Silvana: Biblioteca d'arte

Per molto tempo, le collezioni patrizie romane sono state studiate soltanto nei secoli gloriosi dell’accumulazione, per lo più tra Cinque e Settecento. L’Ottocento è in genere segnato da profonde trasformazioni, concluse spesso con smembramenti e dispersione. È così anche per le raccolte artistiche Borghese, ma la loro vicenda in questo secolo è un racconto articolato e vitale, nel quale ci sono fasi di perdita e di espansione, di modifiche, aggiornamenti, separazioni e ricongiungimenti, e di destini molto variegati: una parte delle raccolte rimane integra e diventa un museo pubblico, conservando intatto il suo carattere di eccezionale collezione storica, mentre per molte opere d’arte e raffinatissimi oggetti d’arredo il destino è l’immissione nel mercato antiquario e la dispersione ai quattro angoli del pianeta. Le sorti delle collezioni Borghese si intrecciano alla storia della famiglia, nel solco di una tradizione di mecenatismo illuminato, sullo sfondo dei radicali mutamenti che segnano il tramonto di un ordine secolare e la nascita dell’Italia unita.

La presenza in Italia di oggetti bizantini provenienti da Costantinopoli e dalle altre regioni del Mediterraneo orientale, o prodotti nelle regioni italiane sottoposte alla dominazione bizantina, caratterizza tutto il periodo medievale e rimane significativa nei secoli successivi. Giunte attraverso le vie del commercio, della diplomazia, dei bottini di guerra, dei furta sacra e, in seguito, del collezionismo, queste opere hanno attraversato il tempo e lo spazio, finendo per trovare cittadinanza, di volta in volta, in contesti storici, geografici e culturali diversi da quelli per cui erano state create. Esse pongono l’osservatore e lo studioso di fronte a episodi di riuso, di manipolazione, di ricontestualizzazione e spesso di vera e propria risemantizzazione, ma a ben vedere sono proprio queste radicali trasformazioni ad aver consentito la loro sopravvivenza fino a noi. Si tratta di un patrimonio vasto e diffuso, che vede manufatti noti e meno noti convivere in molti casi all’interno degli stessi luoghi di conservazione, tanto nelle città più frequentate quanto nelle pievi più remote. I saggi contenuti in questo volume presentano alcuni casi studio esemplari, spaziando dall’area altoadriatica alla Sicilia e muovendosi tra tecniche e materiali diversi: dall’oreficeria alla scultura, dal mosaico all’intaglio in avorio. Opere – o frammenti di esse – che hanno viaggiato per sentieri spesso tortuosi e che oggi costituiscono un aspetto forse ancora poco esplorato della multiforme identità artistica della penisola.

Lo scorrere del tempo, il mutare del gusto, più banalmente le diverse esigenze residenziali legate al vivere quotidiano: tutto ciò ha influito profondamente sull’evoluzione dell’abitare, consegnandoci quasi sempre strutture architettoniche che soltanto apparentemente ci sembrano vicine al loro stato originale, ma che, a ben vedere, sono in realtà assai mutate. La distribuzione e l’organizzazione degli spazi, la gestione della luce naturale e artificiale, l’utilizzo delle risorse idriche, la natura e la disposizione dell’arredo... sono soltanto alcune delle situazioni che, rispetto al XV secolo, oggi hanno subito più profondi cambiamenti. Ma la casa è ben altro che un semplice spazio in cui trascorrere, nel modo più confortevole e razionale possibile, la nostra vita. La casa è veramente “spechio del spirito”, come scrisse un Signore di Partistagno in un registro contabile del primo Quattrocento. È quel luogo ‘materiale’ dove il nostro ‘immateriale’ trova forma, espressione, vita. Il volume ha seguito un percorso di ricerca difficile ma affascinante, ricco di attrattiva per la ricostruzione di dimensioni perdute, ma soprattutto carico di valenze operative che trovano la loro realizzazione nel facilitare l’intelligibilità del costruito antico anche quando il tempo, l’uomo o la natura ce l’hanno definitivamente sottratto.

