d'arte. Japanese Tattoos si apre con una breve panoramica sulla storia del tatuaggio giapponese, e passa ad analizzare tutti i soggetti (l'acqua, animali del mito e reali, personaggi mitologici, e storici, fiori, shunga e yokai) attraverso immagini e testi descrittivi; include anche una galleria di disegni originali dell'autore e un glossario.

"Fiesta: branding and identity of festivals" è una raccolta di straordinari progetti e campagne di branding per molti festival rinomati aventi luogo in tutto il mondo. I festival presi in esame celebrano i mondi della musica, del cinema, del design, della gastronomia, della cultura, e dell'arte. I temi, e la libertà creativa che ne consegue, permettono di esplorare i limiti del design, senza le limitazioni derivanti dai progetti a sfondo commerciale. Le strategie impiegate nelle campagne per identità e comunicazione, all'interno dei festival, includono una gamma inesauribile di tecniche di design, da elementi grafici come loghi, poster, pagine web, pubblicità, app per telefonia mobile, biglietti e bracciali, a oggetti da collezione come T-shirt, borse, e tazze. Questo volume riuscirà a ispirare e fungere da strumento utile per quei designer grafici e agenzie di branding che vogliono gestire progetti di festival impegnativi e di ampio respiro col più alto grado di creatività e immaginazione, ma anche per chi i festival li organizza già e per gli appassionati di cultura visiva in generale, che vogliono saperne di più sulle nuove tendenze. Gli eventi illustrati dimostrano che il successo di un festival è strettamente connesso ai suoi branding e design personalizzati, e che a prescindere dall'argomento principe della manifestazione, l'essenziale è possedere una strategia di identità omogenea.

Dedicato agli studenti di moda e ai designer, "Palette perfect" (combinazioni cromatiche ispirate da moda, arte & stile) rappresenta una guida pratica, ma anche una fonte di ispirazione che propone di avviare una riflessione sull'universo delle combinazioni cromatiche, sugli stati d'animo e le atmosfere da esse evocati e sul modo in cui noi tutti associamo posti ed emozioni particolari a determinati colori. Ogni capitolo esplora uno specifico stato d'animo e ne descrive le sensazioni e le combinazioni cromatiche, attraverso l'esempio di raffinate fotografie di oggetti, nature morte, paesaggi, interni e moda. Al termine di ogni capitolo, il lettore troverà un'ampia varietà di palette che rappresentano il particolare stato d'animo, o la determinata atmosfera trattati.