Silvana

Giorgio Casali (1913-1995) è una figura centrale nella storia della fotografia del Novecento. Dal 1951 a metà degli anni ottanta, per oltre trent’anni, egli è il fotografo dei maggiori architetti e designer italiani. La sua prolungata collaborazione con la rivista internazionale “Domus” lo mette in luce quale testimone negli anni in cui l’Italia viene attraversata dall’onda della modernizzazione, periodo caratterizzato da un forte entusiasmo per i nuovi stili di vita, per il nascente mercato dei consumi di massa, per le trasformazioni architettoniche pubbliche e private che plasmano nuovi contesti. Il sottotitolo della mostra, Paesaggi pubblici e privati, fa riferimento alla costruzione della nuova società, urbana e sociale, che si esprime nell’immaginario domestico, rappresentativo, produttivo e umano interpretato dalla fotografia. I materiali del Fondo Giorgio Casali, conservati presso l’Archivio Progetti dell’Università Iuav di Venezia (centoventimila fra lastre e negativi, oltre a una corposa documentazione dell’attività dello studio con le carte personali), consentono di raccontare, secondo diversi tagli tematici, le trasformazioni dell’Italia nella fase del più intenso sviluppo. Le sue fotografie rappresentano quindi un corpus documentale di grande interesse per raccontare uno dei contesti più produttivi del paese in una fase di sperimentazione e cambiamento.

Se l’abbigliamento ha sempre rivestito un’importanza speciale è perché la moda si presenta come una delle soluzioni più affascinanti per sottolineare gusto, benessere e successo. Partendo da tale assunto e con il ricorso a inedite foto d’epoca, le pagine di questo libro restituiscono l’ambiente e i modelli che, tra Otto e Novecento, spinsero l’élite veronese a mettersi in posa davanti all’obiettivo. Per immortalare la propria condizione privilegiata, ogni protagonista ha scelto con cura scenografia, posa e toilette. Ma proprio perché indossate da individui in carne e ossa, le vesti aiutano non tanto a seguire la storia della moda e del costume lungo un generico percorso cronologico, quanto soprattutto a entrare nel vivo del contesto culturale in cui vennero selezionate, adattate e, infine, esibite.

Il volume indaga il complesso rapporto tra Gio Ponti e la città di Roma. A partire da ricerche archivistiche e dallo studio dei progetti, realizzati e non, qui presentati per la prima volta in modo sistematico, il testo raccoglie considerazioni inedite sul ruolo che il rapporto con la Capitale ha giocato nella traiettoria professionale e intellettuale dell’architetto milanese. Roma ha infatti rappresentato per Ponti non soltanto il centro del potere entro cui sviluppare una carriera professionale di respiro nazionale e internazionale, ma anche un banco di prova per la verifica e l’esercizio delle proprie idee. Rimasta a lungo in secondo piano rispetto alla natia Milano e ad altre città del mondo dove Ponti realizzò opere di grande richiamo, la Capitale torna così a occupare una posizione strategica nella sua vita, trattenendolo in più occasioni prima e dopo la Seconda guerra mondiale, e offrendogli un fecondo terreno di confronto persino su temi a lui lontani come la storia dell’architettura, il restauro e il rapporto con la preesistenza archeologica.

Le sculture di Claudio Capotondi sono opere di altri tempi, o forse addirittura di tempi futuri, capaci di rappresentare l’impresa di una vita trascorsa disegnando, progettando, fondendo, ma soprattutto scolpendo la materia, senza timore di affrontare la sfida più grande per un artista: quella della monumentalità.

Il volume ripercorre la lunga carriera dell’artista britannico Peter Blake (Dartford, 1932), definito il padre della Pop Art inglese e molto noto per aver realizzato le copertine di diversi album musicali, quali ad esempio Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dei Beatles (1967), ideata insieme a Jann Haworth. Sono qui presentati oltre 160 lavori realizzati tra il 1956 e il 2023: dalle prime opere astratte ai poetici e ricercati collage della serie Joseph Cornell’s Holiday, dalle sculture e installazioni create con materiali di recupero fino agli ultimi divertiti ritratti Studies for ‘Party’, con cui Blake esprime il proprio umorismo, tipicamente inglese e leggermente irriverente, caratteristico anche dei nonsense, che nasce nel solco della grande tradizione di Edward Lear e Lewis Carroll.

Artur Żmijewski è una delle figure radicali più importanti sulla scena artistica polacca. La sua opera riflette la preoccupazione per i problemi socio-politici della nostra contemporaneità, esaminando i meccanismi del potere e dell’oppressione all’interno dell’ordine sociale esistente – così come i conflitti di vario tipo che rasentano la violenza - e mettendo in evidenza la relazione tra le emozioni estreme e le loro espressioni fisiche, compresi l’impatto sulla memoria e il trauma collettivo, senza mai perdere interesse per il tema classico della scultura: la rappresentazione del corpo umano. Una menzione particolare merita il tema della paura, centrale nella vita umana e troppo spesso veicolata come sistema di controllo sociale, e a cui fa esplicito riferimento il titolo del progetto, omaggio all’omonimo film del 1974 di Rainer Werner Fassbinder. Il volume, dal taglio monografico, presenta un’ampia selezione di lavori storici, recenti e inediti dell’artista, e accoglie i testi di Diego Sileo, Juli Carson, Galit Eilat, Adam Mazur e Adam Szymczyk.

