Electa

"Alto e robusto, con i capelli scuri e una lunga barba curata, sempre ben vestito in blu scuro o nero. Il suo amico Charles Angrand lo ricordava bello come il San Giorgio di Donatello. Aveva un comportamento calmo, riservato, riflessivo, orgoglioso e tenacemente ostinato, ma anche melanconico e con una vena ironica, a volte sarcastica. Per queste sue caratteristiche Degas l'aveva soprannominato scherzosamente 'il notaio' ... Ma nel caso di Seurat limitarsi all'apparenza è un errore. La sua vita che tende a essere identificata con la sua opera è in realtà per molti versi un affascinante enigma, che vale la pena esplorare con attenzione in profondità. E questa ricerca ci porta a scoprire aspetti sorprendenti, segreti, anche sottilmente inquietanti". Questo, in breve, il motivo del presente volume. C'è chi parla di "mistero Seurat": senza spingerci così lontano, non possiamo negare l'inquietudine che ci assale quando osserviamo le sue tele né le difficoltà, inconsuete, che incontriamo quando vogliamo penetrarne la biografia. Nella Parigi di quegli anni, che Francesco Poli racconta con piglio mirabolante, "il notaio" cammina quasi fuori posto, vicinissimo eppure lontano dalla mondanità artistica che renderà la Ville Lumière famosa in tutto il mondo. Francesco Polì passeggia per questa Parigi, in compagnia di Seurat e delle figure più affascinanti del suo tempo, regalandoci un ritratto sorprendente di uno dei pittori "solitari" più amati di sempre.

“Annette Messager non ha creduto alla principessa sul pisello, a Cenerentola e al suo principe, non si è impietosita per Biancaneve e i sette nani. Non ha trascorso la vita davanti a uno specchio chiedendogli: "Specchio specchio delle mie brame, chi è la più bella del reame?" II suo mondo, interiore ed esteriore, è popolato da pupazzi, figure di pezze, marionette, giocattoli, fantocci sproporzionati, marchingegni automatici, corde, bambole disarticolate, peluche mutilati, maglieria, ricami, organi interni ed esterni che si gonfiano e si sgonfiano, forme biomorfiche, ibride, animali impagliati. Con Annette il sogno non fa rima con la notte: è ad occhi aperti, si sovrappone alla realtà, spesso la sostituisce perché, come per Edgar Allan Poe nel racconto Eleonora, "coloro che sognano di giorno sanno molte cose che sfuggono a chi sogna soltanto di nette" Ciò che all'apparenza sembra familiare, da vicino diventa straniero, e lo straniero diventa familiare, il gioco si fa tragicomico.“

“Tante saranno state le imagines del Colosseo in antico - basti pensare alle vedute a volo d'uccello di Roma che, in prospettive intuitive, avranno restituito volume alla topografia della città impressa nelle lastre di marmo della Forma Urbis severiana o a plastici sicuramente esistiti - sia in ambito pubblico che nella sfera privata. Un rilievo singolare proveniente dal Sepolcro degli Haterii, rinvenuto nel 1848 sull'antica via Labicana, ce ne restituisce, semplificate, le fattezze che comunque lo rendono riconoscibile fra gli altri edifici famosi il cui appalto un membro della famiglia s'era aggiudicato: davvero un fiore all'occhiello per quella premiata impresa di costruzioni. Ma il Colosseo i romani potevano tenerlo in mano, toccarlo e rimirarlo da vicino in ogni sua parte, da un punto di vista insolito che mostrava persino i combattimenti nell'arena in mezzo alla folla assiepata sulle gradinate, negli splendidi sesterzi in oro, denari in argento, assi in bronzo coniati dalle zecche senatorie e imperiali, a più riprese, in occasioni speciali.”

“Tante saranno state le imagines del Colosseo in antico - basti pensare alle vedute a volo d'uccello di Roma che, in prospettive intuitive, avranno restituito volume alla topografia della città impressa nelle lastre di marmo della Forma Urbis severiana o a plastici sicuramente esistiti - sia in ambito pubblico che nella sfera privata. Un rilievo singolare proveniente dal Sepolcro degli Haterii, rinvenuto nel 1848 sull'antica via Labicana, ce ne restituisce, semplificate, le fattezze che comunque lo rendono riconoscibile fra gli altri edifici famosi il cui appalto un membro della famiglia s'era aggiudicato: davvero un fiore all'occhiello per quella premiata impresa di costruzioni. Ma il Colosseo i romani potevano tenerlo in mano, toccarlo e rimirarlo da vicino in ogni sua parte, da un punto di vista insolito che mostrava persino i combattimenti nell'arena in mezzo alla folla assiepata sulle gradinate, negli splendidi sesterzi in oro, denari in argento, assi in bronzo coniati dalle zecche senatorie e imperiali, a più riprese, in occasioni speciali.”

