5 Continents Editions

Gli appassionati d'arte conoscono bene le opere dei diversi gruppi di popolazioni che è diventata consuetudine chiamare "Guro" e che si trovano al centro della Costa d'Avorio. Situati in prossimità dei Wan, dei Baule, degli Yaure e dei Bete, questi gruppi hanno intrattenuto numerosi contatti con i vicini e le reciproche influenze si percepiscono nelle diverse creazioni plastiche. Le maschere, in particolare, hanno un'importanza che va molto oltre quella che hanno acquisito sul mercato dell'arte. Se la colonizzazione francese ha ampiamente contribuito a indebolire il prestigio degli uomini il cui potere consisteva nelle pratiche di guerra e di caccia, la conservazione dei riti complessi che implicano l'uso di maschere ha permesso alla classe maschile di preservare una forma di controllo politico e religioso. Diversificando le categorie di maschere tra quelle che ricevono sacrifici sanguinosi in onore di entità spirituali da una parte e quelle, all'insegna del divertimento, che si utilizzano in occasione di funerali, manifestazioni di propaganda politica e feste turistiche dall'altra, i Guro hanno reinventato, rivitalizzato e riadattato riti perfettamente integrati in una società contemporanea in mutazione permanente.

Il Vaso blu è un "piccolo" capolavoro conservato tra i tanti tesori del Museo Nazionale Archeologico di Napoli. Scoperto nel 1837 a Pompei in una nicchia della piccola tomba a camera prospiciente la Villa delle Colonne a mosaico, ha solo due colori: il cupo cobalto di fondo sul quale l'incisione dello strato vetroso bianco sovrapposto - realizzata proprio come se si fosse trattato di scalfire gli strati di agata o di conchiglia per ottenere un cammeo - disegna fitti tralci di vite sotto i quali dei bambini vendemmiano grappoli. Le azioni e i gesti dei protagonisti sono quelli consueti di una vendemmia, l'importante momento della vita dei campi raffigurato più volte nel corso dei secoli dagli antichi artigiani sulla ceramica, in affreschi, in mosaici o nel marmo. Ma se nella maggior parte delle rappresentazioni di vendemmia è presente il senso della fatica, qui c'è invece un'atmosfera giocosa, i piccoli personaggi sembrano divertirsi nel suonare i vari strumenti e sembrano muoversi con leggeri passi di danza. Oltre ad essi e, ovviamente, ai tralci di vite, ecco maschere su foglie d'acanto, rami di quercia, ghirlande d'edera, uccelli, spighe di grano, capsule di papaveri, mele cotogne, rami di alloro, melograni e tanti altri frutti dell'estate e dell'autunno, contrapposti e mescolati nell'evocazione di una natura feconda e generosa. La scelta delle essenze vegetali non è casuale: ognuna di esse è carica di significati religiosi e simbolici.

Questo volume costituisce un punto di accesso essenziale all'opera e alla pratica artistica di Robert Mapplethorpe. Robert Mapplethorpe ha lasciato un'eredità ricca e complessa: ha suscitato polemiche, polarizzato i critici e ispirato numerosi artisti che oggi proseguono le piste aperte da questo fotografo fuori del comune. Mosso da un profondo desiderio di celebrità, Mapplethorpe è stato un vero autodidatta, ha imparato tutto da solo: dalla storia dell'arte a come gestire uno studio e mantenere vivo l'interesse del pubblico. Al contempo ha saputo elaborare una visione molto personale, basata su una perfetta conoscenza della tecnica fotografica e su un'estetica dalla grazia classica. Quest'artista, uno dei più influenti e controversi del suo tempo, è tuttora di esempio per i giovani fotografi desiderosi di sondare i limiti della loro arte e di giocare sulle diverse concezioni della bellezza. La pubblicazione arriva in un momento in cui è in corso una rivalutazione del suo lavoro. Attingendo alla straordinaria collezione di quasi 2000 opere pubblicate, oggetti realizzati con tecniche miste e polaroid - collezione acquisita congiuntamente nel 2011 dalla Robert Mapplethorpe Foundation dal J. Paul Getty Museum e dal Los Angeles County Museum of Art -, ma anche agli archivi Robert Mapplethorpe conservati presso il Getty Research Institute, gli autori e i collaboratori di questo volume hanno potuto esplorare materiali e documenti nuovi e presentare prospettive inedite sull'artista.

Questo volume presenta vari stili di "tavole votive" tipiche delle numerose etnie delle regioni del Golfo di Papuasia. Esse sono state scelte tra le collezioni pubbliche o private più interessanti del mondo intero e illustrate con fotografie a colori a tutta pagina.

Architecture, seconda edizione delle Biennales de l’Art Brut, presenta esclusivamente opere appartenenti alla Collection de l’Art Brut di Losanna riunite da una tematica comune. La mostra e il suo catalogo rivelano al pubblico creazioni inedite, prodotte da autori a volte sconosciuti, offrendo al contempo un nuovo punto di vista su opere storiche. Dalla realtà all’utopia, gli autori di Art Brut concepiscono architetture in risonanza con la quotidianità o i ricordi, riorganizzando lo spazio che li circonda secondo le proprie regole e necessità. L’immaginazione e l’inventiva li portano verso terre lontane e inesplorate. Tuttavia, la visione dell’architettura che viene proposta dai creatori di Art Brut assume qui una nuova dimensione, sfuggendo totalmente alle considerazioni collegate alla sua pratica. Per la mostra sono state selezionate più di 250 opere di 52 creatori di origini diverse, europee, nordamericane o asiatiche. Sono tutti presentati in questo volume da illustrazioni a colori, una biografia e una bibliografia. Al centro di questo concetto, l’insieme testimonia una grande diversità di forme e di tecniche, come la pittura, il disegno, la scultura o il ricamo. Erede di circa 5.000 opere rare riunite da Jean Dubuffet tra il 1945 e il 1971, la Collection de l’Art Brut conserva oggi più di 60.000 opere, frutto delle ricerche condotte da più di quarant’anni. Architecture è il secondo volume della serie pubblicata da 5 Continents in coedizione con la Collection de l’Art Brut di Losanna, dopo Vehicles uscito nel 2014.