Polistampa

Il volume racchiude le lettere che il Marchese Roberto Ridolfi (Firenze, 1899-1991) scambiò con due studiosi inglesi, Cecil Roth e Cecil Grayson. La dimensione internazionale dell’opera di Ridolfi, spesso poco considerata dalla storiografia, è stata invece talmente rilevante da valergli la prestigiosa laurea oxoniense. Il riconoscimento gli venne conferito nel giugno del 1961 e i mediatori di questo successo furono proprio i “due Cecil”. Entrambi professori a Oxford, strinsero col Marchese rapporti profondi: il primo - ebraista poi, ma storico del Rinascimento in giovane età - gli fu amico tutta la vita, compagno di studi e collaboratore di lunga data; il secondo invece, italianista allievo di Carlo Dionisotti, fu il traduttore della sua opera per il pubblico inglese.

La prima monografia dedicata a uno dei maggiori protagonisti della storia della fotografia a Roma ne analizza dettagliatamente l’opera nei suoi caratteri formali, tematici e tecnici, offrendo il catalogo ragionato di tutte le riprese fino ad oggi note. Francesco Adriano De Bonis (1820-1884) nasce a Firenze, dove studia all’Accademia di Belle Arti. Risulta attivo come fotografo a Roma già dai primi anni Cinquanta e come professionista continuativamente a partire dal 1865 circa. Sensibile non soltanto all’architettura monumentale antica o moderna, ma anche alla componente paesana del paesaggio urbano, si ispira all’ordine classico ma anche al pittoresco, pur evitandone l’accezione romantica. La veduta non è per lui momento estetizzante e immagine fissa: egli è consapevole che per capire e anche per raffigurare fotograficamente l’architettura occorre tenere presente che essa ha un esterno e un interno, e soprattutto deve essere percorsa. Anche la ricorrente veduta di scorcio non è dettata da gusto per sfuggire all’arresto della visione, bensì momento per rapportare calcolatamente il primo piano alla successione di piani o di elementi in successione fino allo sfondo.

Il catalogo della mostra allestita nella Cattedrale di Pescia (Pistoia), dal 6 maggio al 30 luglio 2023, è incentrato sulla grande pala d’altare realizzata da Raffaello tra il 1506 e il 1508 su commissione della famiglia Dei. A lungo custodita nelle Gallerie degli Uffizi, l’opera è tornata alla sua collocazione originale in occasione dell’evento espositivo. “La vicenda dell’opera”, scrive Eike Schmidt, “è esemplare per comprendere come si sono costituite le grandi collezioni di età barocca e testimonia inoltre il culto universale di Raffaello iniziato nella sua breve vita e mai venuto meno”. Testi di Eike Schmidt, Roberto Filippini, Lorenzo Zogheri, Oreste Giurlani, Antonella Ranaldi, Emanuela Daffra, Anna Bisceglia, Jennifer Celani, Emanuele Barletti, Francesco Gaddini, Paolo Vitali, Costantino Ceccanti, Silvia Benassai, Sandra Rossi, Marco Ciatti, Ciro Castelli, Luciano Ricciardi, Andrea Santacesaria, Roberto Bellucci, Cecilia Frosinini, Luigi Colombini, Maddalena Lazzareschi Lucia Ricciarelli, Antonella Galli, Stefano Maurri, Simone Fagioli, Luciano Pallini.

È il catalogo della retrospettiva dedicata a Pietro Guccione (Scicli, 1935 - Quartarella, 2018) allestita al Palazzo Comunale di Pontassieve dal 6 maggio al 16 luglio 2023. “Piero Guccione è talento noto e riconosciuto”, scrive Eugenio Giani, “e per lui valgono di sicuro le parole che gli riservava un altro grande siciliano come Leonardo Sciascia: ‘Un quadro di Guccione dà il senso dell’amore, della poesia: l’occhio vi si posa e vi indugia come su qualcosa di raro, di ricreante, che ancora ci fa sentire valida, autentica, l’equazione bellezza-verità’… Succede con i d’après, così come si chiamano le interpretazioni dell’opera di un artista da parte di un altro, che questa mostra ci propone… Pontassieve sarà porta di ingresso, per molti, all’opera di Piero Guccione pittore – e mi verrebbe anche da dire, poeta – del mare, della luce, del mistero”.

