Silvana

Tutto l'interno del mausoleo era uno scrigno prezioso per le tarsie di marmi colorati in una profusione di mosaici dai preziosi fondi dorati, segno del prestigio e della ricchezza dell'impero. Solo una parte dei mirabili mosaici sono sopravvissuti. Oggi l'ampio ambiente appare spoglio e parla eloquente l'architettura dell'ottagono cupolato straordinariamente conservata, quasi un Pantheon milanese di dimensioni minori. L'architettura e l'iconografia si combinano alla luce che spiove dalla galleria imprimendo grande sacralità allo spazio. Tanto ammirato negli echi medioevali e dagli architetti del Rinascimento, gli studiosi si sono a lungo interrogati su committenza, destinazione e datazione. Il libro, scritto in occasione degli ultimi restauri, delinea nuove letture e ipotesi sul come era nella sua fase iniziale tardoantica, esplorando poi le fasi successive medioevali e moderne fino ai restauri degli anni trenta e agli ultimi appena compiuti, illustrati nelle fotografie di Maurizio Montagna e nel video filmato con le animazioni e restituzioni a corredo del libro, accessibili con il QRcode dedicato.

«Come ricomporre i frammenti di un paesaggio, interiore ed esteriore, sospeso sull’orlo della propria estinzione? Il nuovo sopra l’antico stato il titolo dell’insegnamento in Accademia in questi anni, dove il termine “sopra” indica non tanto una volontà di celare, ma quella di un integrare consapevole. Nel rapporto tra queste due parole sta il passaggio al progetto, che possiamo identificare come tentativo di rappresentare la nuova distanza tra le cose. Dopo aver condiviso un percorso attraverso le mie opere, perché il progetto si insegna con il progetto e non saprei fare diversamente, ma anche con il preciso supporto dei dati di rilievo depositati nei luoghi, iniziato il lavoro critico finale di ciascuno studente, applicato ogni anno a una diversa città italiana. Con l’ausilio dei cinque punti (luogo, tempo, terra, luce, silenzio) individuati quale sequenza interpretativa e traccia per modificare lo spazio, nella complice quiete dell’atelier abbiamo potuto tradurre le sensazioni in misure, secondo un metodo teso a non offrire soluzioni gratuite o astrattamente creative, nella convinzione che l’architettura si trasforma e non si improvvisa.» (Paolo Zermani). Paolo Zermani, professore ordinario di Composizione architettonica alla Facoltà di architettura di Firenze, è stato professore invitato all'Accademia di architettura dell'USI a Mendrisio dal 2014 al 2020. È fondatore dei convegni "Identità dell'architettura italiana" e direttore del Master "Museo Italia". Le sue opere sono pubblicate sulle maggiori riviste internazionali di architettura. Tra i suoi scritti: Identità dell'architettura I e II (1995 e 2002), Oltre il muro di gomma (2010), Architettura: luogo, tempo, terra, luce, silenzio (2015). Tra i suoi progetti recenti: l'adeguamento architettonico e liturgico della Basilica di Sant'Andrea a Mantova, il restauro e la ricostruzione del Castello di Novara, la Scuola per l'Europa di Parma, la nuova uscita del Museo delle Cappelle medicee a Firenze. Dal 2007 è Accademico di San Luca. Nel 2018 l'Accademia Nazionale dei Lincei gli ha conferito il Premio Feltrinelli per l'architettura. La collana: Così denominata per il numero indicativo di pagine di ogni volume che la compone, la collana "Quarantotto pagine di architettura insegnata" intende testimoniare i modi con cui la cultura architettonica odierna si confronta e si trasmette con il lavoro didattico. Le pubblicazioni vogliono privilegiare in particolare l'attività svolta presso l'Accademia di architettura dell'Università della Svizzera italiana dai docenti invitati (di progettazione, ma non solo) così da preservarne il contributo culturale.

Il genio di Leonardo da Vinci illustrato attraverso la collezione della Biblioteca Reale di Torino: tredici disegni, tra cui il celeberrimo Autoritratto, e il Codice sul volo degli uccelli. Un insieme di opere di eccezionale valore, che documenta l'attività e le ricerche del grande maestro del Rinascimento italiano dagli esordi della sua carriera a Firenze fino agli studi milanesi dedicati alle macchine, all'anatomia, alle proporzioni e alle espressioni del volto umano, per arrivare al sogno del volo. Una guida per affacciarsi sul mondo di un sommo artista che ha fatto della conoscenza e della sperimentazione una legge di vita.