La mostra “New York New York” consente una nuova indagine sull'arte italiana del XX secolo, nel contesto internazionale, in particolare americano. Un'analisi, quella condotta da Francesco Tedeschi, che ripercorre i viaggi e i soggiorni degli artisti italiani in America e, grazie ai saggi dettagliati pubblicati in questo catalogo, documenta la presenza di opere italiane nelle mostre di musei e gallerie nordamericani. Apre il percorso della mostra, nella sede del Museo del Novecento, la grande opera su rame “New York 10” di Lucio Fontana, realizzata dall'artista al rientro dal suo primo viaggio a New York nel 1961 in occasione della personale alla Martha Jackson Gallery. Una sezione verterà infatti proprio sull'iconografia della città americana che ha affascinato molti protagonisti, da Depero e de Chirico, tra i primi a recarsi oltreoceano, a Novelli, Afro, Tancredi, Turcato. Per completare l'ampia rassegna è allestito nella sezione Archivi del Novecento un approfondimento - una vera "mostra nella mostra" - dedicato allibro pubblicato da Ugo Mulas ne11967, “New York: arte e persone”. In questa sezione si presenterà una selezionatissima raccolta di materiali d'archivio, dalle fotografie originali ai menabò assemblati dal celebre fotografo, oltre a copie originali del libro.

“La Terra Inquieta” prende a prestito il titolo da una raccolta di poesie dello scrittore caraibico Édouard Glissant, autore che ha dedicato la sua intera opera all'analisi e alla celebrazione della coesistenza di culture diverse. L'esposizione racconta il presente come un territorio instabile e in fibrillazione: una polifonia di narrazioni e tensioni. Attraverso le opere di più di sessanta artisti provenienti da oltre quaranta paesi del mondo - tra cui Albania, Algeria, Bangladesh, Egitto, Ghana, Iraq, Libano, Marocco, Siria e Turchia - e con l'inclusione di documenti storici e oggetti di cultura materiale, la mostra parla delle trasformazioni epocali che stanno segnando lo scenario globale e la storia contemporanea, focalizzandosi in particolare sulla rappresentazione della migrazione e della crisi dei rifugiati. “La Terra Inquieta” esplora geografie reali e immaginarie, ricostruendo l'odissea dei migranti e le storie individuali e collettive dei viaggi disperati dei nuovi dannati della terra. Il percorso dell'esposizione si snoda attraverso una serie di nuclei geografici e tematici - il conflitto in Siria, lo stato di emergenza di Lampedusa, la vita nei campi profughi; la figura del nomade e dell'apolide, la migrazione italiana all'inizio del Novecento - a cui si intersecano complesse metafore visive di questo breve e instabile scorcio di secolo.

Il volume accompagna una mostra che narra diacronicamente i rapporti della città vesuviana con il mondo greco, e le sue infinite e variabili fisionomie, dal periodo precedente la sua fondazione, quando sono attestate le prime forme di contatto con genti greche nei villaggi lungo il fiume Sarno e la sua foce. Della città fondata a fine VII secolo a.C. si seguono le sorti a partire da modelli, edifici, culti che si definiscono nel contatto osmotico con i centri della Magna Grecia. La battaglia di Cuma che nel 474 a.C. contrappone i greci di Cuma e Siracusa agli Etruschi altera gli equilibri del golfo: Pompei ne viene travolta e le sue identità si trasformano. Pompei condivide i nuovi linguaggi artistici e di potere che provengono dai regni nati dopo il crollo del sogno di Alessandro Magno. Il mondo greco viene allora ricercato fino a manifestarsi in forme di vero e proprio collezionismo. Le storie greche di Pompei sono raccontate a partire dagli oggetti e dalla loro grammatica: vasi, sculture, pitture, testi e iscrizioni, oggetti della vita quotidiana provenienti da Pompei e dai principali musei nazionali ed europei, reperti che spesso per la prima volta tornano in Italia o vengono documentati in assoluto. In tutto circa 500 pezzi. Un dizionario tematico guida il lettore alla scoperta della Pompei dei Greci.