Nella Venezia del secondo Seicento il calafato Francesco Santurini quondam Stefano e il “marangone” Francesco Santurini quondam Antonio si divisero tra Arsenale e teatro. Il primo, dopo essersi distinto come ingegnere e macchinista dei maggiori palcoscenici musicali della città, ottenne fama europea in qualità di architetto-scenografo alla corte dei Wittelsbach a Monaco. Il secondo, maestranza tuttofare avviata all’arte scenica, fondò quel teatro di Sant’Angelo che sarebbe diventato, nel secolo seguente, la sala di riferimento di Antonio Vivaldi e Carlo Goldoni. Sulla base di documenti di prima mano, il volume fa luce su un aspetto originale, finora sottovalutato dalla storiografia: il rapporto di unicità tra la civiltà del mare e la civiltà del teatro nella Serenissima Repubblica. In questo binomio fortunato si inserisce la vicenda dei due “gemelli” veneziani, intrecciata con la storia dello spettacolo italiano ed europeo d’età barocca, tra cicli di festeggiamenti principeschi e varo di bucintori dogali, tra pratiche di palcoscenico e imprese d’opera costantemente sull’orlo della bancarotta.

Gli acquarelli di Andrea Ponsi raccolti in questo suggestivo carnet de voyage attraverso la Toscana sono allo stesso tempo tradizionali e innovativi. Tradizionali perché ispirati alla rappresentazione del paesaggio che ha avuto il suo apice nel “vedutismo” del XVIII e XIX secolo; innovativi in quanto l’atmosfera delle immagini, accompagnate dalle accurate descrizioni dell’autore, è permeata di uno spirito di astrazione di carattere assolutamente moderno.

La superficie accompagna integralmente la nostra percezione della realtà: tutto ciò che gli occhi e la mente possono vedere è fatto di superfici, la loro interiorità è evasiva e nel momento stesso in cui diventa evidente – per uno scavo o un approfondimento – si trasforma immediatamente in una nuova superficie contro cui la visione sbatte e deve fare i conti. È un concetto incredibilmente ambiguo e sfuggente, su cui si sono concentrate le ricerche artistiche moderne che dalla fine dell’Ottocento, lungo il corso del Novecento, sono approdate al nuovo millennio. Il volume si propone come un inventario complesso e divagante, parzialmente enciclopedico, delle possibilità superficiali del nostro tempo. La trattazione, suddivisa in otto capitoli, accompagna il lettore dalla teoria alla letteratura, dalla filosofia alle indagini storico-artistiche di pittura, scultura/installazione e fotografia.

La storia vede il trascorrere del femminile, dalle divinità madri pagane alle figure protettrici o consolatorie delle sante cristiane, dai miti dell’incantesimo alle capacità trasformative. Il volume indaga il mondo della donna nel suo mutamento, e pur nella sua immutabile unicità, dalla prima scintilla evolutiva fino all’orizzonte contemporaneo. Questo inquadramento storico attualizzante è stato trattato da diciassette autori di cultura interdisciplinare, dall’antropologia alla psichiatria, passando per l’archeologia, le fonti mitologiche e storiche, la letteratura e le arti visive. La donna risulta dunque una figura poliedrica, non complementare ma assolutamente essenziale e compartecipe in modi diversi di un quotidiano, che nei suoi pericoli e nel suo divenire già dai tempi di Adamo e di Eva è sempre nostro. Contributi di Laura Amato, Vito Antonio Amodio, Barbara Arbeid, Paolo Berruti, Jennifer Celani, Massimo Centini, Alessio Chiaramonti, Franca Do, Luigi Donati, Margherita Giorgi, Fabio Martini, Marilena Mosco, Brenda Porster, Lucia Sarti, Ludovica Sebregondi, Cristina Tuci.

