5 Continents Editions

Questo terzo volume della collana Art Brut- The Collection che accompagna le Biennali dell'Art Brut, è dedicato al corpo e propone opere poco conosciute delle collezioni del museo di Losanna.

«Diario mitico» è la storia di un viaggio visivo a contatto con la scultura classica del Museo Archeologico di Napoli. È un confronto fisico con i corpi marmorei del Mito. Attraverso il bianconero Luigi Spina scompone le membra delle sculture, ne enfatizza le forme, l'erotismo celato, le umanizza per restituire un dialogo con l'osservatore. Una scultura è il segno di una bellezza eterna, immutabile. L'unica testimonianza, vera, di tante vite che si sono consumate ed estinte lasciando una traccia profonda nella storia di tante altre esistenze. Un seme del Classico per le generazioni future. Per Spina, nel procedere quotidiano con la propria visione della scultura, una statua di Afrodite è non solo l'idea, stereotipata, del Mito. In essa si raccolgono le ansie, i sogni, le speranze, le gioie di tutte quelle persone che l'hanno guardata, sognata, studiata. In qualche modo il segno profondo della scultura classica è nelle nostre vene, nel nostro respiro. Il progetto si sviluppa come un diario che idealmente è diviso in 15 giorni. Ma è solo un dato effimero, una convenzione. Tutta la ricerca si è svolta attraverso giorni, mesi, anni. A contatto di quello spazio circoscritto, fatto di tante vite e storie, che è un Museo. Spina, con «Diario mitico», si pone l'obiettivo di far interagire la Scultura Classica con il desiderio dello spettatore di essere esso stesso parte di questo mondo antico che condiziona, da sempre, il nostro stile di vita, la Cultura e la Società, dimostrando di essere contemporaneo ad ogni epoca.

Il pittore canadese Jean-Paul Riopelle (1923-2002) e la pittrice americana Joan Mitchell (1925-1992) appartengono come Auguste Rodin e Camille Claudel, Man Ray e Lee Miller, Diego Rivera e Frida Kahlo, Jackson Pollock e Lee Krasner, a quella costellazione di mitologie sentimentali e artistiche, feconde e tumultuose, sempre in bilico fra rispetto e odio, emulazione e gelosia, solitudine e fusione. Questo ricco catalogo diventa così un'opera di riferimento e fa una sintesi del sodalizio creativo che unì i due artisti per venticinque anni. Redatto da esperti del periodo e della loro opera, il volume mette in luce i legami formali, estetici e biografici che nutrirono ogni loro spunto creativo e fornisce ai lettori uno strumento di approfondimento su due grandi corpus artistici della seconda metà del XX secolo. Prima opera incentrata sul loro rapporto, a partire dall'incontro avvenuto nel 1955 fino alla separazione nel 1979, il volume riunisce una sessantina di opere magistrali, perlopiù quadri di grande formato, alcuni lavori su carta e documenti di archivio, e illustra come questi due artisti che hanno condiviso quasi venticinque anni di vita, prima a Parigi poi a Vétheuil (nella valle della Senna), abbiano affinato una pratica d'atelier e realizzato un'opera dalla cifra distintiva, instaurando al contempo un ricco dialogo intorno all'astrattismo. La loro vicinanza all'eredità impressionista, alla natura e il loro gusto per la provocazione li hanno sicuramente avvicinati, così come un'idea di pittura e metodi di lavoro comuni che si sono affermati come profondamente identitari, strettamente legati al loro rapporto sentimentale e al loro rapporto con l'ambiente in cui vivevano. Grazie a confronti e risonanze fra opere dai temi comuni o dai motivi e fonti d'ispirazione propri a ognuno (in particolare la musica, la poesia e la campagna intorno a Vétheuil per Mitchell, l'esplorazione di diverse tecniche fra cui l'incisione e la scultura per Riopelle), ecco uno splendido ritratto di due grandi figure dell'astrattismo internazionale.

