Gutenberg Edizioni: Quaderni del Fondo Regionale d'Arte Contemporanea

In bilico tra emozione e astrazione, tra memoria e visione, questo libro propone un viaggio nella pittura di Alessandro Savelli, artista che ha saputo trasformare la tela in uno spazio di rivelazione interiore. Dalle prime opere degli anni Settanta fino alle più recenti tele ispirate al cielo stellato, la ricerca di Savelli è una confessione lirica, un'indagine sul senso del vivere e sull’atto stesso del creare. La pittura, per Savelli, è “un’emozione piena di verità”, un linguaggio che non rappresenta, ma evoca; non descrive, ma suggerisce. Lontano da ogni compiacimento formale, egli costruisce un dialogo intimo con la materia e con il colore, lasciando affiorare una dimensione spirituale, talvolta rarefatta, talvolta incandescente. Come i gesti spontanei sulla superficie immacolata, le sue opere tracciano un sentiero nella solitudine dell’esistenza contemporanea, tra incertezze globali e frammenti di bellezza. Attraverso un’attenta selezione di dipinti e un’analisi critica profonda, il volume racconta l’evoluzione del linguaggio pittorico di Savelli, sottolineando la sua capacità di restituire al colore e alla luce una voce emotiva e necessaria.

Il pittore dipinge per un bisogno di liberazione, cioè di non lasciare spazio alla relazione che l’immaginario ha con il reale. Angelomichele Risi nel corso di questi primi mesi del 2023 ha realizzato una serie di grandi tele che difficilmente possiamo iscrivere sia nell’ambito generico di una declinazione astratto-concreta, come teorizzava Lionello Venturi a proposito degli artisti inscritti nel Gruppo degli Otto, nei primi anni Cinquanta, sia nell’astrazione di matrice geometrica, tantomeno nell’indeterminata astrazione lirica. Nei dipinti realizzati di recente, una serie che abbiamo voluto definire “Opereduemilaventitre”, Risi si lascia guidare dal cuore, da lunghe ‘sincopi’ determinate da stati emotivi; nulla di mentale, nulla di concettuale, nulla di astratto tantomeno di rimando referenziale: è il cuore, non l’occhio, a guidare l’epifania che, davanti ai suoi e ai nostri occhi, ritrova una sua esistenza.

Sculture, acquerelli, disegni, libri d’arte, tutti lavori lievitati nel pensiero dell’artista all’indomani della tragedia che, dagli ultimi giorni del 2019, ha colpito l’intero globo. Esse, però, non rispondono all’iconografia che dai monitor televisivi, dalle illustrazioni dei giornali, ha assediato la nostra quotidianità, con volti stravolti dalla pandemia, boccheggianti, ansimanti, protesi verso il desiderio di vita, quanto al senso che il respiro assume come necessità del ‘comune’, quindi come progetto. Il catalogo e la mostra collegata ad esso sono a cura del critico, Massimo Bignardi.

La mostra che il Museo-FRaC ha realizzato, dopo un attento lavoro di ricostruzione storico critico, è dedicata ad un momento della pittura di Carotenuto che in pochi conoscono: i Collages. È una significativa ma breve stagione che ha segnato l’apertura di un dialogo con quanto accadeva nella sfera dell’arte in quegli anni, negli Stati Uniti, in Francia e in Italia: un periodo di brevissima durata – tra l’estate del 1964 al 1966 – ma che ha segnato profondamente sia l’attività espositiva del Maestro, con mostre personali e collettive in Italia e all’estero, sia il dibattito all’interno della cultura artistica salernitana.