Per celebrare il centenario del viaggio di Pablo Picasso in Italia, a Napoli e Pompei in particolare, la Soprintendenza di Pompei promuove in collaborazione con il Museo Nazionale di Capodimonte una grande mostra dal titolo Picasso Parade. Napoli 1917 La curatela della mostra è di Sylvain Bellenger, direttore del Museo di Capodimonte, Emilia Philippot, del Musée Picasso Paris, e di Luigi Gallo Opera complessa e di capitale importanza per l'arte del Novecento, il sipario dipinto da Picasso per il balletto di Diaghilev sarà presentato a Napoli per la prima volta nella sala da ballo della reggia di Capodimonte. Insieme saranno presentati i bozzetti per la scena, mentre una scelta di opere dell'artista, provenienti da diverse collezioni pubbliche e private, chiarirà il percorso creativo di Picasso e la persistenza di alcuni motivi iconografici. Per approfondire il legame della composizione pittorica con le fonti folkloristiche napoletane, vi sarà un inedito confronto con l'arte presepiale napoletana, che Picasso vide durante la sua visita partenopea. A Pompei, nelle sale dell'Antiquarium, sono invece esposti i costumi del balletto, ideati da Picasso messi a confronto con i disegni preparatori (Musée Picasso Paris) e le fotografie e scattate in occasione della prima rappresentazione (Bibliothèque Historique de la Ville de Paris). Partecipano alla stesura del catalogo Alessandro Nigro, Luca Massimo Barbero, Marco Vallora ed altri noti autori.

L’imponente progetto “Sette Stagioni dello Spirito” di Gian Maria Tosatti è stata un'esperienza che per metodologia e prassi ha esulato dal concetto di mostra tradizionalmente inteso, a partire dalla durata: dal 2013 al 2016. Ripercorrendo la falsariga del Castello Interiore, libro scritto da Teresa de Jesus nel 1577, Gian Maria Tosatti ha intrapreso un lungo cammino, artistico ed esistenziale, fisico e allo stesso tempo metaforico, elaborando progressivamente un discorso per immagini, in cui le sette mansioni dell'estatica santa sono state a loro volta trasfigurate dall'artista in altrettante monumentali installazioni ambientali, tutte rigorosamente site-specific, in sette luoghi che intrattengono un rapporto identitario con la città di Napoli. Sette Stagioni dello Spirito ha così portato alla progressiva riapertura di alcuni edifici storici e monumentali, abbandonati o dismessi, dislocati in diverse aree della città e diventati punti radianti per "opere-ambiente" che dal tessuto umano si sono estese a quello urbano, animando, spesso, interi quartieri. Nel complesso, Sette Stagioni dello Spirito è stato un progetto teso a ridefinire il rapporto fra i domini dell'arte e quelli dell'abitare, e ancora tra arte e comunità, concepito come un unico grande "romanzo di formazione", come lo definisce Tosatti, visivo ma soprattutto performativo, organizzato in sette capitoli sull'animo umano, costantemente teso fra i limiti, antitetici ma complementari, del bene e del male. Questo libro è pubblicato in occasione della mostra finale dedicata al progetto, al museo Madre di Napoli.

A dieci anni dalla morte di Ettore Sottsass e alla vigilia del centenario della sua nascita, Barbara Radice gli dedica le pagine di un diario iniziato il giorno dopo la sua scomparsa, il 31 dicembre 2007, e proseguito per due anni. Riannodando il filo dei ricordi insieme al racconto del dolore, restituito con una minuzia di particolari quasi da entomologo, Barbara apre una finestra privata di riflessioni, anche ironica, e consente uno sguardo ravvicinato sul grande architetto e designer. Non solo. In una sequenza quasi cinematografica, lascia scorrere davanti al lettore i fotogrammi di una vita "bellissima" trascorsa "a guardare il mondo sempre dalla stessa parte della finestra". Sono i luoghi del cuore di Ettore e Barbara: le case di Milano, l'amata Filicudi, l'India dell'amica Prema, i Tropici, l'Engadina, gli amici, la famiglia, gli oggetti, la quotidianità di una vita non banale. Le immagini accompagnano il racconto. All'ultima pagina si arriva d'un fiato e ci si accorge di non potersi scrollare facilmente di dosso lacrime e silenzi.

Dopo le mostre personali di Giuseppe Penone e Robert Morris, la stagione espositiva del Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, propone un ambizioso progetto dedicato all’opera di Eliseo Mattiacci. In un ideale passaggio di testimone fra artisti della medesima generazione, il progetto prosegue la ricognizione sull'origine e sulle forme della scultura contemporanea. Aperta al pubblico dal 2 dicembre 2016 al 12 marzo 2017 l'esposizione è frutto di un dialogo aperto fra l'artista e gli spazi del Museo. Negli ampi ambienti della sede roveretana del Mart una selezione di lavori, per lo più di grandi dimensioni, ripercorre l'intera carriera di Eliseo Mattiacci. Opere significative degli esordi come Locomotiva (1965), Tavole degli alfabeti primari (1972), 7 corpi di energia (1983), introdurranno alcune prove della maturità che per complessità e misura sono altrimenti di difficile esposizione come Motociclista (1981), La mia idea del cosmo (2001) o Piattaforma esplorativa (2008). I saggi critici di Gianfranco Maraniello, Daniela Lancioni e Tommaso Trini delineano l’arco della produzione dell’artista mentre le opere principali sono oggetto di documentatissimi testi di approfondimento.