Manfredi Edizioni

"Arte, Città e Territorio" è un progetto realizzato dalla Scuola di Decorazione dell'Accademia di Belle Arti di Brera con l'obiettivo di sollecitare il confronto su una questione secolare e ancora straordinariamente attuale, ossia la ridefinizione di un senso del fare dell'arte negli spazi altri delle zone urbane e dell'ambiente naturale. Le condizioni mutevoli del paesaggio urbano con la presenza di aree marginali sia periferiche sia centrali e la presenza di un paesaggio naturale reso sempre più precario dallo sfruttamento dell'uomo, rappresentano gli estremi all'interno dei quali è possibile una rinnovata modalità d'intervento da parte degli artisti. Alle due giornate di studio che hanno visto la partecipazione e il coinvolgimento diretto degli studenti, ha fatto seguito una fase di riflessione e di produzione con ulteriori ricerche e arricchimenti. Il volume raccoglie le immagini dell'arte e i contributi di coloro che hanno condiviso l'approfondimento di alcuni dei più significativi aspetti connessi a questo rapporto.

Ogni intervento artistico, interagisce fortemente con l’ambiente medesimo che lo ospita, divenendo quest’ultimo parte integrante della stessa opera. Al visitatore si riserva una partecipazione coinvolgente, perché a differenza delle opere esposte entro le bianche stanze di un museo, per lo più asettiche, l’arte nello spazio pubblico ha un carattere dinamico, la si “percorre” spesso per comprenderla e genera impressioni diverse: secondo l’inclinazione della luce, la direzione di visuale, il modificarsi della vegetazione nelle stagioni. L’arte ambientata certamente non nasce “in situ”; lo spazio circostante crea una ambientazione che migliora la percezione dell’opera esposta. Le forme scultoree di grandi dimensioni, realizzate sia dai più noti artisti, che da quelli meno conosciuti, hanno sempre generato una necessaria relazione con lo spazio specifico, tendendo a misurarsi con il profilo degli ambienti prescelti, rimodellando la complessiva spazialità. Le opere negli spazi urbani, si pongono come particolari segni incisivi che creano equilibri di forze; tutto questo dunque è inteso come una continua, rinnovata e pur sempre affascinante rilettura dello spazio pubblico.

Tutto cominciò a Berlino nel 1948, dove mio padre si era recato subito dopo le riprese di 'Germania anno zero' che Roberto Rossellini girò nella capitale tedesca ancora fumante nelle sue rovine ed entrò in possesso di una prestigiosa fotocamera Contax Zeiss-Ikon che lo accompagnò per più di cinque anni in una avventurosa scoperta della fotografia: ne risultò un archivio di immagini studiate tra quelle di cronaca italiana e familiare, dei suoi amici e compagni militanti e dirigenti del PCI, e di tutti gli altri intellettuali, artisti e scrittori che avevano fino a quel momento condiviso i passaggi traumatici della occupazione tedesca dell'Italia, della resistenza clandestina, del ritorno alla democrazia politica in un paese umiliato che si apriva con generosità ad una prospettiva di speranze e di illusioni.

Sempre più spesso si sente parlare di “Mondo dell’arte”: come fosse un pianeta diverso e lontano, un sistema con le proprie regole e i propri valori. La bellezza può attrarre istintivamente il nostro occhio e la nostra mente ma conoscerla veramente, in tutti i suoi aspetti, non è un’impresa semplice. Certamente può essere prezioso, però, prendere in prestito lo sguardo di chi questo mondo così particolare lo ha abitato per tutta la sua esistenza. Francesco Boni ci è praticamente nato, lo ha respirato fin da bambino e ci ha trovato poi una professione già dall’adolescenza. Ecco allora un’esperienza diretta, sul campo, con pochi eguali: come una chiave, in grado di aprire al lettore le porte più segrete e nascoste. Da lì escono piccoli affreschi di storie, aneddoti, pezzi di vita vera in grado di trasportarci dentro gli studi dei pittori che hanno fatto la storia, così come dietro le quinte di chi fa questo mestiere, ne comprende le difficoltà e il fascino.