L’onda della riscoperta della figura di Aby Warburg (Amburgo 1866-1929), sulla scia del cosiddetto iconic turn, ha prodotto un numero considerevole di pubblicazioni e incontri di studio. Tuttavia, ancora marginale è la conoscenza di alcune qualità del-la sua opera, anche a causa della difficoltà di rendere accessibile al pubblico degli studiosi internazionali l’ampia parte inedita e frammentaria dei suoi lavori. L’originalità del contributo di War-burg agli studi di cultura visiva si misura infatti anche sulla base dell’invenzione di strumenti ermeneutici: dalla costruzione della Kulturwissenschaftliche Bibliothek Warburg – con il suo originale sistema di aggregazione di temi, e votata alla formulazione di quesiti di ricerca – alla creazione di un lessico che, ricco di “calchi” o prestiti da diversi ambiti disciplinari e scientifici, ancora oggi evidenzia il proprio valore d’uso nello studio delle immagini. L’Accademia "La Colombaria" di Firenze in collaborazione con il Kunsthistorisches Institut in Florenz–Max-Plank-Institut ha invitato il 26 marzo 2021 importanti studiosi warburghiani e giovani ricercatori a discutere termini o contesti delle scienze naturali parte del lessico dello studioso di Amburgo e vari casi di occorrenze, variazioni, sviluppo degli stessi.

Testi in italiano, tedesco, francese, inglese Il catalogo della mostra ospitata a Bordighera (Imperia) dal 9 aprile al 2 giugno 2023 raccoglie una selezione di dipinti dedicati al tema della luce. “Un’arte informalmente ‘postmoderna’”, scrive Giampaolo Trotta nel testo introduttivo, “frammentata eppure compatta e univoca, ‘mescolata’ alla ‘modernità’ e al ‘modernismo’, che ci fa idealmente tornare in mente certe opere architettoniche dell’americano Robert Venturi, ‘sature’ di storia, fonte d’ispirazione nel progetto contemporaneo, e che debbono, per l’architetto, essere sempre pregne di Complexity and Contradiction come condizione esistenziale della cultura contemporanea”.

Il catalogo della mostra allestita dal 2 al 28 aprile 2023 a Sesto Fiorentino (Firenze) riproduce una quarantina ritratti eseguiti dal pittore toscano nell’arco della sua lunga carriera. “Leggendo e analizzando il percorso di Mario Chellini”, scrive Marco Gamannossi, “nella sua lunga attività pluridecennale, ci immergiamo anzitutto in una testimonianza che – ancora oggi, anzi ancor di più oggi – dovrebbe far riflettere assai: l’arte e la produzione pittorica possono davvero sostanziare e colmare di senso un’intera esistenza. Peraltro vivendo questa dimensione lontano dai riflettori canonici, dalla ricerca estenuante di un effimero successo, utile soltanto ad imbellettare qualche pagina critica”. Testi di Lorenzo Falchi, Francesco Mariani, Marco Gamannossi, Carlo Chellini, Giovanna Chellini.

È il catalogo della mostra allestita dal 25 marzo al 28 maggio 2023 ad Ariccia (Roma), nell’elegante cornice di Palazzo Chigi. Sono riprodotte una quarantina di opere che Serpetti, artista figurativo nato a Roma nel 1975, ha realizzato a partire dagli anni Novanta. La selezione ripercorre le molteplici influenze dell’artista, fortemente legato ad una concezione scenografica della composizione, e profondamente ispirato dalla poetica del Simbolismo e del Surrealismo, dalla pittura preromantica visionaria, dai Maestri del Barocco e dai Preraffaelliti. Presentazione di Vittorio Sgarbi.