Gremese Editore: Piccola biblioteca delle arti

Più di vent'anni or sono, Gremese intraprendeva la ripubblicazione di tutta l'opera di Enrico Cecchetti, realizzando - oltre all'edizione italiana del celebre manuale scritto da due suoi autorevoli collaboratori, Cyril W. Beaumont e Stanislas Idzikowski - anche i primi due volumi del Manuale completo di danza classica curati dal figlio Grazioso. Oggi, questo terzo e conclusivo volume riafferma l'impegno della Casa editrice e della professoressa Flavia Pappacena per la conservazione dell'eredità cecchettiana, e restituisce alla cultura un manoscritto musicale lungamente atteso da numerosi studiosi e appassionati del metodo del grande Maestro Enrico Cecchetti. Fedelmente riprodotto nella sua integrità e introdotto da un testo critico, il suddetto volume di Musiche, ritrovato presso il Fondo Cecchetti della Biblioteca "Silvio Zavatti" di Civitanova Marche, consiste in una stesura successiva a quelle finora reperite, e rappresenta una preziosa testimonianza del passaggio dell'accompagnamento musicale dal violino al pianoforte nelle pratiche dei "maestri Cecchetti", nonché delle innovazioni che ne sono scaturite: ad esempio, l'uso di brani di balletti ottocenteschi, fino all'impiego di ritmi moderni. Come dettagliatamente spiegano Alessandra Alberti e Donald Francis, curatori della pubblicazione, sono proprio tali innovazioni a rendere ancora più significativo il materiale proposto: ampliando, infatti, l'analisi comparativa delle fonti, permettono di interpretare correttamente sia il legame dei Cecchetti con le prassi tradizionali ottocentesche, sia il ruolo da essi svolto nell'adeguare quelle prassi alle esigenze tecniche e metodologiche che via via andavano affacciandosi agli inizi del Novecento.

Con l’espressione “danze storiche di società”, la Scuola russa indica le versioni stilizzate e teatralizzate dei balli di sala ottocenteschi – come la polka, la polonaise e il valzer – presenti nel repertorio del balletto classico. A inizio Novecento, la Scuola russa ha organizzato queste danze in una disciplina scolastica destinata ai primi tre anni di studio, al fine di introdurre gli allievi allo stile del balletto nei gesti, nei ritmi e nella relazione con lo spazio scenico. La presente pubblicazione offre un programma didattico di durata biennale parallelo al corso di danza classica. Tutti i passi e i disegni coreografici sono descritti analiticamente con il supporto di un ricco apparato illustrativo che include fotografie didattiche e schematizzazioni grafiche degli spostamenti nello spazio. Ogni danza è inoltre corredata dagli spartiti musicali che, insieme alle note introduttive di carattere storico, contribuiscono a rendere il testo uno strumento fondamentale per allievi e insegnanti, e un documento stimolante per tutti gli appassionati del balletto classico.

In questo volume l'autrice impartisce tutti gli insegnamenti essenziali per impostare correttamente la voce, rispondendo alle domande e ai dubbi che assillano ogni principiante: quale postura va assunta? Come si deve respirare? Come è possibile agire in modo volontario sulle corde vocali e come si fa per controllare le cavità di risonanza? In che modo gli stati d'animo possono influire sul canto? Come si devono pronunciare le parole? Come si fa a non sforzare la voce? In un linguaggio comunicativo e sempre chiaro, servendosi di illustrazioni esplicative, l'autrice indica inoltre come raggiungere buone capacità tecniche ed espressive, accompagnando alla trattazione suggerimenti, consigli ed esempi concreti.

Il teatro, svolto anche in ambiti puramente ricreativi, è un'attività profondamente positiva per chiunque: sviluppa la memoria, favorisce la collaborazione, invita alla convivialità, facilita il movimento corporeo... Questo volume si rivolge a chiunque sia interessato, da organizzatore o partecipante, a laboratori e corsi di teatro per adulti, e mira proprio a sviluppare gli aspetti anzidetti. I numerosi esercizi proposti, infatti, coinvolgono di volta in volta il corpo (energizzazione e stimolazione, riscaldamento fisico, espressione corporea), la voce (respiro, dizione e articolazione), la memoria, la conoscenza di sé e dell'altro, il gioco drammatico (le improvvisazioni) e il rilassamento: attività non solo stimolanti e formative di per sé, ma anche preliminari alla messa in scena amatoriale di qualunque testo, comico o drammatico che sia. Per ogni esercizio, sono indicati gli obiettivi, la durata, il numero dei partecipanti e gli eventuali materiali indispensabili. Frutto della lunga attività didattica e divulgativa dell'autrice, il manuale si presta a contesti diversi per finalità specifiche, impegno individuale e fascia anagrafica dei partecipanti, ivi comprese le sempre più diffuse attività ludiche destinate alla terza età.

