24 Ore Cultura: Cataloghi di mostra

Artemisia nacque nel 1593 a Roma, figlia di Orazio Gentileschi, pittore eccellente e famoso, superato dalla stessa figlia in fama e nella stessa passione per la pittura: la sua storia di donna e di artista è raccolta in un volume monografico, pubblicato da 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, "Artemisia Gentileschi. Storia di una passione" a cura di Roberto Contini e Francesco Solinas. Grazie a Roberto Longhi che scrisse nel 1916: "l'unica donna in Italia che abbia mai saputo che cosa sia pittura, e colore, e impasto, e simili essenzialità". Solo nel 1991, le viene dedicata una mostra in Casa Buonarroti a Firenze, esclusivamente orientata su quadri da stanza. Dieci anni dopo, Roma, New York e Saint-Louis celebrano i Gentileschi padre e figlia ma la parte dedicata ad Artemisia è sempre parziale e non riesce a dare di questa valorosa artista un'immagine adeguata e completa. Con questo volume - e la mostra che accompagna, curata da Roberto Contini e Francesco Solinas e con l'allestimento della registra Emma Dante - si prefigge di sanare i favori tributati al peraltro eccellente genitore, permettendo al lettore di scoprire ogni nodo essenziale della pittura di Artemisia. Per la prima volta, una rassegna che dà spazio non solo ai suoi quadri da camera ma a tutta la sua produzione, mostrando un'artista completa che ha saputo affrontare, con grande qualità, una gamma di generi pittorici e temi molto ampia e variegata.

La mostra non è semplicemente una mostra antologica, ma un'esposizione che, grazie ad un approfondito lavoro di ricerca e selezione, intende far luce su una parte della produzione artistica di Morandi poco conosciuta al grande pubblico, quella dei paesaggi. Questo evento rappresenta dunque un'assoluta novità nel panorama culturale provinciale e un appuntamento rilevante anche a livello internazionale, poiché si tratta della quarta mostra al mondo dedicata a questa declinazione dell'arte morandiana.

Il volume è il catalogo della mostra di Milano (Palazzo Reale, 27 luglio - 29 agosto 2010). L'esposizione presenta 15 grandi tele inedite dell'artista contemporaneo Roberto Coda Zabetta in occasione del 65° anniversario di Hiroshima e Nagasaki.

Memoria, nostalgia, corpo e natura sono tutti temi che si traducono nell'impiego di materiali e di tecniche differenti come la cenere, che diventa lo strumento privilegiato dall'artista per esprimere speranze, dolori, sogni e preghiere. Oltre alle monumentali installazioni e alle enormi sculture, il catalogo offre una selezione di Ash Paintings, dipinti di soggetti diversi, che ritraggono bandiere, scene militari, immagini d'epoca e ritratti storici, e di Ash Sculptures come teste e busti di piccole dimensioni lavorate con la cenere. 80 illustrazioni che testimoniano quindi le originali ed inedite opere e performance di un artista che fa della cenere proveniente dai templi l'anima collettiva delle memorie e delle speranze.

son dovuti trascorrere una decina di anni dopo la sua prematura scomparsa (nel 1994 a soli 53 anni), perché Alighiero Boetti fosse pienamente riconosciuto un innegabile maestro dell'arte concettuale. Tuttavia la sua opera è difficile da delimitare, da riassumere in un'unica formula, e ciò causa delle grandi novità e delle complessità che essa racchiude. Il catalogo racchiude le sue opere più importanti: dai celebri quadrati magici ai giochi di parole, dai dipinti alle installazioni.

Dal 26 marzo fino al 10 luglio a Siena è visitabile la mostra "Da Jacopo della Quercia a Donatello. Le arti a Siena nel primo Rinascimento" con sede principale il complesso museale di Santa Maria della Scala. Saranno in esposizione 306 opere, una ventina di polittici ricostruiti per l'occasione, 22 restauri effettuati, 15 prestiti da collezionisti e dalle più prestigiose istituzioni museali del mondo.

"Non solo visioni. Non solo allucinazioni e neppure solo deliri. Ma una ricerca puntuale e ossessiva sugli elementi perturbanti della percezione: pois, reticoli, specchi. Del resto, l'arte contemporanea si misura da sempre con un inatteso che è davanti a noi, con ciò che sorprende e sconcerta. Nei suoi giochi di specchi e nei riflessi del tempo si scrive la storia di Yayoi Kusama, una delle più importanti artiste giapponesi dei nostri giorni che ha portato in America 'una certa immagine' del Giappone. Un'immagine segnata dalle battaglie dell'impegno civile, colorata dall'indagine sul ruolo della donna, attraversata dalla malattia metale." Massimiliano Finazzer Flory

"Enzo Mari si muove verso le radici: della forma, dei rapporti fra umani, delle necessità espressive. E un nuoto contro corrente, il suo, dalla complessità alla semplicità, verso le origini degli scambi fra umani, gli oggetti costruiti per vivere, i primi modelli di comprensione. La bellezza non è fra i suoi problemi, poiché fra le sue certezze figura quella che essa emergerà spontaneamente, una volta raggiunto il livello elementare (sostanziale). Questo catalogo tenta di "raccontare quest'uomo silenzioso, che ha inviato oggetti nel gran mare del mercato come altrettanti messaggi in bottiglia e, allo stesso tempo, ha indagato la pittura classica per cercarne strutture elementari. E che, soprattutto, non ha mai smesso la speranza di sovvertire politicamente il mondo, per ricondurlo a destini di uguaglianza e felicità."

