Persiani

Una visione in chiave post junghiana della personalità borderline e sociopatica, alla luce delle dinamiche relazionali disfunzionali uomo-donna e dell'odierna dimensione narcisistica della personalità, ma anche in ottica di una psiche patologicamente incline all'indifferenziazione e alla fusionalità descritte da Erich Neumann nella Grande Madre. Gli scenari trattati vengono arricchiti di simbologie alchemiche, mitologiche e analitiche, con particolare attenzione e dedizione all'interpretazione dei numerosi sogni riportati. È sulla soglia che vive Hermes, dio dai piedi alati, nel suo continuo e instancabile peregrinare tra un mondo e l'altro, tra realtà e immaginazione, conscio e inconscio, accompagnando per mano Horus verso la nascita psichica e l'abbandono delle sue ostinate illusioni infantili, acciuffando Morrigan e la sua bambina un istante prima di rischiare d'essere uccise, sussurrando saggi consigli all'orecchio di Ecate affinché non bramasse dominare il proprio corpo ai fini della vita e della morte, facendo capolino nei sogni di Arcania cui pone rebus onirici con carte dei Tarocchi, e così per ciascuno dei casi riportati in questo volume. È sulla porta della stanza d'analisi che la devianza, il crimine e la personalità liminale fanno oggi il loro quotidiano ingresso, sovvertendo ogni genere di setting o fondamento teorico precostituito. È per tali ragioni più che mai necessario affidarsi al sapere più antico, archetipico, essenziale, elaborato dagli alchimisti, accogliere l'ignota fenomenologia di una sempre più concreta sincronicità e del mistero insito nella dimensione psicoide, che si materializza in veste di terza presenza, tra noi e l'altro, ben oltre ogni dinamica di transfert e controtransfert; occorre soprattutto tornare all'Origine, nelle fauci della Grande Madre Terribile, per poter affrontare le nuove forme del Male, portando avanti con coraggio la ricerca clinica, fuori e dentro di noi, tramite l'ausilio del più sacro e veritiero strumento analitico: il sogno.

Questo catalogo vuole essere un documento per ricordare e conservare il lavoro svolto per la creazione del percorso espositivo "Da Dovìa a Predappio Nuova", realizzato per il Comune di Predappio presso la casa Natale di Mussolini. Attraverso l'utilizzo di pannelli illustrati, la mostra e il catalogo raccontano la storia del nostro territorio, partendo dalla Romagna, proseguendo per la valle del Rabbi, per finire poi a Dovìa, oggi conosciuta come Predappio Alta. I pannelli aiutano a comprendere la storia di varie costruzioni architettoniche; ognuno è corredato di dati storici salienti, date di inizio e fine lavori, foto d'epoca, cartoline originali e riproduzioni di opere d'arte. Fra queste, la chiesa di Sant'Agostino contiene numerosi affreschi che sono una splendida testimonianza storica e artistica che merita di essere raccontata. Viene illustrata la storia dei moti franosi avvenuti nell'800 e che, insieme a Dovìa come meta di pellegrinaggi in quanto terra del Duce, diedero una spinta rilevante per la fondazione di Predappio Nuova. Inoltre, la mostra espone un'importante raccolta di oggetti e documenti che sono tutti attinenti alla storia del nostro Paese, alcuni di proprietà del Comune e altri ancora ottenuti da collezioni private. Si possono ammirare infatti i busti di Arnaldo Mussolini, fratello di Benito, il busto di Alessandro, padre del Duce, che era collocato in una scuola elementare a lui dedicata. Proseguendo nella visita si trova il primo disegno dell'architetto Florestano Di Fausto, che illustra il cuore di Predappio, cioè Piazza Sant'Antonio. Il disegno venne firmato dallo stesso Duce con "approvo Mussolini", dettaglio che rende il documento unico e importantissimo. La mostra si conclude nella sala delle "officine Caproni", dove sono esposti tre bellissimi bassorilievi in bronzo, opera dell'artista Tito Chini.