Questa pratica e agevole guida, rivolta sia ai professionisti sia ai semplici appassionati, insegna passo dopo passo come diventare un perfetto autore di testi comici nei più popolari campi dello spettacolo. Dai numeri di pochi minuti agli sketch, dalle barzellette fino alle sitcom, essa fornisce valide indicazioni per la scelta e lo sviluppo del tema, la fase di organizzazione del materiale, la creazione dei personaggi e la ricerca dell'effetto ameno sul pubblico. Suggerisce inoltre come evitare gli errori più ingenui e come promuovere efficacemente il proprio lavoro. Completano la trattazione esempi, preziosi consigli e utili informazioni riguardo agli attuali sviluppi del settore, con particolare riferimento a Internet e alla tv interattiva.

Questo pratico manuale, rivolto sia ai professionisti che agli aspiranti scrittori, insegna, passo dopo passo, come diventare bravi autori di testi teatrali. Dalle commedie ai drammi, esso fornisce una valida guida nello sviluppo dell'idea iniziale, nello studio della trama e dei dialoghi, nella caratterizzazione dei personaggi e nel processo di revisione dell'opera completa. Suggerisce inoltre come presentare e promuovere con successo il proprio lavoro, illustrando anche gli aspetti positivi e negativi della collaborazione con registi e compagnie teatrali e indicando infine come tutelare i diritti d'autore in caso di allestimento. Esempi tratti dalle opere di illustri drammaturghi si aggiungono a consigli e utili informazioni sul mondo del teatro nel suo complesso.

I bambini si lasciano distrarre facilmente, una tendenza che alla lunga può compromettere il corretto apprendimento. Questo manuale mostra come rilanciare il loro interesse trasformando in gioco teatrale gli argomenti del programma scolastico. Attraverso le chiavi di volta dell'espressione corporea e della parola, esso fornisce all'insegnante gli strumenti per coinvolgere i bambini - siano essi interpreti o spettatori - in una forma stimolante, istruttiva e divertente di lezioncine interattive. "Il tempo e lo spazio", "Le quattro operazioni", "Le 24 ore", "I movimenti della Terra e della Luna", "Il gesto e la parola", "Il magnetismo", "La circolazione del sangue", "Il senso civico" sono solo alcuni degli argomenti proposti nel libro, i cui preziosi spunti didattici si prestano anche a essere sviluppati su temi diversi. Le lezioncine sono precedute da una sezione preliminare di esercizi preparatori dedicati al rilassamento, alla respirazione e al controllo dei gesti. Messo a punto con l'aiuto di docenti ed esperti delle discipline coinvolte, questo volume intende proporre ai piccoli allievi un'innovativa via di accesso all'apprendimento scolastico, e insieme un ausilio allo sviluppo delle loro personalità. Una duplice valenza che lo rende uno strumento a disposizione - oltre che degli insegnanti di scuola primaria - di qualunque educatore e animatore per l'infanzia.

Questo volume è pensato per gli insegnanti, i genitori, gli animatori che vogliono praticare il teatro come gioco insieme ai propri figli o allievi. Le sue autrici propongono 100 nuovi esercizi che guideranno i bambini attraverso un percorso di "allenamento" alla recitazione: vale a dire, uno stimolante e divertente lavoro sul corpo, il movimento, la respirazione, la voce, la memoria, la capacità di improvvisazione, la dizione. Ideale continuazione dei fortunati 60 esercizi proposti nel primo volume - ma attuabili anche autonomamente -, i giochi offrono un vasto campionario di attività descritte dettagliatamente e accompagnate da indicazioni sulla durata, gli obiettivi e il numero dei partecipanti. All'interno di ognuna delle diverse sezioni, ciascun conduttore potrà poi "pescare" gli esercizi più adatti a sviluppare le potenzialità del suo gruppo. Vincere la timidezza, sbloccare l'espressività, affinare la percezione, controllare la gestualità e la voce: i 100 esercizi di questo volume rappresentano innanzitutto un efficace strumento di crescita a disposizione dei piccoli allievi. Ma non smarriscono la loro valenza propriamente "teatrale": il capitolo conclusivo ne offre infatti una sintesi d'insieme specificamente finalizzata all'allestimento di uno spettacolo.

