Silvana

Il fotografo giapponese Kenro Izu è celebre per la ricercatezza e la raffinatezza delle sue immagini, percepibili nei soggetti da lui privilegiati in oltre 50 anni di carriera: still life, nudo e, soprattutto, i luoghi sacri del mondo. Il suo approccio è altro dalla semplice rappresentazione di un’architettura e del contesto ambientale in cui questa è collocata: implica un processo di approfondimento e apprendimento che di volta in volta differisce a seconda del luogo e della cultura che intende esplorare. Storia, tradizioni e credenze, ritualità e conoscenza delle religioni e delle culture permettono al fotografo viaggiatore di entrare in simbiosi con i luoghi sacri, potendo così restituire attraverso la fotocamera la sintesi di questa relazione “unica e speciale” in forma di lastra impressa. Un’esperienza colma di meditazione e contemplazione, di un tempo che solo la fotografia può concedere all’artista.

Paul Russotto, interprete dell’Espressionismo astratto americano, fonde la lezione dei grandi maestri – da Cézanne a Gorky, da de Kooning a Pollock – con un’intensa ricerca personale. Le sue opere non sono mai un punto di arrivo, ma campi aperti dove il colore vibra, si stratifica e si rinnova. Contro la ripetizione imposta dal mercato, Russotto oppone la forza viva del disegno, il gesto che esplora, studia e ridefinisce l’atto stesso del dipingere. Nelle parole di Eleanor Heartney: “Demolisce e amplia la tradizione modernista”. Per tutta la vita, infatti, Russotto si è dichiarato “un apprendista”, fedele a una pittura che non smette mai di instaurare un dialogo profondo con la modernità, una sfida continua al limite della forma e del senso, dove ogni quadro è un’esperienza che coinvolge non solo l’artista ma anche l’osservatore, chiamato a farsi partecipe del processo creativo.

Il lavoro di Florin Ştefan è un continuo fare i conti con momenti della memoria, risistemati mediante esercizi di riflessione che trasformano la tela in un’arena dove luoghi o figure del passato ritornano affievoliti, rigenerati in un rapporto di vicinanza e di lontananza. Quasi come spaccati di analitica cronofagia utile a nutrire l’atto del presente (quello del dipingere) con la potenza del passato (le storie), le sue opere presentano sempre dei tocchi enigmatici la cui velocità rimaneggia il reale rendendolo evanescente, vago, soft, nebuloso, spettrale, opaco, spesso poco decifrabile, a tratti squisitamente onirico e cromaticamente intenso.

Tra i più importanti ceramisti del Settecento, Giorgio Giacinto Rossetti (1705-1778) non ha finora goduto di studi approfonditi. Una lacuna che il volume di Cristina Campanella (1963-2023) permette ora di colmare. La capillare ricerca archivistica della studiosa mette in luce nuovi aspetti del percorso personale e professionale di Rossetti, dagli esordi a Torino nel 1725, con la fondazione di una Fabrica di Maiolica aperta sotto patrocinio reale, al trasferimento per nove anni a Lodi, fino al rientro definitivo nella capitale sabauda. Qui, nel 1736 diede avvio a una delle prime fabbriche di porcellana sorte in Italia. Un capitolo affascinante e poco noto della storia artistica e imprenditoriale di Torino.

Il BancaStato Swiss Architectural Award riconosce e segnala architetti under 50 che, con particolare sensibilità nei riguardi delle questioni etiche, estetiche ed ecologiche, hanno offerto un apporto rilevante alla cultura architettonica contemporanea, contribuendo in tal modo a migliorare la qualità di vita dell’uomo e a favorire il dibattito pubblico e disciplinare sul ruolo dell’architettura nella società odierna.

«Berengo Gardin entra nell’intimità di Morandi, si muove nel suo luogo, si ferma sugli oggetti custoditi sempre con cura, tante volte osservati e tante ancora ritratti nelle tele del grande artista. Lo studio offre al fotografo anche una scoperta preziosa e unica: un ripostiglio rimasto segreto o, comunque, non visto e non aperto per anni dopo la morte dell’artista e tornato alla luce poco prima dell’arrivo del fotografo. La documentazione attenta e partecipe di Berengo Gardin testimonia così lo speciale spazio dell’arte.» (Alessandra Mauro)

Nel bicentenario della nascita del generale L’Hotte (1825-1904), i suoi Ricordi, «storici e aneddotici allo stesso tempo», ripercorrono la fulgida carriera e il ruolo di «mediatore tra arte equestre ed equitazione militare» dell’allievo prediletto di Baucher e del conte d’Aure, che tra le opposte dottrine dei due grandi capiscuola del XIX secolo seppe operare una sintesi da tutti ritenuta impossibile. La biografia del più noto e apprezzato tra gli écuyer del maneggio accademico di Saumur, il futuro Cadre Noir, ci apre le porte del santuario dell’equitazione di tradizione francese, dichiarata dall’UNESCO nel 2011 patrimonio immateriale dell’umanità.