Le Talassemie sono un gruppo di malattie ereditarie caratterizzate da anemia cronica di gravità variabile conseguente a un difetto quantitativo nella produzione di emoglobina, la molecola deputata al trasporto di ossigeno nell’organismo. La Talassemia è il tipo di Talassemia più frequente in Italia, con circa 2,5 milioni di portatori (anemia lieve asintomatica) e con circa 7000 pazienti (Talassemia major e Talassemia intermedia). Questo libro racconta la storia della Talassemia a Ferrara, dove nel 1955 è stato istituito uno dei Centri che più ha contribuito al progresso scientifico e clinico della Talassemia, a livello nazionale e internazionale; esso descrive i risultati raggiunti e le nuove prospettive di cura di questa malattia, e riporta le testimonianze di soggetti giovani-adulti dell’Associazione Lotta alla Talassemia “Rino Vullo” su come affrontare positivamente la Talassemia.

Il libro, a carattere autobiografico, tratta di un breve periodo di vita dell'autore, e più precisamente quello dell'estate del 1968. In quell'anno, memorabile anche per diversi altri aspetti, il protagonista narra in prima persona l'intervallo trascorso tra la fine del proprio percorso di studente (impegnato ma spensierato) e l'inizio della vita vera, con l'obbligo del servizio militare prima e un futuro professionale (ancora tutto da scoprire) poi. Gli amici; le automobili; il mare; le ragazze; le piccole conquiste e le grandi sconfitte, fanno da cornice a una stagione unica e irripetibile: non solo perché quella degli anni verdi di chi l'ha vissuta, ma anche perché stagioni colme di futuro come quella difficilmente avranno a ripetersi. Così come, altrettanto difficilmente, si potrà realizzare una stagione musicale altrettanto incredibile: l'esplosione del rock 'n roll nel mondo; l'avvento dei cantautori qui da noi in Italia; il jazz sempre presente con i suoi grandi solisti; il blues, il beat, il pop, a fare, uno dopo l'altro, costantemente da sottofondo. Tutto questo, nell'andare a costituire una colonna sonora che non ha avuto eguali per più d'una generazione, ci emoziona e ci incanta ancora oggi da ogni fonte sonora e visiva. No, questa non è nostalgia, è arte.

Ascoltare è un'arte e, come tale, è stata un po' sacrificata negli ultimi anni. Eppure ascoltare è fondamentale nell'incontro con l'altro e ancora di più lo è nell'incontro con il nostro centro, con ciò che abita veramente nel nostro profondo, con la nostra interiorità. Come si insegna un'arte? Come si insegna a dipingere, a scolpire, a lavorare il legno? Non basta un'aula piena di parole, serve una bottega in cui il "maestro" accompagni i suoi allievi con l'esempio, la vicinanza, la capacità di mostrare i propri errori, il proprio percorso. Il riflesso di Rachele è un libro che vuole aiutare il lettore a sviluppare l'arte di ascoltare e ascoltarsi; per farlo utilizza gli unici strumenti che possono, davvero, muoverci dal profondo: le favole e i racconti. Essi possiedono, infatti, una "magia" molto potente. Sono "porte sul nostro profondo", ma hanno una energica capacità di essere protettivi: le favole e i racconti non violentano mai, ma si accoccolano dentro la persona e le permettono di integrare il proprio riflesso più vero.

Il carattere inquieto dell'arte bolognese, da secoli contesa tra "natura ed espressione", si conferma negli sviluppi novecenteschi dell'Ultimo Naturalismo e dell'Informale, perdurando anche negli anni successivi. Tuttavia, le aperture dei confini geografici e culturali nel secondo Dopoguerra e le conseguenti progressioni stilistiche inducono alcuni artisti a invertire la rotta e a raccogliere un'eredità estranea alle irrequietezze del materismo: il lascito delle avanguardie neoplasticiste e costruttiviste, fondato sulla geometria e sul calcolo. Questa mostra presenta un periodo preciso dell'attività di quattro artisti, Giovanni Korompay, Antonio Mazzotti, Mario Nanni e Ivo Tartarini i quali, in fasi avanzate dei loro percorsi, hanno avvertito l'esigenza di confrontarsi con il geometrismo concretista per proporre un modello alternativo al naturalismo inquieto che, ancora negli anni Sessanta e Settanta, condizionava la vita culturale della città. Quattro percorsi individuali, quasi quaranta opere per raccontare un aspetto meno noto della pittura bolognese: la capacità di coniugare rigore e vitalità, di animare le geometrie dei concretismi storici spostando l'asse dei loro equilibri.