A volte si è erroneamente portati a pensare che il teatro sia una "cosa da grandi"... E invece, fin dai primissimi anni, il bambino, con i suoi "facciamo finita che...", inizia già a recitare per conto suo. Questo volume è pensato per i genitori, gli insegnanti e gli animatori che desiderano aiutare i bambini dai 3 ai 6 anni a sviluppare le loro capacità di comunicazione e di interazione attraverso il teatro. I 100 giochi qui proposti, suddivisi per tematiche (corpo e dinamizzazione, spazio, contatto), stimolano i piccoli fruitori a costruire un proprio linguaggio, a muoversi nello spazio, a prendere coscienza di sé e degli altri, ad abbandonarsi alla fantasia e contemporaneamente a saper distinguere il reale dall'immaginario. Un percorso di pedagogia teatrale variegato ed estremamente coinvolgente, dunque, che nel corso di un anno accompagna i bambini alla scoperta di nuove modalità espressive, sollecitandoli anche a tradurle in forma di piccoli spettacoli. Il volume di Dominique Mégrier è un ideale testo di riferimento per qualunque laboratorio teatrale destinato all'infanzia, in particolare per quelli sempre più spesso condotti in ambito scolastico a integrazione dei programmi didattici. In appendice, ulteriori esercizi di concentrazione e di rilassamento, oltre a una breve musicografia.

Questo testo rappresenta uno strumento per conoscere e comprendere le idee della prima e più importante pioniera della Danza educativa. Pubblicato nel 1940, esso organizza e sintetizza le sue riflessioni sul tema, maturate nel corso di una lunga attività di ricerca e di insegnamento all'Università del Wisconsin. Lì, nel 1917, Margaret H'Doubler aveva avviato il primo corso di danza degli Stati Uniti, da subito impostosi come la fucina teorica e pratica di una nuova concezione degli studi coreutici: non più appannaggio esclusivo di una élite interessata essenzialmente a sviluppare capacità esecutive, ma mezzo di comunicazione ed espressione indispensabile per la formazione completa di ogni individuo. Oggi, la diffusione sempre maggiore di attività coreutiche che coinvolgono bambini e adulti in contesti scolastici, sociali e comunitari, rende quanto mai attuale il testo della H'Doubler, con la sua idea di un "danzatore pensante" che unisce alla fisicità e alla tecnica la dimensione spirituale e intellettuale. L'impostazione scientifica adottata, inoltre, ne fa una trattazione anticipatrice dei più recenti percorsi di ricerca sul movimento e sulle sue motivazioni profonde. “Danza. Un'esperienza artistica creativa” offre un ricchissimo materiale di studio a chiunque operi nell'insegnamento e nella diffusione della danza, e a chi segua percorsi formativi coreutici anche di livello universitario.

Nel balletto ottocentesco, l'espressione "danza di carattere" indica la versione stilizzata e teatralizzata dei balli di origine popolare o nazionale. La Scuola russa, attenta custode del patrimonio coreografico, ha organizzato queste danze in una materia scolastica che si è diffusa gradualmente in tutta Europa, ivi compresa l'Italia in cui l'autrice è una delle più accreditate insegnanti. Nella presente pubblicazione si propone un programma didattico di durata quinquennale parallelo al corso di danza classica. Passi e ritmi delle principali danze sono spiegati analiticamente nella tecnica e nello stile con il supporto di uno stimolante apparato illustrativo. Le descrizioni tecniche sono precedute da una breve discussione sull'origine del "carattere" e sul suo graduale orientamento verso il tratto nazionale. Un esempio di lezione con relativi spartiti musicali chiude il testo, rendendolo uno strumento efficace per allievi e insegnanti, come per qualunque appassionato che voglia comprendere tutte le espressioni del balletto classico.

Il volume approfondisce innanzitutto il contesto storico-culturale in cui si sviluppa, tra gli anni '60 e '70, quella corrente musicale americana del secondo dopoguerra detta "minimalismo". La prima parte ne mette in luce i molteplici nessi che la collegano alla poetica e all'opera del compositore John Cage, nonché la più ampia rete di relazioni con i contesti culturali ed estetici di quel periodo - analisi che lascia emergere tutta la radicalità delle scelte linguistiche del minimalismo americano e il suo messaggio di rottura e di alternativa in rapporto alle neoavanguardie europee. La seconda parte del volume è dedicata alla produzione di colonne sonore per il cinema dei compositori postminimalisti, nonché all'analisi di scene o sequenze esemplari tratte da testi filmici ove proprio la colonna sonora realizzata da compositori come Philip Glass o Michael Nyman ha contribuito in modo decisivo a determinare non solo l'esito estetico del film, ma in alcuni casi - primo fra tutti il celebre "Lezioni di piano" di Jane Campion - anche il loro successo presso o largo pubblico.