Contrasto

Per Paolo Di Stefano il legame che unisce un uomo alla propria casa è qualcosa di profondo e fondante. Le case vengono arredate, vissute, curate e a volte abbandonate, assorbono gli odori, gli umori, i sentimenti, le vite di chi le abita e contemporaneamente le influenzano, diventando parte fondamentale della memoria più intima di un uomo. Il volume racconta questo rapporto a partire dalla descrizione della casa in cui è nato. Dalla Sicilia dove l’odore di peperoni arrostiti si mischia a quello delle muffe, alla Svizzera, dove resta impregnato nelle tende e nei tappeti che la madre mostra con fierezza ai parenti in visita. Le abitudini familiari sono descritte nei particolari, in gesti semplici e significanti messi in atto da personaggi reali, strettamente legati all’autore, con ironia ma anche un velo malinconico. Velo che si ispessisce nelle interviste che occupano la seconda parte del libro, dove protagonisti insieme agli ambienti sono persone costrette all’abbandono delle loro case. Di Stefano dà voce a emigranti, senzatetto, con la confidenza di un diario e la sottigliezza di un poeta. La casa che proteggeva dal caldo e dal freddo come una madre, gli utensili di cui ci si è presi cura, in uno scambio di utilità e attenzione quasi pari, come se anche arredi e suppellettili potessero penare della separazione, avere nostalgia. L’intreccio d’arte narrativa e visiva custodito nel libro esplora e rende reali le emozioni trattenute dalle mura domestiche. Mura fatiscenti, che respirano insieme ai corpi e si sbriciolano come le anime che hanno vegliato prima di lasciarle. Nelle immagini, luoghi straripanti di oggetti che restituiscono storie intime di persone assenti. Le parole affollano le immagini, che diventano la scenografia della narrazione, sottolineano un distacco potente, quasi luttuoso. Introduzione di Goffredo Fofi.

La fotografia è stata protagonista di due grandi rivoluzioni: l'arrivo del digitale e la diffusione delle immagini sui social network. Un libro che affronta questi grandi cambiamenti come parte integrante della fotografia e del suo sviluppo. Scopri come i professionisti affrontano qualsiasi ripresa, attraverso una serie di lezioni istruttive e stimolanti. Passa dai primi rudimenti alle tecniche più avanzate, con immagini e spiegazioni chiare. Cogli al volo i concetti più complicati grazie a consigli, suggerimenti, illustrazioni e grafici. Segui le spiegazioni, chiare e senza tecnicismi, per diventare un abile fotografo. Tra gli argomenti trattati: Diaframma, Esposizione, ISO, Obiettivi, Messa a fuoco, Flash, Composizione, Illuminazione, Bianco e nero, Postproduzione, Bokeh, Macchine a pellicola.

Questo volume raccoglie in una sorta di esteso e fantastico catalogo impossibile, il frutto di tanti anni di lavoro fotografico di Nino Migliori: dalle immagini, degli anni Cinquanta, di un realismo quasi magico alle celebri ossidazioni, ai Muri, alle sperimentazioni con la polaroid, alle installazioni con cui ancora oggi l’autore continua a sorprenderci. La sorpresa è infatti il sentimento che coglie chiunque decida di avvicinarsi al suo lavoro: per la sua produzione, per la diversità dei progetti realizzati, per gli scarti continui di linguaggio che ha saputo imprimere alle sue ricerche. Ma la vera sorpresa risiede nell’assoluta coerenza che in tanti anni ha sempre saputo mantenere, dalle sperimentazioni alle immagini figurative, alle installazioni più ardite e nuove, tutto il suo lavoro si fonda su un unico, solo linguaggio da esplorare: la fotografia, essenziale materia prima per creare i suoi sogni visivi. Fotografare, ha affermato, significa scegliere e trasformare. Nei suoi lavori la materia si trasforma sempre in qualcosa d’altro: in un brandello di memoria per i posteri, in un interrogativo per i contemporanei. In una strada nuova da percorrere. Come le tante che Migliori ha percorso, e continua ancora a percorrere, nella sua ricerca. Il volume è accompagnato da un’introduzione di Alessandra Mauro e Denis Curti e da un’intervista di Michele Smargiassi all’autore.

La bellezza della Toscana tra sfumature e contraddizioni. Un viaggio fuori dall'iconografia classica, conosciuta in tutto il mondo alla ricerca di quei luoghi in grado ancora di stupire e meravigliare.