Questi atti di convegno offrono un innovativo riesame del ruolo dei Longobardi nell'Italia centrale. Contrariamente alla comune opinione che li ha sempre visti come eversori dell'ordine romano, gli studi più recenti dimostrano che spesso essi si insediarono nel territorio in stretto rapporto con le autorità dell'Impero a difesa della città di Ascoli. Anche se non mancarono episodi di conflitto, i nuovi arrivati stabilirono presto costruttive forme di collaborazione con le classi dirigenti locali. Si avviò così la fusione della loro cultura etnica con quella propria del paese. Attraverso vicende in parte ancora da chiarire prese forma quel Ducato longobardo di Spoleto, che realizzò l'unificazione istituzionale di un territorio molto articolato ed ebbe caratteristiche culturali assai originali, che lo distinguono significativamente anche dal Regno Longobardo dell'Italia settentrionale e che sono ampiamente illustrate nei saggi di questo volume.

A partire dal Settecento, Venezia divenne celebre per il suo ricco e fiorente mercato librario. In seguito alla caduta della Serenissima e alle soppressioni napoleoniche degli enti religiosi, le botteghe dei librai veneziani furono sommerse dai volumi provenienti dalle biblioteche private ed ecclesiastiche. La città lagunare si trasformò dunque in un contesto ideale per il collezionismo dei manoscritti miniati, sia integri che smembrati, un fenomeno al tempo diffuso in tutta Europa e parallelo alla riscoperta del valore dell’arte medievale. In questo contesto nacque la collezione di ritagli e fogli sciolti miniati del Museo Correr di Venezia che qui si presenta al pubblico per la prima volta, una tra le più rilevanti del panorama italiano ed europeo. Formata da oltre trecentosessanta opere, per la maggior parte asportate da preziosi libri corali databili tra il XIV e il XVI secolo e provenienti dalle raccolte d’arte dei veneziani Teodoro Correr ed Emmanuele Cicogna, tale collezione fu riscoperta nei primi anni duemila uscendo da un oblio durato per quasi un secolo. Questo volume intende proporsi pertanto come il primo catalogo della raccolta, offrendo ai lettori ampie schede, che raggruppano le miniature in nuclei omogenei per stile e provenienza, indagandole altresì dal punto di vista storico-artistico, testuale e liturgico. La catalogazione è introdotta da saggi di approfondimento che ricostruiscono e contestualizzano i momenti fondamentali per la storia della collezione, dalle origini legate alle figure di Correr e di Cicogna alle fasi successive di musealizzazione, fino al più recente interesse degli studiosi.

Nel corso della prima metà del Novecento l'Italia ha vissuto un alto momento culturale incentrato sulla "riscoperta" dell'arte etrusca. Il fenomeno vide operare, in straordinaria sintonia, artisti, critici, storici dell'arte antica, archeologi e scrittori, dando vita a una affinità senza eguali. Il volume si propone di rilevare il fascino e l'importanza del mondo etrusco come fu percepito dagli artisti operanti nei primi decenni del XX secolo, dipanando la giustificazione storica, culturale, finanche etica e generazionale, dimostrando infine, testi alla mano, quanto le opere di buona parte degli artisti (tra i più importanti) del Novecento siano da mettere in stretta relazione con le scoperte e le ricerche archeologiche del periodo.

Il volume raccoglie vari articoli di Claudio Salsi – con due contributi di Stefano Balbiani e di Beatrice Pizzi – dedicati alla celebre stampa nota come «Allegoria della vita umana» di Giorgio Ghisi e, in parte, all'incisione mantovana del Cinquecento. Si tratta di ricerche apparse in sedi diverse nel corso di un lungo arco di tempo, pubblicate prevalentemente come approfondimenti a margine di iniziative culturali promosse dalla Civica Raccolta delle Stampe "Achille Bertarelli", finalizzate alla conoscenza delle stampe di quel "secondo Rinascimento mantovano" rappresentato dall'impresa di Giulio Romano in Palazzo Te. Le ricche collezioni del Castello Sforzesco hanno notevolmente agevolato gli studi qui presentati, quali fonti privilegiate per indagini e confronti, come ben documentato anche dal selezionato apparato iconografico.