L'opera di Correggio si incentra sul mito dell'antico e soprattutto di Roma, come fonte eterna di ispirazione, come luogo di confronto artistico ineludibile. A tale scopo il libro raccoglie e presenta la serie completa degli Amori di Giove riunendo alla Danae conservata in Galleria Borghese, la Leda, Ganimede e Io. Come compendio degli Amori di Giove, sono presentati i dipinti di ispirazione mitologica e allegorico-profana di Correggio. Al nucleo portante delle tematiche classicistiche, erano poi accostati anche dipinti di soggetto religioso, soprattutto nella maturità dell'artista, dove emerge il rapporto con la classicità romana. Ma il catalogo, ripercorrendo le tracce stilistiche dei soggiorni romani dell'artista, mette in luce anche l'aspetto meno noto di Correggio, quello che lo legava a Roma, non solo per il suo essere indiscusso e privilegiato modello dell'arte classicista, ma anche per l'aspetto filologico e storico. Primario rimane, comunque, l'aspetto legato al mito dell'antico e, di conseguenza, a Roma in se stessa che aveva innalzato quel mito a fonte ispiratrice del Rinascimento. Il tema è trattato attraverso l'analisi delle fonti classiche nell'opera del Correggio, dei modelli antichi e dell'uso che egli ne fece, che fu in larga parte anticlassico, a volte opposto agli esiti armoniosi e solari di Raffaello. Alle opere di pittura, sono accostate opere antiche proprio alla ricerca delle fonti iconografiche derivanti dalla classicità e rintracciabili nella sua opera.

La capacità di Listri, definito dal Sgarbi fotografo che "non cattura la bellezza, la crea", è svelare come per sortilegio un mondo decorativo talvolta da decenni abbandonato all'oblio, nel far emergere in piena luce la bellezza appannata dalla polvere del tempo, sia essa quella d'un giardino negletto oppure la vita ancora vibrante che si cela in un'antica tela. L'artista abbraccia giovanissimo la strada della fotografia esordendo con una serie di straordinari ritratti in bianco e nero che raccontano alcune delle figure nodali del Novecento. Grandi vecchi della cultura e della scienza, delle arti e della letteratura come Montale, René Clair, Carlo Bo, l'ereticale sensibilità di Pier Paolo Pasolini, un'immensa arca di sapere quale Federico Zeri, sir Harold Acton, estremo testimone di un mondo perduto, quello angloamericano annidato dalla seconda metà dell'Ottocento nelle ville e sui colli toscani, e dei suoi sofisticati rituali. Ma Listri è altrettanto noto per la sua capacità di registrare il senso più alto dell'architettura: per anni ha esplorato wunderkammer manieriste e barocche rinserrate nel chiuso di conventi e freddi palazzi mitteleuropei, si è immerso nell'oro e marocchino rosso delle grandi biblioteche rocaille, ha scavato in archivi e tesori eccelesiastici, nel fasto mediceo delle pietre dure, tra l'ambra, l'avorio e gli argenti dei principi del nord.

Sebastiano Luciani, nato a Venezia intorno al 1485, data ricavata sottraendo al 1547 della sua scomparsa i sessantadue anni di età dichiarati dal Vasari, s'impone prepotentemente tra il 1505 e il 1510 sul palcoscenico lagunare, con magico dominio di tradizionali virtù coloristiche abbinato a un'inedita inclinazione al monumentale, conseguente al nuovo linguaggio inaugurato da Giorgione, e a una personale passione per la statuaria classica, che alimenterà negli anni romani. Alla breve attività in patria appartengono la pala di San Giovanni Crisostomo, le ante d organo di San Bartolomeo a Rialto col "Giudizio di Salomone". Nell'estate del 1511 Sebastiano seguì il banchiere senese Agostino Chigi a Roma, dove, impiegato nella residenza suburbana di questi alla Lungara, conferirà inediti accenti cromatici agli affreschi della loggia, in cui era già attivo Raffaello con la sua scuola. L'impatto con le prime Stanze Vaticane e con le lunette e la Volta Sistina lo vede protagonista alla pari, ma già schierato con Michelangelo, che gli offrì amicizia e protezione; il veneziano ne divenne per così dire il braccio armato ad arginare il "grido" del rivale. Michelangelo sosterrà Sebastiano con suoi studi grafici nel celebre notturno della "Pietà" di Viterbo.