Bella lo è sempre stata, fin dall'inizio. Piccola, piatta, maneggevole, priva di fronzoli, ridotta all'essenziale: less is more. Nel 1914, quando costruì la prima macchina compatta con pellicola cinematografica 35 mm, Oskar Barnack aveva già individuato alcune soluzioni che si ritrovano come tratti distintivi anche nei modelli di Leica digitali più recenti. La Leica (ovvero la LEItz CAmera), che a causa della guerra non fu immessa sul mercato prima del 1925, segnò un radicale cambiamento nel mondo della fotografia: permise agli appassionati di accedere a uno strumento professionale, ma soprattutto questa nuova macchina, sempre a portata di mano e pronta all'uso, fece della fotografia una parte integrante della vita quotidiana. "I grandi maestri. 100 anni di fotografia Leica" illustra il mutamento radicale introdotto dalla diffusione della Leica, perfettamente inscritta nello spirito di una nuova epoca, sempre più rapida e convulsa. Non ci sono dubbi: la Leica era ed è un prodigio della tecnica ma anche un oggetto del desiderio, se non addirittura un feticcio. Soprattutto è uno "strumento" per realizzare immagini: grandi, sorprendenti, scioccanti, sbalorditive, o anche solo splendide o visivamente complesse. Immagini che documentano, informano, irritano, emozionano, e senza le quali la nostra cultura visiva sarebbe meno ricca.

Genesi è la ricerca del mondo delle origini, come ha preso forma, si è evoluto, è esistito per millenni prima che la vita moderna accelerasse i propri ritmi e iniziasse ad allontanarci dall'essenza della nostra natura. È un viaggio attraverso paesaggi terrestri e marini, alla scoperta di popolazioni e animali scampati all'abbraccio del mondo contemporaneo. La prova che il nostro pianeta include tuttora vaste regioni remote, dove la natura regna nel silenzio della sua magnificenza immacolata; autentiche meraviglie nei Poli, nelle foreste pluviali tropicali, nella vastità delle savane e dei deserti roventi, tra montagne coperte dai ghiacciai e nelle isole solitarie. Regioni troppo fredde o aride per qualsiasi cosa salvo per le forme di vita più resistenti, aree che ospitano specie animali e antiche tribù la cui sopravvivenza si fonda proprio sull'isolamento. Fotografie, quelle di Genesi, che aspirano a rivelare tale incanto; un tributo visivo a un pianeta fragile che tutti abbiamo il dovere di proteggere.

Il volume presenta 120 immagini selezionate dallo stesso Willy Ronis. Più o meno note, queste fotografie sono tutte molto rappresentative del suo percorso e permettono all'autore di suggerire, per noi, ricordi e riflessioni. Attraverso l'analisi dei suoi provini a contatto, Ronis traccia il "viaggio" che lo conduce a scegliere l'immagine finale, quella che sarà la più compiuta ed equilibrata. Cosa rende indimenticabile una foto colta al volo? Una specie di alchimia unica, un composto di presentimento e imprevisto, di professionalità e istinto. In cinque parole chiave - pazienza, riflessione, caos, forma e tempo - Willy Ronis ci introduce al suo lavoro e ci offre una lezione magistrale di fotografia.

"In questo strano libro scritto a quattro mani — o meglio, scritto assieme con la penna e con la luce — i maiali, i cani, le pecore, i pesci, i cammelli, i gatti, i cavalli che vi compaiono in foto, da animali si trasformano in bestie. Ovvero sono presentati come creature che nell'immediatezza del loro essere trovano il proprio fine e il proprio senso — creature, intendo dire, non addomesticabili dall'umana coscienza, che si auto-affermano nella pienezza del loro conatus essendi. Perciò questo mondo bestiale appare compiuto, concluso, finito. Risolto. E nella sua compiutezza, esaltante."

Scrittori raccoglie una selezione di 250 ritratti di autori, dai primi del Novecento ad oggi, scelti da Goffredo Fofi e realizzati da grandi fotografi. Per ogni ritratto, intenso, penetrante, spesso celebre o magari insolito, un testo spiega il perché di questa scelta, ricorda alcuni capolavori che hanno reso lo scrittore immortale e, quando possibile, racconta la storia dell'immagine, di quell'incontro unico e irripetibile che è, appunto, il ritratto. Martin Amis ritratto da Lord Snowdon, Truman Capote da Richard Avedon, Raymond Carver da Bob Adelman, Italo Calvino da Gianni Giansanti, Colette da Herbert List, William Faulkner da Henri Cartier-Bresson, Patricia Highsmith da Martine Franck, Pablo Neruda da Sergio Larrain, Pier Paolo Pasolini da Federico Garolla, Marcel Proust da Man Ray, Philip Roth da Elliott Erwitt, José Saramago da Sebastião Salgado, Leonardo Sciascia da Ferdinando Scianna, Virginia Woolf da Gisèle Freund. “Nei casi più belli, è accaduto che gli scrittori - ma non solo loro, è ovvio - abbiano scoperto qualcosa di sé che ignoravano, o su cui non avevano abbastanza riflettuto, nell'immagine che di loro ha dato un fotografo che sapeva vedere. Per questo, molte delle fotografie del volume ci permettono di capire meglio e di più non solo chi era uno scrittore che ci è caro (o che detestiamo, perché no?) ma anche la misura delle sue opere, quanto dei suoi rovelli vi si è trasferito. Quanti grandi scrittori - o scrittori che hanno lasciato il segno! E quanti grandi fotografi - che hanno saputo guardarli, capirli, e consegnarli alla storia o, più semplicemente, alla nostra curiosità e al nostro ricordo.” (Goffredo Fofi)