Graines è un viaggio quasi intimo nella sconcertante bellezza della natura. Paul Starosta, affermato fotografo francese che indaga e svela il lato artistico della natura e che proprio per questo rifugge la definizione di "fotografo di natura", ci porta attraverso le 230 fotografie riprodotte in questo volume a scoprire la complessità e la bellezza che si celano anche nel più piccolo dei semi. Le forme e i colori che ci compaiono davanti sono tantissime, i dettagli infiniti. Alcuni semi sembrano già dei fiori, altri delle pietre o delle sculture, qualcuno un gioiello creato da un raffinato orafo. Le luci e le ombre delle immagini esaltano il lato artistico, quasi magico, di questi piccoli capolavori che racchiudono in sé il segreto della vita. La biodiversità è tutta lì, in qualcosa di piccolissimo e infinitamente grande. E se ognuno di essi ci rimanda ad altro, impossibile non cogliere delle affinità con le linee e figure che ritroviamo nel mondo dell'arte e dell'architettura. Perché l'uomo è natura e a essa si è sempre ispirato, seppur talvolta indirettamente se non addirittura negandolo, attingendo alle sue forme curiose e audaci.

Re-envisioning Japan è un libro veramente esauriente sui tessuti artistici giapponesi del periodo Meiji (1868-1912), conosciuti come bijutsu sensh?ku. Sontuosamente illustrato con sensazionali esemplari provenienti da Giappone, Europa e Nord America, il libro presenta tessuti che rivelano lo straordinario talento degli artisti e artigiani Meiji, la cui produzione si stava orientando verso i mercati internazionali. Il Giappone si apriva infatti proprio in quegli anni al mondo esterno, dopo secoli di isolamento quasi totale. Partendo dalle tecniche tradizionali della tessitura giapponese, risalenti ai secoli precedenti, i creatori di questi tessuti cercarono di modernizzarne la produzione, aprendola agli influssi stilistici occidentali per aumentare le esportazioni e con esse il prestigio del loro paese nel mondo. A tale proposito il volume documenta per la prima volta le reazioni del pubblico dell'epoca, in patria e all'estero, a questa importante svolta. Accanto alle bellissime immagini, testi di studiosi ed esperti del settore svelano al lettore un mondo e una storia ancora poco conosciuti.

Il fotografo ceco Josef Sudek (1896-1976) è famoso soprattutto per le sue immagini di Praga. Avendo lavorato inizialmente come rilegatore, si è dedicato alla fotografia dopo l'esperienza acquisita in questo campo durante la Prima Guerra mondiale, da cui è tornato con un braccio amputato. Il volume analizza il modo in cui l'artista rispecchia nelle sue immagini il mondo intorno a lui, che si tratti di oggetti cari che esplora intimamente, delle vedute dalla sua finestra, delle vie di Praga percorse durante lunghe deambulazioni notturne, dei dintorni della città o della campagna circostante. Questo volume, che riunisce cinque saggi, nonché le testimonianze di due suoi ex assistenti ed è arricchito da 150 tavole e decine di illustrazioni, propone un panorama affascinante dell'opera fotografica di Sudek, ma anche del lavoro dei suoi amici e colleghi fotografi. Affascinato dalla luce e dalla sua assenza, Joseph Sudek ha creato immagini di paesaggi, di monumenti, di vie e di oggetti, trasformati da una comprensione intima della capacità della luce di rivelare e di quella dell'oscurità di rendere impenetrabile, che sono tra le più seducenti del XX secolo. Del tutto cosciente del ruolo della qualità della stampa nel potenziale espressivo dell'immagine, ha saputo esplorare al meglio il potere evocativo del procedimento al carbone o quello, più riflessivo e descrittivo, della gelatina ai sali d'argento.

Questo volume presenta vari stili di "tavole votive" tipiche delle numerose etnie delle regioni del Golfo di Papuasia. Esse sono state scelte tra le collezioni pubbliche o private più interessanti del mondo intero e illustrate con fotografie a colori a tutta pagina.