"Il cammino è iniziato da un incontro cui è seguita la lettura appassionata; dai versi sono scaturite le immagini che hanno coperto infiniti fogli di carta, poi sono diventate oggetti in ceramica, in marmo, in legno e stoffa sempre carichi dell'incanto e delle nostalgie delle mille vite da vivere ancora. Per un mondo immaginato, per ricordi lontani, per dolori e dolcezze evocate da una parola. Borges è sempre presente in questo itinerario di ricerca, nei petali della rosa come nell'oro delle tigri, la Tolomeo attraversa gli incanti con la sapienza di chi sa di aver vissuto e con l'innocenza di chi scopre il mondo sensibile, le sue mani hanno l'abilità di tradurre nella materia quel che prima esisteva nell'aria o sulla carta; così nascono i “Bestiari”… uno, due, tanti e sempre differenti perché ogni volta Borges rivela e si rivela con un'emozione differente che l'artista coglie e traduce in un linguaggio assolutamente personale. Apparentemente facile, in verità criptico, frutto della sua grande cultura e della sua fame di conoscenza, della sua curiosità verso la vita che la rende un personaggio unico nel mondo dell'arte contemporanea."

"[...] I giovani talenti erano Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Renato Mambor, per citare quelli con cui ebbi maggiori rapporti di frequentazione, incontrandoli quasi tutte le sere al termine della mia faticosa giornata di giovane avvocato nella trattoria di Cesaretto e all'osteria dei Fratelli Menghi al Flaminio, e pure nelle lunghe passeggiate notturne che avevano come epicentro Via di Ripetta o Via Margutta. Essi rivoluzionarono indubbiamente il panorama dell'arte visiva dell'epoca, rifiutando la loro presunta filiazione alla Pop Art americana, che guardavano come ad un puro arricchimento culturale, perché preferivano in realtà ispirarsi all'unicità e alla secolarità della monumentale arte italiana, passando per il Futurismo e la Metafisica.[...]"

Le opere di Valdés, siano esse dipinti o sculture, sono percorse da una forza e una vitalità dirompenti, trasmesse dalla sapiente lavorazione che l’artista fa dei materiali più vari, alcuni persino assemblati e creati da lui stesso, fino a comunicare allo sguardo quasi una sensazione tattile. Noto al grande pubblico per i suoi ritratti femminili, l’artista trae spunto dai più celebri capolavori della storia dell’arte per reinterpretarli in maniera assolutamente attuale: il linguaggio visivo di indubbio impatto, l’attenzione alla materia e la predilezione per le opere in grande scala sono solo alcuni dei tratti caratteristici di Valdés, che rendono il suo stile immediatamente riconoscibile da parte dell’osservatore. [...]

«Pubblicato in occasione della mostra “When sound becomes form”, il volume raccoglie una selezione di documenti d’archivio dedicati alla storia dell’avanguardia sonora in Italia, dalla metà degli anni Cinquanta al Duemila. Un viaggio nel pianeta sonoro che abbraccia una varietà di materiali: Lp, vinili, locandine e cd originali, fotografie d’archivio e video che ritraggono gli artisti durante le mostre e le perfomance, riviste e cataloghi che hanno contribuito alla storia e alla definizione della sound art. Il suono esce così dal pentagramma liberandosi da regole e codici e inizia ad essere indagato non più come nota o sequenza armonica ma come pura percezione della vibrazione di un corpo in oscillazione. Le tecnologie elettroniche danno impulso alla nascita di linguaggi artistici innovativi permettendo la manipolazione sonora e l’amplificazione dello spazio stesso dell’invenzione creativa. All'interno del volume si è cercato di dare voce ai protagonisti di questa storia con un approccio cronologico e una suddivisione per decenni che consente di storicizzare e contestualizzare la selezione di opere presentate.»