Michele Sambin (Padova, 1951), musicista, pittore, uomo di teatro, cineasta e pioniere della videoarte, conduce da decenni una ricerca che ha il suo fulcro principale nel rapporto tra immagine e suono. Il volume prende in esame l'opera complessiva dell'artista a partire dall'installazione videofotografica Il tempo consuma, rielaborazione e aggiornamento di tre opere realizzate da Sambin alla fine degli anni settanta. L'archè e la téchne sono i due poli verso cui oscilla l'immaginario dell'artista, laddove la tecnica – che si incarna di volta in volta in un dispositivo (pittorico, scultoreo, installativo, filmico, sonoro, performativo) – non si pone come principio generatore di tutte le opere, né tanto meno come fine ultimo, bensì come paradigma, punto di vista da cui rivelare l'essenza stessa delle cose. Il catalogo, corredato da un ricco apparato di illustrazioni a colori e in bianco e nero, è scandito dalle "videomemorie" dell'artista stesso, che ripercorrono in forma di diario le tappe principali della sua attività, ed è integrato dai contributi critici di importanti studiosi di livello internazionale.

Nata nel 1987 e inaugurata nella sua nuova sede dalla visita di papa Benedetto XVI nel 2009, la Collezione Paolo VI - arte contemporanea conserva il patrimonio di opere del Novecento riconducibile alla figura di Giovanni Battista Montini, oggi san Paolo VI, raccolto specialmente dal suo segretario monsignor Pasquale Macchi e in seguito ulteriormente incrementato. È un museo unico al mondo, che testimonia il prezioso e profetico rapporto che Paolo VI intrattenne con il mondo dell'arte del suo tempo; non è esclusivamente una galleria d'arte sacra, e nemmeno un memoriale dedicato alla figura di Montini, bensì un'istituzione che intende concretizzare l'ideale di apertura ai linguaggi espressivi contemporanei che fu propugnato con tanta forza dal pontefice. Il volume propone una panoramica della ricca collezione, costituita da quasi 8000 opere, tra cui spiccano capolavori di alcuni dei più grandi artisti del XX secolo: Matisse, Chagall, Kokoschka, Picasso, Dalì, Magritte, Severini, Rouault, Casorati, Sironi, Morandi, Fontana, Hartung, Vedova, Manzù.

Critica: «De toutes pars sonne lo nom de Guaymere»: cultura figurativa a Salerno all'inizio del secondo millennio Giuseppa Z. Zanichelli Venosa, Acerenza, and 'Norman' Architecture in Southern Italy Rosa Maria Bacile, John McNeill, Clare Vernon Thirteenth-Century Painting in the Lordship of Athens: The Cases of Hagios Petros in Kalyvia Kouvara and the Omorphi Ekklesia at Galatsi. Some New Toughts Sophia Kalopissi-Verti On a Thirteenth-Century Ilkhanid Tray at the Hermitage: Reconsidering an Item of 'Ayyubid' Metalwork on the Evidence of Small Inscriptions Arianna D'Ottone Rambach, Massimo Bernabò Genova a Costantinopoli. La colonia di Galata, la chiesa di S. Domenico e il suo "perduto" ciclo murale Silvia Leggio L'attività di Giovanni da Campione tra il Lago di Como e Tradate Elisa Eccher Fra miniatura e oreficeria alla corte di Carlo V di Francia Anna Rosa Calderoni Masetti L'anima mundi e i giardini incantati Maria Rosaria Marchionibus «Con compasso et misure»: la redazione della pianta dell'antica S. Pietro di Tiberio Alfarano alla luce dei suoi manoscritti Bianca Hermanin «Un bellissimo monumento da farne un gran conto»: nuovi elementi sul mosaico perduto del portico del duomo di Terracina e tre documenti d'archivio di Baldassarre Peruzzi, Bartolomeo Giordani e Giovanni Marangoni Davide Angelucci. Materiali: Il Crocifisso della collegiata di S. Maria Assunta ad Amaseno. Forma, materia e contesto e un'ipotesi per il Maestro della Santa Caterina Gualino Alessandra Acconci Il restauro del Crocifisso ligneo di Amaseno Cristiana De Lisio, Alessia Felici. Notizie e Recensioni: L'apogeo di Ravello nel Mediterraneo. Cultura e patronato artistico di un'élite medievale, a cura di Manuela Gianandrea, Pio F. Pistilli, Roma, Campisano Editore, 2019 Antonino Tranchina Giovanni Lorenzoni, Le parole sono pietre. Ma le pietre possono diventare parole? Verona, Scripta Edizioni, 2020 Giovanna Valenzano Simone Piazza, Allo zenit della cupola. L'eredità dell'oculus nell'arte cristiana fra Medio Evo latino e Bisanzio Roma, Campisano Editore, 2018 Maddalena Vaccaro I tondi di Venezia e Dumbarton Oaks. Arte e ideologia imperiale tra Bisanzio e Venezia / The Tondi in Venice and Dumbarton Oaks. Art and Imperial Ideology between Byzantium and Venice, a cura di Niccolò Zorzi, Albrecht Berger, Lorenzo Lazzarini, Roma, Viella, 2019 Livia Bevilacqua Carles Sánchez Márquez, Una tragèdia pintada. El martiri de Tomàs Becket a Santa Maria de Terrassa i la difusió del culte a la península Ibèrica, Anem Editors, 2020 Jordi Camps i Sòria.

