Silvana

Tutti i luoghi del Vittoriale di Gabriele d'Annunzio, dalle stanze della Prioria ai diversi siti dei giardini, sono costellati di motti, in italiano (spesso antico), in francese e spagnolo, ma in prevalenza in latino, che per la loro collocazione e la loro evidenza grafica non sfuggono all'attenzione e alla curiosità dei visitatori. Ma anche tutta l'opera del Vate, in prosa e in versi, dai romanzi al teatro, dalle raccolte poetiche alla memorialistica degli anni del ritiro sul Garda, dai messaggi di guerra e di Fiume alle lettere, è fittamente disseminata di motti analoghi, esibiti anche su un'infinità di supporti, dalla carta da lettere agli ex libris, a francobolli, medaglie, gioielli, argenteria varia, manifesti, volantini, cartoline, frontespizi, copertine. Il volume fornisce per la prima volta la traduzione e l'interpretazione di tutti i motti presenti nella cittadella dannunziana sul Garda e della maggior parte degli altri, indicandone nel contempo le fonti letterarie negli autori classici, latini e greci, nei poeti italiani, nelle sacre scritture e in particolare in opere dell'impresistica rinascimentale e barocca di cui d'Annunzio si sente in qualche modo erede e continuatore. Completa l'opera un approfondimento su D'Annunzio, i motti e la grafica applicata che illumina il rapporto di d'Annunzio con gli artisti che lo hanno affiancato nella ricerca di un'arte integrale che unisse parole e immagini. Introduzione di Giordano Bruno Guerri. Saggio di Francesco Parisi.

Nanni Valentini (Sant'Angelo in Vado, 1932 - Vimercate, 1985) è una delle personalità più singolari e vivide del panorama artistico del secondo dopoguerra. Il volume ne documenta il lascito nel campo della pittura attraverso un'indagine sulle Trasparenze, presentate in una memorabile esposizione milanese nel 1976: un omaggio doveroso reso a Valentini in un momento in cui finalmente la profondità del suo magistero è stata in larga parte compresa, nonché un ripensamento critico dell'anomalia strepitosa rappresentata allora da quelle opere. L'amicizia con Fontana, Tancredi, Sottsass, Scanavino e i fratelli Giò e Arnaldo Pomodoro, una forte propensione allo studio delle più disparate aree sapienziali e l'immersione nell'ambiente milanese degli anni sessanta hanno permesso a Valentini di sviluppare la sua poetica verso un ragionamento fondamentale sulla forma plastica e sull'immagine, che lo ha reso unico nel dibattito artistico dell'epoca. Il volume, che inaugura una collana dedicata all'artista, accoglie i testi critici di Flaminio Gualdoni, Luca Bochicchio e Alberto Salvadori, una selezione di scritti dell'artista, una nota biografica e un ricordo di Tiziana Valentini.

Lucio Fontana (Rosario di Santa Fè 1899 - Comabbio 1968) è tra i maestri indiscussi dell'arte del XX secolo, figura carismatica radicale e dirompente, costante punto di riferimento per gli artisti delle generazioni successive. Sperimentatore totale, pioniere dello Spazialismo, mutò il linguaggio dell'opera d'arte sovvertendo schemi rappresentativi che parevano immutabili. Il volume ripercorre la parabola creativa di questo artista rivoluzionario, seguendo come traccia la conversazione tra Fontana stesso e la storica dell'arte Carla Lonzi, da lei pubblicata nel 1969 in una celebre raccolta di interviste intitolata "Autoritratto". Sul filo della narrazione - ripubblicata in queste pagine - viene proposto un percorso antologico con lavori che toccano i momenti salienti e peculiari della ricerca fontaniana, un vero e proprio itinerario nel pensiero e nella pratica dell'artista: dalle sculture degli anni Trenta ai "Concetti spaziali" ("Buchi" e "Tagli") dagli anni Quaranta ai Sessanta, oltre ai "Teatrini" e alle "Nature" bronzee. Il volume documenta anche alcune opere provenienti dalla collezione personale di Fon-tana, di artisti più giovani da lui seguiti e promossi, e una suggestiva serie di fotografie storiche scattate da Ugo Mulas.contributi di: Walter Guadagnini, Gaspare Luigi Marcone, Stefano Roffi, Paolo Campiglio, Mauro Carrera, Lara Conte, Maria Villa.

Il Museo di Fotografia Contemporanea ha invitato Carlo Sala a operare una 'rilettura' curatoriale delle collezioni sfociata nella mostra Stati di Tensione. Parte fondamentale del progetto sono stati gli studio visit agli autori, nel corso dei quali si sono sviluppate una serie di conversazioni su immagine, società e politica. Il quaderno di studi raccoglie e presenta al pubblico, attraverso la loro viva voce, le vicende e riflessioni di alcuni dei protagonisti della fotografia italiana che hanno operato in un arco che va dalla fine degli anni sessanta fino ai giorni nostri: Marina Ballo Charmet, Olivo Barbieri, Letizia Battaglia, Lisetta Carmi, Paolo Ciregia, Mario Cresci, Tano D'Amico, Paola Di Bello, Guido Guidi, Francesco Jodice, Armin Linke, Uliano Lucas, The Cool Couple e gli autori del progetto Corpi di Reato Tommaso Bonaventura, Alessandro Imbriaco e Fabio Severo.

Dal cuore e dallo scalpello di Michelangelo, il pathos del Dio crocifisso sorretto dalla Madre: testi e fotografie delle tre Pietà del Buonarroti, da quella del Vaticano del 1497-1499, alle due versioni degli anni 1547-1564. I saggi di Barbara Jatta, Sergio Risaliti, Claudio Salsi con Giovanna Mori, Timothy Verdon introducono nei percorsi storici, storico-artistici, devozionali ed emotivi del grande artista, aiutando a cogliere l’intensità contemplativa con cui Michelangelo ha meditato questo tema centrale della fede cristiana per tutto il tempo della sua vita professionale: una preghiera in marmo lunga sessanta anni.

