Arcana

Se "Troia", "Pompa" e "Arrapaho" non vi scandalizzano ma vi fanno sorridere, siete nel posto giusto

"Più che un'autobiografia, L'Elliade è un'appassionata dichiarazione d'amore a uno strumento musicale, il diario confidenzialm

Bob Dylan è un artista inafferrabile che si è trasformato tante volte, sorprendendo spesso fan e giornalisti

Quanti avrebbero voluto dialogare con Franco Battiato, magari seduti su un divano della sua villa, sui temi metafisici e spiri

Sheroes è un viaggio nella musica rock attraverso le sue eroine, quelle che non hanno solo cantato: hanno aperto varchi, scard

Un viaggio nella memoria di una generazione che ha trovato nella musica rock la propria voce, la propria libertà e il proprio

La voce non si costruisce

Per alcuni, la breve stagione del grunge portò alla più grande rivoluzione musicale e discografica degli anni Novanta, per altri fu una semplice, seppur ispirata, rivisitazione del rock degli anni Settanta, per altri ancora è stato il compimento finale verso il mainstream di un percorso iniziato da piccole etichette e band indipendenti lungo tutti gli anni Ottanta. Probabilmente, il grunge è stato tutte queste cose messe insieme. Di certo, non sarebbe mai esistito senza la città di Seattle. Smell of Grunge è un viaggio appassionato e documentato tra i dischi (da quelli imprescindibili a quelli dimenticati) della scena musicale della Città di Smeraldo. Dall’iconico Nevermind dei Nirvana, al fragore ruvido dei Mudhoney, dalle atmosfere cupe degli Alice in Chains all’introspezione lirica dei Soundgarden. Da chi ha preconizzato il Seattle Sound come Skin Yard, Melvins e Green River all’operato visionario dell’etichetta discografica Sub Pop Records, che più di tutte ha creduto in quelle band. Questo libro, oltre a recensire e analizzare i dischi che hanno definito l’estetica degli anni Novanta, si spinge più in profondità, offrendo spunti dettagliati sul Contesto socioculturale in cui il grunge è nato e proliferato, per comprendere la rabbia e la poesia che si nascondeva tra quei riff di chitarra distorti e saturi, tra quelle voci straziate che urlavano il disagio di una generazione.

Quello del film concerto è un fenomeno che ha avuto la massima espressione nell’epoca d’oro della musica rock, vale a dire per una decina d’anni a partire dalla metà dei Sessanta. Questo non stabilisce certo confini di popolarità: prima e dopo, la musica giovanile è stata altrettanto influente ma, se prima era considerata un fenomeno effimero e passeggero, attorno al 1977 subì uno scossone che la costrinse a rigenerarsi con un fermento che puntava a trovare suoni e veicoli promozionali innovativi e rivoluzionari. Il cinema non ha mai smesso di interessarsene e, tra alti e bassi, ha spesso portato sullo schermo le gesta dei maggiori rappresentanti della musica con produzioni, talvolta affidate a registi prestigiosi, destinate a diventare cult movie immortali. Rockumentary esamina venti film, scelti per fare una cronaca attendibile e sensata sul cineconcerto, che si concentra in particolare nel periodo sopra citato ma si arricchisce di un paio di titoli anni Quaranta e Cinquanta, da considerare come gli antesignani del genere, oltre che di alcuni realizzati negli anni più recenti, passando per Woodstock, Pink Floyd a Pompei, L’ultimo valzer (The Band e Martin Scorsese), Stop Making Sense (Talking Heads e Jonathan Demme) e Rattle and Hum (U2 e Phil Joanou

Viaggiando tra canzoni e poesie, romanzi e film, è possibile specchiarsi in stati d’animo universali in cui riconoscersi. Il libro racconta attraverso le parole di un padre rivolte alla figlia adolescente la centralità della musica e della letteratura nella crescita e nella formazione. Di questo percorso musical-letterario sono protagonisti illustri testimoni: poeti, cantautori, personaggi letterari, artisti, compagni di viaggio che con le loro opere sono riusciti a dare forma e sostanza a quella magica alchimia secondo cui l’arte e la vita, talora, si intrecciano e sovrappongono. Dal dottor Pereira di Antonio Tabucchi al professor Martin di Stefano Benni, da Anna e Marco di Lucio Dalla alle Lettere d’amore di Roberto Vecchioni, dalle città che non si vedono di Italo Calvino alle Anime salve di Fabrizio De André, poeti e cantautori intersecano le loro armonie, tracciando con la forza dell’ispirazione frammenti delle nostre esistenze da condividere insieme, per non temere e non temerci.

In un momento storico in cui si riscoprono le poete, le artiste, le autrici dimenticate, Iconiche dà voce alle cantautrici contemporanee. Una raccolta collettiva di oltre 100 testi che compongono il primo canzoniere italiano interamente dedicato a chi scrive e canta da una prospettiva femminile. Un gesto semplice e insieme rivoluzionario: riunire in un unico volume parole, visioni, poetiche di chi spesso viene ignorata o raccontata solo per la propria immagine o vita privata. Le cantautrici ci parlano di sessismo, lavoro, corpo, rabbia, amore, ingiustizia, desiderio e libertà. Lo fanno con linguaggi diversi, in generi diversi, da città diverse. Lo fanno con forza, ironia, cura e complessità. In un tempo in cui la musica viaggia veloce, liquida, spesso ridotta a sottofondo, questo libro ci invita a fermarci, leggere, ascoltare.

Chi non ha sognato con Fred Astaire e Ginger Rogers? Oppure con Gene Kelly e Cyd Charisse? Chi non si è divertito con John Belushi e Dan Aykroyd? E, più recentemente, quanti spettatori hanno amato perdutamente “La La Land” o “Emilia Pérez”? Sono tante le scene che sono rimaste nella nostra memoria e tantissime musiche e canzoni che amiamo sono state scritte per dei musical. Ma cos’è il musical? È quel genere di spettacolo, teatrale o cinematografico, in cui allo spettatore viene chiesto di abbandonarsi alla magia di dialoghi, musica, canzoni e danze esercitando la “sospensione dell’incredulità”, per tuffarsi in un Altrove magnifico e inesplorato. Il musical nasce e si sviluppa principalmente negli Usa, ma, in realtà, è un genere presente in tante cinematografie, basti pensare alle tante produzioni europee e asiatiche. Questo libro vuole essere una guida, unica in Italia, dei film musical prodotti in vari paesi del mondo dalla nascita del cinema sonoro a oggi. Per tanti lettori sarà un viaggio pieno di sorprese e opere geniali da scoprire, perché come cantano in “Spettacolo di varietà”: “Il mondo è un palcoscenico e il palcoscenico è un mondo”. Ed è proprio per questo che il musical non morirà mai, perché nella vita e sulla scena gli esseri umani vogliono le stesse cose: amare e sognare. Prefazione di Emanuele Rauco.