Questo è il primo libro dedicato all'intera opera artistica di Claudio Costa, non un catalogo ragionato bensì l'avvio di un lavoro complesso e sistematico sull'opera di uno dei più sensibili protagonisti dell'arte contemporanea italiana della seconda metà del XX secolo. Un artista complesso, con profondi interessi sull'antropologia culturale, sui segreti alchemici, sui processi chimici, sugli studi filosofici, poetici e letterari. Protagonista di una delle più sconvolgenti stagioni dell'arte contemporanea, presente alle grandi manifestazioni internazionali come Documenta a Kassel nel 1977 o alla Biennale di Venezia nel 1986 e 1990, ha stretto rapporti con i più significativi artisti coevi, ideando e realizzando nel 1992 il "Museo Attivo delle Forme Inconsapevoli" all'interno dell'Ospedale psichiatrico di Genova Quarto. Claudio Costa riattiva la liturgia magica dello sciamano-artista che pianta il proprio totem salvifico e lo adorna delle paure e degli orrori che devono essere accolti, abbracciati, per essere poi superati. L'arte rappresenta per l'artista la magia del riscatto, il luogo rassicurante che non teme di esibire i mostri, che sa acquietare gli incubi.

Questo volume raccoglie 100 fra le più significative immagini di Carmelo Nicosia e di un viaggio, il suo, che dura da più di trenta anni e che narra, attraverso i suoi fotogrammi in bianco e nero, momenti magici di viaggio, relazioni antiche tra natura e visione, strette di mano, contatti privilegiati con esseri umani rari e coraggiosi. "Nel 1989 approdai a Stromboli, isola del Fuoco delle Eolie, sprovvisto di particolari informazioni storiche o geografiche, ma trascinato dall’entusiasmo di alcuni amici visionari che avevano già sperimentato la Malìa isolana. Avevo abbandonato una carriera preordinata di brillante laureato nel campo farmaceutico per intraprendere il cammino complesso, ma ancora oggi travolgente, della scrittura e della fotografia. Iniziò a prendere corpo nella mia anima inquieta di uomo del sud che fermare il tempo, delineare lo spazio con uno scatto e osservare i processi umani, fosse l’unico modo possibile per stare al mondo, perché il mondo per esistere doveva essere raccontato con la fotografia".

Il processo di costruzione della memoria che il presente volume si propone di prendere in esame si configura come un’indagine complessa e stratificata intorno alle istanze politiche e sociali che hanno condotto alla mancata realizzazione di due importanti progetti relativi ai traumi della seconda guerra mondiale: il Memoriale ai sei milioni di martiri ebrei disegnato da Louis I. Kahn, che avrebbe dovuto essere realizzato a New York (1967-1973); e il Centro di documentazione Topografia del Terrore progettato da Peter Zumthor per Berlino (1993-2004). Gettando uno sguardo retrospettivo alla storia dell’architettura commemorativa del XX secolo, emerge chiaramente la scarsa importanza riconosciuta ai memoriali non finiti o mai realizzati, di cui, nella maggior parte dei casi, resta soltanto una traccia documentaria. Tuttavia, come suggerisce l'anglista ed ebraista americano James E. Young, è ipotizzabile che la storia di un memoriale non realizzato possa diventare più istruttiva di quella di un memoriale costruito. Quella relativa alla costruzione di un memoriale è la storia di un'attività di scavo che sottende al complesso processo di visualizzazione e materializzazione dell'intenzione di memoria espressa da un determinato gruppo di individui, in un luogo e momento storico precisi. Il memoriale, infatti, è un'opera architettonica concepita per inserirsi nello spazio pubblico: luogo di grande stratificazione sociale, politica ed estetica cui la collettività assegna al contempo un fondamentale valore culturale. In tale prospettiva, indagare le dinamiche che tanto sul piano storico e politico quanto su quello estetico e architettonico hanno presieduto al progetto di un memoriale, è un atto di grande consapevolezza storica, poiché contribuisce a portare alla luce l’interpretazione che una collettività dà del proprio passato, in particolare quello legato agli eventi traumatici.

La monografia, a cui Germano Celant lavorò prima della sua scomparsa e che viene pubblicata postuma con un testo introduttivo di Carlos Basualdo, è la prima a ripercorrere in modo sistematico la vita e la carriera del fotografo Claudio Abate (Roma, 1943-2017). Viene proposta una lettura storica e critica del suo lavoro, documentato attraverso una cronologia con illustrazioni, materiali inediti, testi e citazioni. La produzione di Abate spazia dalle fotografie di opere, artisti e mostre dell’Arte Povera agli scatti sulla scena espositiva italiana e internazionale, fino a immagini di teatro, moda, costume, attualità per settimanali e periodici, nonché a vere e proprie opere d’arte sperimentali. In una visione omnicomprensiva, Abate mette alla prova il mezzo fotografico adattandolo a molteplici ambiti, discipline, temi e soggetti differenti.

"Pompeii Commitment. Materie archeologiche" è il primo programma d’arte contemporanea istituito dal Parco Archeologico di Pompei, che promuove lo studio e la valorizzazione della “materia archeologica” conservata nelle aree di scavo e nei depositi di Pompei. La prima pubblicazione cartacea di Pompeii Commitment. Materie archeologiche raccoglie la documentazione di oltre quaranta contributi artistici, apparsi originalmente sul portale online pompeiicommitment.org, accompagnati da ulteriori strumenti di ricerca e testi critici di Massimo Osanna, Gabriel Zuchtriegel, Andrea Viliani e Stella Bottai.