Il volume esplora le molteplici forme in cui si è espressa la ricezione di Leonardo da Vinci nel Novecento: l’età delle celebrazioni, delle manipolazioni, delle traduzioni e dei recuperi dell’artista del Rinascimento assunto a emblema dell’“uomo moderno”. Il ventesimo non è solo il secolo della Gioconda con i baffi di Marcel Duchamp: i saggi qui riuniti raccontano il Leonardo dei futuristi e quello di Walter Benjamin, il Leonardo “anatomico” riconosciuto da Luca Beltrami e quello reinventato nell’opera di Bruno Munari. Se ne ripercorrono, fino ai giorni nostri, fortuna e sfortuna critica, l’impatto nell’ambito della fotografia, del cinema e delle arti contemporanee, le manipolazioni del web, le derive dell’incultura, ma si ricordano anche i pionieristici interventi di restauro e recupero di primo Novecento e del secondo dopoguerra fino al fenomeno della diffusione dei motivi leonardeschi nella grafica e nell’editoria. E ancora, si sonda l’origine di quel mito del “genio italiano”, consolidatosi con il fascismo e riferito non solo all’innovazione nel campo delle arti, ma anche dell’architettura, dell’ingegneria, della tecnica e della scienza, come testimoniato dalla Mostra di Leonardo da Vinci e delle invenzioni italiane svoltasi a Milano nel 1939. Ri-leggere, ri-vedere, ri-scrivere Leonardo: le prospettive interdisciplinari qui proposte intendono anche raccontare un’epoca a confronto con il problema dell’eredità di un mito e con il parallelo, incessante e non ancora esaurito bisogno di ritrovare l’uomo-artista, di “vederlo e comprenderlo nella storia”.

In Val di Sella, nel comune di Borgo Valsugana, in provincia di Trento, è nata nel 1986 Arte Sella, un’iniziativa volta a promuovere l’arte contemporanea nel contesto naturale. Lungo i sentieri, tra i boschi si incontrano opere d’arte che condividono il tempo della natura e i suoi processi trasformativi. Molte opere nel tempo sono ritornate alle origini e ne rimane solo la documentazione fotografica. Tuttavia il lavoro di ciascuno degli artisti che ha partecipato al progetto ha contribuito a rafforzarlo e a rendere reale la possibilità di agire delicatamente sulla natura e sempre a suo favore. Negli anni Arte Sella si è dimostrata occasione di importanti interventi artistici e grazie alla sua presenza la valle ha assunto una connotazione particolare: accanto alle bellezze del luogo, l’incontro con le opere offre ai visitatori sensazioni ed emozioni ineguagliabili. Più di 300 artisti, architetti e designer, provenienti da diverse nazioni, hanno collaborato: Nils-Udo, Giuliano Mauri, Patrick T. Dougherty, Chris Drury, Alan Sonfist, Luc Schuiten, Michelangelo Pistoletto, Arne Quinze, Edoardo Tresoldi, Henrique Oliveira, Krištof Kintera, Arcangelo Sassolino, Stefano Boeri, Michele De Lucchi, Kengo Kuma, Eduardo Souto de Moura e molti altri ricordati in questo volume.

Il gusto per i soffitti lignei dipinti costituisce un fenomeno che interessò soprattutto l’Europa meridionale dal Medioevo centrale al Rinascimento, rappresentando – pur se declinato secondo modalità strutturali ed esornative differenti – un elemento caratteristico e unificante. Anche se tali manufatti sono depositari di molteplici informazioni sulla cultura del tempo e costituiscono spesso l’unica cifra capace di tramandarci il decoro degli interni, solo recentemente sono divenuti oggetto di un sempre crescente interesse. Inserito nell’ambito di un percorso di ricerca in seno al Dipartimento di Studi umanistici e del patrimonio culturale (DIUM) dell’Università di Udine, il convegno ha riunito studiosi provenienti da Croazia, Francia, Germania, Italia, Portogallo, Spagna, Svizzera e, oltre ad affrontare aspetti strettamente scientifici, ha voluto stimolare l’interesse per questa espressione artistica in parte ancora a rischio di dispersione e di distruzione, tuttora poco nota a un pubblico non specialistico e soltanto parzialmente valorizzata. Testi in lingua originale.