Quattro dipinti, quattro capolavori. E quattro storie che emergono dalle opere più emblematiche di Leonardo da Vinci, Edward Hopper, Francisco Goya e Edvard Munch osservate con l'occhio stupito del visionario. Il lettore viene incoraggiato a rivolgere ad esse uno sguardo non convenzionale, spogliandosi dei vincoli dell'oggettività che la realtà reclama. Così, immagina l'autore di questi racconti, osservando le opere con curiosità, si potrebbe andare oltre le scene e i personaggi rappresentati, per scoprire vicende e segreti forse sfuggiti agli stessi artisti che li hanno dipinti. In un quadro, insomma, dietro le pennellate dei maestri, potrebbe nascondersi qualcosa di più o di diverso da quanto appare? O pensiamo che le figure che affiorano dalle tele di Caravaggio o di Velázquez siano solo un impasto di colori, per quanto sublime? l'autore di questo libro è convinto di no: anche loro parlano, provano emozioni, gioiscono e soffrono. Proprio come noi spettatori. E se per una volta fossimo benedetti dalla necessaria sensibilità, potrebbero raccontarci molto di più del mondo e delle storie che hanno ispirato l'opera che li accoglie. E coinvolgerci in vicende straordinarie. Non è facile, ma si può tentare e, a volte, riuscirci. O, almeno, questa è l'opinione di chi ha scritto queste storie che attraversano un caleidoscopio di eventi storici e fantastici, di fatti autentici e inventati, in un riuscito equilibrio tra storia e finzione, tra realtà e fantasia.

Dopo la Piccola guida eccentrica (Persiani, 2019) e la Piccola guida esotica (Persiani, 2020) ecco la Piccola guida estatica, terzo appuntamento con le guide “atipiche” legate alla città di Bologna. «Chiese, osterie, parchi, angoli dimenticati e sconosciuti di Bologna lungo una direttrice che da orizzontale tende a divenire verticale. In questo si gioca la dimensione estatica della città fuori porta, dei quartieri che si fanno luoghi dell’anima, d’una dimensione urbana che, pur in continua metamorfosi, sogna d’eternarsi per sempre. Accanto ai luoghi, descritti in poesia e in prosa, accanto alle foto e alle didascalie a mo’ di tweet, la voce di alcuni tra i più famosi cantori della bolognesità fanno capolino nella trasfigurata immagine d’un modo di essere che appartiene solo a chi vive sotto le Due Torri o nei dintorni. Il turista troverà spunti insoliti per immergersi in ciò che nessuno gli ha mai detto della città dei portici, il bolognese ritroverà se stesso nell’infinita diffrazione della memoria sotto l’azzurrità estatica di San Luca.»

Questo catalogo a colori di grande formato ripercorre l’attività dell’artista Ugo Guidi (Comacchio 1923 – Bologna 2007) attraverso una selezione di 100 opere tra le più significative della sua prolifica carriera. Grazie al lavoro dei curatori Barbara Buldrini e Loris Pellegrini (sorto in occasione del Centenario dalla nascita di Guidi, e della mostra Il Centenario di Ugo Guidi, Comacchio aprile 2023-giugno 2023) potremo ripercorrere l’arco di un’intera vita artistica: dai paesaggi alle sculture, passando per le nature morte e i ritratti e approdando ai famosi nudi. Il volume esplora la poliedricità di Guidi, artista completo, e la molteplicità delle sue tecniche; ne seguiamo la formazione, da Comacchio all’incontro-adozione con Bologna e il fertile terreno dell’Accademia di Belle Arti. In bilico tra la classicità delle prime pitture e la modernità dell’attività grafica, dipingere fu per Guidi un’irrinunciabile via di fuga, un mestiere e una seconda “natura” che per tempo fu restio a condividere se non con pochi eletti e amici di famiglia. «[…] per lui la pittura è vita. La foga, l’entusiasmo, l’ansia con cui ne parla rivelano tutta la passione che nutre per il suo lavoro», scrive Anna Baldi. All’interno del catalogo, insieme alle concordanti opinioni di personalità e critici, si trovano i racconti di coloro che ebbero l’onore di gettare uno sguardo più “intimo” nei suoi atelier. Accompagna le immagini un’indagine bibliografica alla ricerca dei grandi nomi che, in un modo o nell’altro, hanno plasmato e ispirato la sua copiosa produzione: dagli insegnanti che lo aiutarono ad affinare le sue tecniche, quali Giovanni Romagnoli per la pittura e Cleto Tomba per la scultura, alle influenze delle pennellate pungenti del maestro ferrarese Giovanni Boldini, fino agli artisti post impressionisti, del cui testamento figurativo si fece erede, ultimi portavoce di una pittura che «è solo pittura».

