Silvana

Guido Daniele presenta in questo volume le sue più belle realizzazioni di pittura su mani, dedicate principalmente agli animali. È un gioco estremo fra l’iperrealismo dell’effetto finale e il trucco che sta dietro a queste creazioni: mani opportunamente posizionate e dipinte con un paziente e talentuoso lavoro di ore, frutto di una attenta osservazione del dato naturale. Una volta lavate le mani, le fotografie sono l’unica testimonianza dell’opera, ulteriore allusione al rapporto fra la realtà e la sua interpretazione, ma anche all’impermanenza della vita e delle specie animali in via di estinzione. Il messaggio sotteso a questo lavoro è infatti un incitamento al rispetto verso tutti gli animali, messaggio che Guido Daniele è riuscito a veicolare anche tramite le numerose campagne pubblicitarie internazionali che hanno diffuso le sue immagini di Handimals.

"Verso il boom. 1950-1962" conclude il ciclo di "Illustri persuasioni", il progetto espositivo a cui è stata affidata l’apertura al pubblico del Museo nazionale Collezione Salce. Dopo aver raccontato l’esuberante e sensuale stagione della Belle époque e il fertilissimo e innovativo periodo tra le due guerre mondiali, ora, in occasione del terzo e conclusivo evento, ci si addentra nei meandri più sorprendenti e meno noti della Collezione. Se ne propongono, infatti, le creazioni più recenti: quelle che, dal secondo dopoguerra fino al 1962 – anno estremo dell’attività collezionistica e della vita di Nando Salce – raccontano lo straordinario momento storico della ricostruzione e della ripresa produttiva, preludendo al boom economico e demografico degli anni successivi. Autori già maturi e specializzati da tempo nella grafica illustrata reiterano i fasti del cartellonismo delle origini – è il caso di Dudovich, Boccasile, Edel – o ne rinnovano radicalmente i modi – Carboni, Nizzoli – con una consapevolezza progettuale decisamente nuova. Giovani geni venuti dal nord – Huber, Noorda, Engelmann – intercettano a Milano i fermenti generativi del migliore design e della più emancipata cultura d’impresa. Ma nel generale innamoramento per l’America, spicca il caso tutto italiano di Armando Testa, a lungo capace di ineguagliati traguardi di sintesi ed efficacia comunicativa.

Giuseppe Mastromatteo (1970) raccoglie, in questa sua prima monografia editoriale, l’esito delle ricerche artistiche condotte in quindici anni di attività. I suoi scatti partono dalle persone - volti, corpi - ma si avvalgono della tecnologia creando effetti visivi che, alterando le fattezze dei soggetti ritratti, conducono in un mondo inatteso, offrendo complessi spunti di riflessione. Se nella serie Eyedentikit lo sguardo del fotografo si sovrappone a quello dei suoi modelli, azzerando la distanza tra l’autore e il suo soggetto in un coraggioso atto di fusione che pone interrogativi sul concetto di identità, in Indepensense assistiamo a uno sconfinamento tra sensi e superfici corporee, in una mescolanza di esseri umani dal sapore surreale che porta a meditare sulla comprensione e sull’accettazione della diversità. Il volume accoglie testi critici, una fotointervista raccolta da Benedetta Donato ed è completato da apparati biografici. Testi di: Benedetta Donato, Giovanni Pelloso, Barbara Silbe, Rankin, Walter Guadagnini, Denis Curti, Oliviero Toscani; fotointervista al fotografo raccolta da Benedetta Donato.

Nata nel 1983, la stilista italiana Francesca Liberatore dopo la laurea in Fashion Womenswear alla Central Saint Martins di Londra si sposta nelle maggiori maison di moda del mondo, Viktor & Rolf ad Amsterdam, Jean Paul Gaultier a Parigi e Brioni Donna in Italia, prima di lanciare il proprio marchio nel 2009. Questo volume racconta il percorso di una designer che ha creduto e continua a credere nel suo lavoro.