Amalia Del Ponte incarna al meglio l’ideale dell’artista libero: libero da ogni genere di categorizzazione estetica, da effimere tendenze artistiche o manie collezionistiche, da ideologie inflessibili e rigorose. È un’artista così come un’artigiana e un’intellettuale; modella le idee adattandole al proprio spirito, esattamente come fa con le sue sculture.

A firma Andrea Rossi Andrea Ground Plane Antenna, "Standing Wave Ratio Works" sono libri-opera documentanti la complessità di un lavoro artistico, di cui sono a loro volta parte, da sempre implicato nell'antenna ground plane (dispositivo per irradiare e captare onde elettromagnetiche), antenna-segno, imprescindibile centro di poetica nel quale media, discipline, linguaggi, conoscenze, ruoli e altro ancora continuamente si rinnovano e risignificano. Anche qui l'artista riflette, in un ritmo inarrestabile che ben si accorda con la sua vena jazzistica free/funky, sulla dimensione liquida della comunicazione, portando allievi, docenti e pubblico a interrogarsi sui codici utilizzati, sull'uso del linguaggio e soprattutto sul controllo della parola enunciata.

Rimaste finora sconosciute, le fotografie di Guido Rossa rivelano un autodidatta di talento. Soprattutto, testimoniano di una personalità poliedrica e curiosa, prensile e poetica: attenta ai bambini del Nepal come agli anziani di Genova o ai pescatori della Riviera, sensibile ai piccoli scorci dell’entroterra ligure come ai vertiginosi panorami delle Alpi o dell’Himalaya. Scattate durante una stagione eccezionalmente intensa nella storia politica e sociale d’Italia, le foto di Rossa non riflettono che di rado la ribollente realtà degli anni sessanta e settanta. Per l’operaio metalmeccanico sindacalista della Cgil, delegato di fabbrica e militante del Pci, la fotografia sembra avere costituito – piuttosto che una forma di rappresentazione del mondo storto in cui viveva, e che lottava per raddrizzare – un’occasione per scoprire la consolante bellezza che si nasconde anche nelle piccole cose.

È opinione comune che l'architettura federiciana, in quanto emanazione di un'autorità imperiale in aperto conflitto con la Chiesa, sia un fenomeno esclusivamente laico. In effetti di Federico II è nota la frenetica attività di costruttore di castelli, a fronte di un certo disinteresse per gli edifici di culto: un apparente paradosso per un imperatore medievale, ma affatto funzionale allo stereotipo di precursore della modernità che la storiografia ha costruito sul personaggio. Eppure attorno alla sacralità del potere imperiale e alla rappresentazione del sovrano come Anticristo/Messia si è sviluppato un tema portante degli studi federiciani, dal quale, tuttavia, le costruzioni sacre sono state avulse. Muovendo da un riesame della committenza architettonica e dall'analisi a tutto tondo del rapporto tra Federico II e gli edifici religiosi, questo libro si propone di reintegrare l'architettura sacra nell'orizzonte della ricerca sull'imperatore svevo e di superare ogni visione stereotipata della cultura artistica federiciana. Contributi di: Susanna Blaser-Meier, Barbara Bruderer-Eichberg, Fulvio Cervini, Teodoro De Giorgio, Maurizio Ficari, Francesco Gangemi, Kai Kappel, Brigitte Kurmann-Schwarz e Peter Kurmann, Giorgio Milanesi, Pio Francesco Pistilli, Kristjan Toomaspoeg, Francesca Tota, Antonino Tranchina, Alessandro Viscogliosi, Harald Wolter-von dem Knesebeck. Testi in lingua originale.

Il Museo Nazionale del Cinema di Torino celebra i sessant'anni di Diabolik, nato nel 1962 dalla fantasia delle sorelle Angela e Luciana Giussani e trasformatosi negli anni in fenomeno sociale e culturale, simbolo dell'Italia del boom economico e del suo ingresso nella modernità. Il mito di questo antieroe e della compagna Eva Kant, neri come la notte, misteriosi e sfuggenti, deve buona parte della propria fortuna al fumetto e ai suoi disegnatori, ma non solo. Questo libro infatti ripercorre le vicende di Diabolik al cinema – dal film interrotto alla pellicola di Mario Bava del 1968, fino alla versione attuale dei Manetti bros. – e le incrocia con le arti visive e il design, con la cronaca nera dei primi anni sessanta, con la leggenda della Jaguar E-Type, una delle automobili più belle della storia.