L’opera di Marco Corradi si propone di dimostrare la «piacentinità» di Giuseppe Verdi, ampliando l’analisi realizzata dalla studiosa statunitense Mary Jane Phillips-Matz. Il Maestro nasce nella «bassa tra Piacenza e Parma» il 10 ottobre 1813 da genitori provenienti da famiglie piacentine, da poco trasferitesi dal Ducato di Piacenza a quello di Parma. Nel pieno della sua maturità personale, artistica e professionale, nel 1848, Verdi oltrepassa l’Ongina, il fiume che nell’ultimo tratto del suo corso segna il confine fra le province di Parma e Piacenza. Torna a Sant’Agata, nella terra da cui provengono i suoi avi e dove costruisce il nido per il resto della sua vita, per oltre cinquant’anni. Ritorna così, anche ufficialmente, ad essere del tutto piacentino. Sant’Agata rappresenta quindi il «luogo verdiano per eccellenza», la sua «patria d’elezione». Qui infatti sorge Villa Verdi dove ancora oggi sembra di scorgere il compositore seduto al pianoforte, intento a suonare, oppure sulle rive del laghetto a forma di chiave di violino, dove nuotavano elegantemente i suoi prediletti cigni. Nonostante sia nato in Provincia di Parma, anche se per puro caso poiché quell’anno il padre si trovava a gestire un’osteria in quella zona, il «cigno di Busseto» ha scelto poi di vivere in terra piacentina. Verdi, «piacentino fra piacentini», è legato per amici, conoscenti e familiari alla città di Piacenza ove vivendo in piena sintonia con il genius loci, si è sentito benvoluto, capito e protetto. Ed è proprio questo l’aspetto più importante che l’autore vuole sottolineare, in virtù del fatto che «si sceglie dove vivere, ma non dove nascere».

“Il Minotauro” è una rivista semestrale di Psicologia del Profondo, fondata a Roma da Francesco Paolo Ranzato nel 1973. L’autorevole voce rappresentata dalla rivista è attestata, oltre che dalla quarantennale pubblicazione, dall’aver ospitato nelle sue pagine studiosi di fama mondiale quali Carl Alfred Meier, Murray Stein, Hans Dieckmann e molti altri.

Agli antipodi di una semplice raccolta di pezzi incoesi ed eterogenei, Letteratura come terapia sociale ospita una pluralità di saggi in storia delle idee e delle lettere dal Rinascimento al Romanticismo uniti non solo da un approccio comparatistico aggiornato dal punto di vista scientifico, ma anche – e soprattutto – da una convergenza tematica, evidente quanto deliberata. Non per caso, in queste prose che dialogano fra loro senza artifici argomentativi di circostanza, emergono dominanti e pressoché onnipresenti abissi, labirinti, metamorfosi dell’amore (divino ed umano) e problematiche connaturate a un’orchestrazione sapiente e saggia del potere. Inoltre, come indica il titolo, i capitoli sono saldamente concatenati dall’idea che tutta la letteratura degna di questo nome possa costituire un’autentica terapia sociale, volta ad alleviare, consolare e, magari, a risolvere quelle patologie etiche, civili e spirituali che, in misure variabili, complicano e affliggono il percorso esistenziale di ogni cittadino europeo attento e sensibile ai valori che animano e vivificano la cultura occidentale tout court. Ma una cura del genere, insieme ordinata, imparagonabile e senza fine, dovrebbe continuare e, segnatamente, fiorire ben al di là di quanto imposto o proposto dalle “offerte formative”, ben oltre un pur imprescindibile tragitto paideutico che può compiersi oggigiorno, nel nostro Paese come grosso modo nell’intera Unione Europea, dall’infanzia ai dottorati e ai master.