Il volume raccoglie un insieme di 110 fotografie scattate in Giappone da Marco Mazzi (Firenze, 1980), realizzate attraverso la tecnica della doppia esposizione in fase di scatto. L’indagine fotografica diventa una riflessione sulla metropoli contemporanea, che si risolve in una semiosi del paesaggio urbano, colto nella sua dimensione oggettiva, concreta, capace e disposta a modellare (soprattutto in senso ideologico e politico) la soggettività individuale. Il libro è anche un omaggio alle strategie di indagine artistica e sociale di Masao Adachi e Osamu Kanemura, fra i massimi esponenti del postmodernismo giapponese, e alla scrittura di Alessandro De Francesco.

Il pettine esiste da sempre. E da sempre, oltre a svolgere le sue evidenti funzioni di base, è stato «interpretato» anche come oggetto d'arte. Ecco il motivo per cui è plausibile narrare una «storia dei pettini»: manufatti connessi tra l'altro a usi e pratiche sia religiose sia secolari. La storia del pettine decorativo racconta come questo oggetto, tanto familiare da passare spesso inosservato, sia stato e continui a essere ben più di un semplice ornamento per i capelli. Il pettine si rivela di volta in volta quale segno di bellezza, nobiltà, valore, potere economico; nonché prodotto di maestria artigianale, gusto e creatività artistica. In America, così come in Europa. In Asia così come in Oceania o in Africa. Una «gioia» che annoda tra loro tutte le culture del mondo. Questo volume presenta più di mille ornamenti da testa provenienti dalla Collezione Antonini e del periodo che va dal XVI al XX secolo.

Il primo romanzo di Gabriele d’Annunzio e ancora oggi il più letto. Sullo sfondo di una Roma aristocratica, la vita tormentata, sul filo dell’eccezionalità e della corruzione, di un giovane esteta, Andrea Sperelli, e l’intreccio amoroso, destinato alla rovina, con due donne dai tratti opposti e complementari: provocante e sensuale Elena, delicata e spirituale Maria. Un’opera di alta letteratura, dai toni aulici e sofisticati, che riflette l’indole e le attitudini del suo autore.

Dapprima rappresentati come costretti in una posa immota, afoni e ricchi solo di un "suono muto", i protagonisti del mondo di Liu Ruowang (1977, Jaxian, Cina) sono in realtà degli agitatori di coscienza, degli inevitabili segnali di allarme, di una transitorietà dell'uomo e del mondo che li scuote dalla loro immobilità di materia (il clamore del bronzo, il suono del metallo) e ci trasmette la complessità dell'"essere al mondo". Dalla tragedia e dalla cultura tradizionale emergono i suoni e i significati dei temi di questo scultore che utilizza il grande respiro epico del passato per trascinarci in un ineluttabile presente.

Mario Sironi (1885-1961), nato a Sassari ma romano di cultura, trascorre la sua appassionata ma difficile giovinezza in compagnia dei sodali Boccioni e Severini e del comune maestro Balla. Attratti dal Divisionismo, la più avanzata delle avanguardie del tempo, sarebbero stati tra i protagonisti dell'arte europea. Il libro prende le mosse dall'adesione di Sironi al Futurismo - interpretato subito in maniera estremamente personale, con richiami a soluzioni espressive russe - per condurci fino alla complessa evoluzione del primo dopoguerra, che lo vede mantenere una convinta posizione avanguardista con l'intento di innovare i linguaggi futuristi: in questo senso vanno letti non solo gli avvicinamenti alla Metafisica di de Chirico e Carrà, ma anche il suo iniziale inserimento nel "ritorno all'ordine" del "Novecento" di Margherita Sarfatti. In questa prospettiva anche i paesaggi urbani, straordinaria conquista iconica sironiana, ci appaiono come immagini di un Futurismo riformato piuttosto che un mero ritorno a formule classiche. La personalità di Sironi emerge per la capacità di elaborare i linguaggi della modernità, traducendoli in illustrazioni politiche, pittura da cavalletto, disegni, esperienze teatrali, in una ricerca sempre in sintonia con le maggiori esperienze europee.