La Fondazione Teatro Ragazzi e Giovani Onlus nasce nel 2004 a Torino e la sua sede, la Casa del Teatro, viene inaugurata nel 2006 nell’ambito di uno straordinario progetto di riqualificazione. Questa storia, però, inizia molto tempo prima, negli anni settanta, un periodo in cui la città vive il fervore politico e sociale che attraversa l’Europa portando con sé un cambiamento di prospettive e di visione. La cultura, la formazione, l’inclusione e le rivendicazioni sociali creano, accanto a tensioni fortissime, un terreno fertile per la sperimentazione. È qui che si inserisce la storia raccontata in questo volume: una realtà teatrale che non solo raccoglie l’eredità di un gruppo torinese in grado di portare il “teatro ragazzi” nel mondo, ma che da sempre guarda alle giovani generazioni e continua a farlo, fra nuovi progetti e la consapevolezza di salvaguardare un patrimonio molto prezioso. Una piccola grande storia che riguarda Torino e l’Italia.

Cogliere l’arco unitario della produzione artistica di uno dei massimi protagonisti del XX secolo quale è stato Vasilij Kandinskij, attraverso ottanta opere eccezionali di datazione compresa fra il 1900 circa e il 1940, che coprono i diversi momenti della sua carriera, è l’obiettivo ambizioso di questa pubblicazione curata da Paolo Bolpagni e Evgenija Petrova. Trovano spazio anche dipinti di ‘compagni di strada’, come Gabriele Münter, Paul Klee, Arnold Schönberg, Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, e ancora libri in edizione originale, documenti, fotografie, oggetti d’arte popolare. Tutto per svelare l’‘enigma Kandinskij’, seguendo le orme di un cammino creativo che fu in rapporto costante con la dimensione musicale e le profonde radici dello spirito russo.

Il volume ricostruisce il percorso dello scultore spezzino Angiolo Del Santo (1882-1938) raccogliendo e illustrando le sue opere civili e funerarie, realizzate nei primi quattro decenni del Novecento. Allenato a un robusto mestiere grazie all'apprendistato con Leonardo Bistolfi, fu rigoroso interprete delle aspirazioni della borghesia in ascesa in un panorama urbano in rapida trasformazione. A buon diritto può essere considerato l'iniziatore della tradizione scultorea del Novecento nella città ligure, che si distinse in quel torno di tempo proprio per un accentuato dinamismo che non esitava a confrontarsi con i risultati artistici di Genova e di Carrara. Il volume ci consegna la figura dell'artista restituita a tutto tondo, catalogandone per la prima volta tutte le opere conosciute e restituendocene il pensiero critico attraverso i documenti salienti del suo epistolario.

In occasione dei 120 anni dalla nascita, il volume celebra Carlo Levi, intellettuale dallo straordinario eclettismo e dalla ancor più straordinaria capacità di andare sempre a fondo della realtà, che ha posto le basi di un dibattito sulla dicotomia Nord/Sud fuori dagli schemi economici o antropologici, oggi più che mai attuale. Il volume raccoglie 30 dipinti, diversi dei quali provenienti dal patrimonio della GAM di Torino, focalizzati sulla geografia complessiva dell’esistenza di Levi. Sono opere che testimoniano anche i diversi sviluppi stilistici dell’artista, partito giovanissimo da una pittura fortemente ‘oggettiva’, per poi orientarsi su una rappresentazione più espressionista, e infine intonarsi a un moderno realismo nel Secondo dopoguerra.

"Questo libro tenta di mettere disordine in tutto quest’ordine. Ordine dunque e disordine che fonda un nuovo ordine e così via. Ci sono argomenti seri trattati con leggerezza e il contrario, come in una doccia scozzese. Sono riuscito a trovare quasi tutti i testi che volevo salvare dall’oblio e li ho messi in ordine (o in disordine?). Ho molto citato, e continuo a farlo, Alighiero ma anche Boetti, nel tentativo di far sopravvivere una seppur pallida memoria indiretta di alcuni avvenimenti della mia vita che possono aver incrociato destini più alti."

Tutto è iniziato nel 2019 con la rubrica pensata per un mensile di fotografia, dove ci si immaginava di dialogare in un'"intervista impossibile" con un grande autore o una grande autrice del passato. Da qui, molto ampliata e approfondita, è nata quest'insolita storia della fotografia lontana dallo stile saggistico di quelle tradizionali, pur condividendone il rigore filologico nella ricostruzione di luoghi, situazioni e atmosfere. Il tono narrativo usato invita a un viaggio avvincente come un romanzo, i cui protagonisti sono ventuno tra fotografe e fotografi in rappresentanza dei moltissimi che hanno operato nel primo secolo di vita di quest'affascinante disciplina.

«Codici a confronto: l'antico e la contemporaneità in un paragone che è sempre affascinante, perché crea una specie di cortocircuito temporale che consente di attraversare i millenni grazie ai codici dell'arte, che tra le loro categorie hanno anche quella dell'atemporalità. [...] David Simpson assomiglia nel lavoro a questa infinita ripetizione (con varianti continue), il cui fine è anche quello di rivelare l'infinità del modus operandi che si è scelto. Come una specie di invito a un'eternità possibile che, nel confronto con il codice decorativo dell'ignoto operaio romano, dimostra di poter arrivare comodamente a duemila anni.» (Marco Meneguzzo)