Mario Giacomelli (1925-2000) è stato una figura centrale nella cultura visiva italiana del secondo Novecento, capace di attraversare le grandi trasformazioni del linguaggio artistico. La sua opera si colloca in un punto di passaggio decisivo, tra la modernità ancora segnata dal realismo e l’irruzione della sensibilità postmoderna, che dissolve i confini tra i generi e sposta lo sguardo dall’oggettività documentaria alla soggettività dell’esperienza. La sua fotografia, fin dalle origini, si muove in una direzione divergente: fonde la documentazione con la trasfigurazione, la testimonianza con l’invenzione. Come scrive Germano Celant, “le sue immagini vivono sulla teatralità del reale, ma rivelano una prepotente devozione al vedere interiore e soggettivo”. Questo volume, a cura dell’Archivio Mario Giacomelli, attraverso uno sguardo inedito e organico sulla sua vita e il suo lavoro, restituisce la complessità, la densità e la stratificazione di un’opera che continua ancora oggi a sfuggire a ogni canonica definizione. Questo volume, a cura dell'Archivio Mario Giacomelli, attraverso uno sguardo inedito e organico sulla sua vita e il suo lavoro, restituisce la complessità, la densità e la stratificazione di un'opera che continua ancora oggi a sfuggire a ogni canonica definizione.

Il volume è dedicato alla storia e all’attuale composizione della collezione di disegni antichi della Fondazione Museo Miniscalchi-Erizzo. Costituita dall’erudito veronese Ludovico Moscardo tra il 1630 circa e il 1681 per la sua celebre Wunderkammer, questa raccolta fu tra le più note e copiose del Nord Italia, vantando originariamente oltre duemila tra disegni e stampe. Nel corso del Novecento fu parzialmente dispersa e molti di questi disegni si trovano ora in prestigiosi musei e istituzioni culturali del mondo. L’attuale raccolta è costituita da centosessantotto fogli e comprende disegni di Giovanni Maria Falconetto, Jacopo Bassano, Paolo Farinati, Jacopo Palma il Giovane, Paolo Fiammingo, Alessandro e Vincenzo Maganza e molti altri artisti, non solo di scuola veneta. Per la prima volta sono qui pubblicate le schede storico-critiche dell’intera collezione, risultato di ricerche condotte da un team internazionale di specialisti, tutte corredate da immagini fotografiche a colori; sono presenti inoltre sei saggi di approfondimento dedicati alla formazione, all’implementazione e alle vicende storiche della raccolta, inclusa la sua parziale dispersione, in parte chiarite a seguito del ritrovamento di inediti documenti d’archivio.

Il volume ripercorre il lavoro degli ultimi trent’anni di Giuseppe Salvatori (Roma, 1955), artista che è stato fra i fondatori, nel 1978, dello spazio autogestito di S. Agata de’ Goti a Roma e successivamente annoverato nel movimento artistico dei Nuovi-Nuovi. In questi tre decenni l’artista ha privilegiato la formula del ciclo per scongiurare la frammentazione dispersiva di opere la cui peculiarità spesso consiste nello stretto rapporto con la narrazione letteraria, di natura classica e contemporanea. Opere, quindi, sempre ancorate a un dato di realtà culturale ma anche pervase da un vissuto personale che ne trasfigura la visione in rappresentazioni singolari. Il ciclo Centuria consiste di centocinque ritratti - profili delle diverse e inesauribili figure della vita dell’artista: un lavoro in progress in cui motivi floreali si trasformano in volti, portandoci in un territorio di incanti metafisici sospeso tra il reale e il fantastico. L’opera di Salvatori sta come un’immagine in meno dell’almanacco visuale che ci circonda, e di cui abbiamo bisogno per non smarrirci e non sentirci soli, essendo coinvolti e sconvolti fin nel profondo, talvolta persino scandalizzati. Essere presenti oggi equivale a essere feriti. Al contrario, Salvatori dipinge un’immagine in meno nel nostro corredo di metafore attivate per non vedere la realtà che abbiamo davanti agli occhi. Ma finalmente è un’immagine di nessuno, un’immagine che piega la testa e si concede totalmente, diventando finalmente nostra. L’unica.

Il presente volume ripercorre la mostra personale di Luca Vitone D’après (de Pisis – Paolini), organizzata nel 2022 al Museo Novecento di Firenze, dove l’artista ha esposto quattro lavori inediti in dialogo con le mostre di Giulio Paolini e Filippo de Pisis, allestite negli stessi mesi al Museo. Grazie a un’indagine sul ruolo assunto dai due maestri sia nella memoria collettiva che in quella personale, Vitone chiama in causa la nostra percezione dello spazio in opere dalla forte impronta concettuale, caratterizzate dall’impiego di media diversi.

Il 27 febbraio 2024, dopo circa cinquant’anni di dibattiti e proposte, l’opera Guerriero con scudo di Henry Moore è stata collocata nella Terrazza di Saturno in Palazzo Vecchio a Firenze, avverando così il sogno del grande artista britannico. Traendo spunto da questo evento straordinario, il Museo Novecento e l’ufficio Firenze Patrimonio Mondiale e Rapporti con Unesco del Comune di Firenze hanno approfondito la riflessione sui nessi tra le città Patrimonio Mondiale Unesco e l’ispirazione artistica, grazie al convegno Le città patrimonio mondiale, che ha permesso di esplorare il rapporto tra creatività contemporanea e arte del passato e di sondare le possibili ricadute sul territorio di questo legame mai scontato. Gli atti del convegno, raccolti nella presente pubblicazione, racchiudono l’essenza di questo racconto corale: un dialogo intenso e vivace tra artisti, studiosi ed esperti di diverse discipline, chiamati a confrontarsi quotidianamente con le sfide e gli stimoli generati dalle città Patrimonio Mondiale.