La bella rassegna "Fato e destino. Tra mito e contemporaneità" è la sesta tappa dell'iniziativa "Open", tour di eventi espositivi promossi dalla Fondazione Cariplo, in collaborazione con le Fondazioni di Comunità locali, che sta portando il patrimonio artistico dell'ente milanese in tutta la Lombardia, nelle province del Verbano-Cusio-Ossola e di Novara. Il tour "Open", per le sue finalità di promozione e diffusione culturale, è stato incluso fra le iniziative approvate per l'Anno europeo del patrimonio culturale 2018. L'evento espositivo nasce dalla fruttuosa collaborazione tra la Fondazione Cariplo, la Fondazione Comunità Mantovana e il Complesso Museale Palazzo Ducale di Mantova, e si avvale del sostegno di prestigiosi musei e privati collezionisti oltre che del fondamentale apporto di istituzioni locali, pubbliche e private. Le sale dell'Appartamento della Rustica, tra le più suggestive del complesso di Palazzo Ducale, svelano un percorso intrigante, tanto affascinante quanto denso di valenze simboliche, che racconta i temi del fato e del destino. L'uomo ha sempre riflettuto sul senso della vita e degli eventi e, mediante la creazione artistica, ha tentato di dare forma a questi sentimenti universali. Le opere in mostra - tra le quali spiccano capolavori di età romana, di Domenico Fetti, di Angelo Morbelli, di Gustav Klimt e di Adolfo Wildt - spaziano dalla pittura alla scultura, dalla grafica al mosaico. Attraverso un percorso, che dall'antichità arriva fino ai giorni nostri, prendono forma in modo inaspettato quegli enigmi universali sui quali l'uomo si interroga da sempre. Nel ricettacolo di ogni essere sta la domanda della nostra funzione al mondo e nel mondo, ognuno trova per sé la risposta, se può. L'arte in questo ci aiuta, ci soccorre; creando per noi regioni in cui possiamo adagiare il respiro e ascoltare il silenzio dell'esistere.

"La via d’uscita, di ciò che lei chiama labirinto, è il quadro. L’atto creativo, per esempio, del dipingere il quadro, è più di ogni atto quello più simile alla morte e resurrezione di Cristo, senza però l’accorgersi necessariamente dell’artista, del suo peccato. Dipingendo, io sono conscio della morte che mi è addosso, mentre sono straconscio della certezza che questa morte, spatulata per spatulata, va assumendosi nella resurrezione che è il quadro, che è il perdono."

La Pop Art è stata un fenomeno mondiale, esploso negli anni Sessanta negli Stati Uniti e in Europa – e diffusosi rapidamente anche nel resto del mondo – che ha rivoluzionato il rapporto tra creazione artistica e società, registrando l’attualità in modo neutro, fotografico, adottando gli stessi modelli della comunicazione di massa per la realizzazione di opere d’arte. In questo senso, la fotografia è stata, per gli artisti Pop, non solo una fonte di ispirazione, ma un vero e proprio strumento di lavoro, una parte essenziale della loro ricerca. A partire dallo storico collage fotografico di Richard Hamilton "Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?" del 1956, unanimemente considerata come la prima opera compiutamente Pop, passando per le celeberrime Marilyn di Andy Warhol, tratte da una fotografia, il volume – curato da Walter Guadagnini – racconta la storia di questo rapporto attraverso circa 180 opere tra quadri, fotografie, collage, grafiche, che evidenziano la varietà e la straordinaria vivacità di questa vicenda. Tra gli autori in catalogo, oltre a quelli già ricordati, anche Robert Rauschenberg, Jim Dine, Ed Ruscha, Joe Goode, Peter Blake, Allen Jones, Joe Tilson, Sigmar Polke, Wolf Vostell, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Franco Angeli, Michelangelo Pistoletto e tanti altri. Tra i fotografi presenti, si citano Ugo Mulas – con le storiche serie dedicate alla Biennale di Venezia del 1964 e ad Andy Warhol – l’americano Ken Heyman, autore dei primi scatti iconici della Pop newyorchese, e l’inglese Tony Evans, fotografo dei protagonisti della Swinging London dei primissimi anni Sessanta.