Electa

"In questo libro ho tentato di delineare la complessa bellezza di un lavoro il cui tema riporta sempre alla condizione umana. Con 'Cavaliere', natura e cultura non sono più antagonisti: l'una diventa la ragione d'essere dell'altra. Mi pare che in poche opere dell'arte contemporanea si possa ritrovare un riflesso altrettanto fedele delle leggi che strutturano il nostro universo sia cosmologico sia umano. Con Cavaliere, l'etica e l'estetica sono parti di un tutto. Il pensiero e il sapere si fanno umani e creano un mondo governato dal desiderio e dall'amore. Cavaliere, con Kant, insegna che non s'impara la filosofia, s'impara soltanto a filosofare; e il modo di filosofare di Cavaliere è quello di creare opere d'arte necessario e cariche di un pathos non comune. Per Arturo Martini la scultura era una lingua morta perché restò immobile per secoli, legata, come era, all'impiego di materiali classici quali il bronzo o la creta. Cavaliere ha saputo insufflare nuova esistenza alla 'lingua morta' della scultura liberandola da una tridimensionalità restrittiva, allargandone la presenza al palcoscenico della vita e moltiplicandone le tecniche e gli elementi compositivi." Arturo Schwarz

Il primo numero de "La Casa bella", rivista dedicata alle "arti e industrie de l'arredamento", esce nel gennaio del 1928. Questo volume ne raccoglie i 762 numeri pubblicati fino al 2008. Si può immaginare questa massa di carta come una miniera, un deposito di parole e immagini al quale attingere selettivamente, una fonte di dati e materiali da interrogare con obiettivi e in modi diversi: alla ricerca di informazioni sulle opere realizzate in una determinata area geografica, o progettate in un arco di tempo definito; oppure per ricostruire la produzione di un architetto, ma anche i dibattiti e le polemiche che hanno di volta in volta animato la scena italiana e internazionale, in alcuni casi, entrando nella storia, in altri, rimanendo confinate nella cronaca. Ripercorse nel loro stratificarsi durante gli ottant'anni di vita della rivista, queste pagine possono aiutare a delineare spaccati interessanti su questioni specifiche: l'evoluzione della professione dell'architetto nel nostro paese, la storia delle facoltà di architettura e delle crisi che ciclicamente ne hanno segnato l'evoluzione, la storia della Triennale di Milano, sia in relazione a temi e allestimenti, sia per i dibattiti nati in merito alla sua gestione, ai suoi compiti e al suo ruolo.

La valorizzazione e la tutela di una solida continuità tra antico e moderno sono gli elementi guida di numerosi interventi di restauro proposti nella città di Roma. La capitale è un museo a cielo aperto di inestimabile valore, custode di una storia millenaria continuamente arricchita da nuovi reperimenti archeologici. La stazione Termini è il luogo dove oggi si può ammirare il tratto più lungo di ciò che resta della cinta muraria eretta nel IV secolo a.C., in sostituzione di quella arcaica, voluta dal re Servio Tullio. Le Mura Serviane sono parte integrante della "galleria d'arte naturale" quale è Roma, sono un pezzo di storia che sembra voler entrare nel grande atrio della stazione per realizzare la massima permeabilità tra passato e presente.

Un saggio interpretativo fornisce per la prima volta un profilo completo di Luigi Moretti - della sua attività di architetto, di studioso e della sua personalità - inquadrandone la produzione teorica e progettuale all'interno della storia italiana del secolo scorso. Il libro presenta l'intera sua opera progettuale, valorizzandone l'intima coerenza ed unità. Riconosciuto solo recentemente come uno dei massimi architetti italiani del Novecento, Moretti ha realizzato in ciascuna fase della sua articolata attività edifici di particolare rilevanza, dall'Accademia di scherma al Foro Italico nel periodo fascista al complesso del Watergate a Washington negli anni sessanta. In stretto rapporto con l'attività sul progetto Moretti ha sviluppato sin dagli anni giovanili un intenso percorso teorico, speculativo e scientifico, culminato negli anni cinquanta nella fondazione della rivista "Spazio" e dell'lrmou (Istituto Nazionale per la Ricerca Matematica e Operativa per l'Urbanistica).

De Chirico nel 1919 definì "Museo degli orrori" la Galleria nazionale d'arte moderna di Roma. Dopo quasi un secolo la Gnam dedica al padre della Metafisica una mostra incentrata sui rapporti con l'istituzione "museo". I saggi, curati da Renato Barilli, Mario Ursino e Maria Vittoria Marini Garelli, restituiscono uno sguardo aggiornato sull'interessante tematica. In mostra, un consistente corpus di opere provenienti dalla galleria stessa e dalla Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, da sempre attenta alla valorizzazione e alla giusta comprensione dell'opera del maestro.

II secondo volume monografico sull'opera architettonica dì Tadao Ando {Osaka 1941), introdotto da un ampio saggio di Francesco Dal Co, prende in esame l'attività dell'architetto nipponico a partire dall'inizio degli anni Novanta fino a oggi, e completa la documentazione pubblicata da Electa, nel 1994. Vincitore nel 1995 del Pritzker Price Ando si è sempre di più imposto nel panorama architettonico internazionale contemporaneo. Il catalogo delle opere, che costituisce il fulcro dell'iniziativa editoriale, propone una selezione dei lavori più significativi.

Per stile documentario si intende una pratica fotografica in cui l'artista scompare per lasciar spazio ad autentici "duplicati del mondo", l'esigenza basilare di fotografare "le cose così come sono", la volontà di accettare il mondo così com'è, senza alterare il soggetto che si presenta davanti alla macchina fotografica. Ma come interpretare questa neutralità efficace? Come quest'assenza dell'autore ha suscitato l'eccesso di presenza dell'opera? Per quale alchimia la cancellazione radicale dell'artista è potuta diventare il culmine dell'arte? Olivier Lugon ha dedicato molti anni allo stile documentario. Ha lavorato sul fondo Sander, spulciato gli archivi della Farm Security Administration, interrogato i sopravvissuti. Ha letto i periodici, la corrispondenza, i cataloghi, i libri scritti tra le due guerre. Ha messo insieme una massa d'informazioni senza pari perché il paradosso dello stile documentario non può chiarirsi se non attraverso il contesto istituzionale, estetico e politico di quel periodo, indagando la maniera in cui, all'interno del mondo fotografico, si è effettuato il passaggio da un sistema che opponeva arte e documento a un sistema che li associa.

La sera del 20 giugno 1954, quando al termine di una cena si rivolse così ai suoi ospiti, Frank Lloyd Wright aveva da poco compiuto ottantasette anni: "Non vi ho mai confidato fino a che punto le stampe giapponesi sono state per me fonte di ispirazione. Non mi sono mai liberato dell'effetto prodotto dalla prima impressione che mi procurarono e probabilmente non me ne libererò mai. Era l'incedere della grande dottrina della semplificazione, dell'eliminazione di tutto ciò che è insignificante. Trascorreremo una serata delle incisioni a print evening - durante la quale vi mostrerò diverse prove fornite da questi grandi artisti. Hokusai e Hiroshige hanno registrato l'intera vita di una civiltà in maniera irripetibile, l'accadimento più minuto e insignificante e quello più grande e importante. L'architettura del Giappone è simile, anche graficamente, all'ideologia del Paese, lo Shintoismo. Furono grandi semplificatori. Scoprirono l'essenza di tutto ciò di cui si occuparono. Se potessimo ricondurre nuovamente questa qualità nelle nostre vite". Il volume è arricchito dai saggi di Francesco Dal Co e Margo Stipe.

L'atmosfera è. per Peter Zumthor, una categoria della bellezza. Questo libro intende raccontare il ruolo e l'importanza che essa assume nel suo lavoro, e lo fa attraverso un breve saggio intitolato "Atmosfere. Ambienti architettonici. Le cose che ci circondano". Il testo, oggetto di una lezione tenuta dall'architetto svizzero il 1° giugno 2003 in occasione del Festival di musica e letteratura "Wege durch das Land" al castello rinascimentale di Wendlinghausen, esplora il tema delle affinità tra luoghi e arte.

Il volume - catalogo della mostra allestita a Caserta per il periodo fra dicembre 2008 e febbraio 2009 - non restituisce l'aspetto tecnico-manualistico della costruzione, né affronta problematiche metodologico-disciplinari, ma esalta invece le numerose suggestioni spaziali delle fasi lavorative, fermate dalla fotografia, casualmente e nel tempo. Ma è anche la cronistoria delle problematiche di un architetto di fronte alla "concretezza" del palazzo. Un ulteriore tema affrontato è quello della continua modificazione architettonica dell'edificio e della sua movimentata destinazione, inevitabilmente legate alle evoluzioni del tempo.

Carlo Cardazzo (1908-63) fu amico di Peggy Guggenheim e di Carlo Scarpa e grande gallerista e mecenate (tra gli altri, di Fontana, Burri, Morandi e Carrà). Fondatore della Galleria del Naviglio a Milano e della Galleria del Cavallino a Venezia, introdusse al pubblico per primo in Italia artisti del calibro di Arp, Léger, Pollock, Kline, Calder, Rothko, Twombly, Dubuffet. L'occasione consente non solo di gettare uno sguardo critico su uno dei protagonisti dell'arte del XX secolo, ma permette anche di fruire di alcuni documenti, oggetti e pubblicazioni, e manoscritti, che restituiscono la poliedricità dei suoi interessi.