Silvana

Grazie a Corrado Albicocco, che è stato lo stampatore di fiducia di Vedova per quasi trent'anni e che ha reso disponibile la sua collezione di grafiche del maestro, è possibile mostrare e far comprendere quale sia stato il percorso di Vedova nel campo della calcografia nell'ultimo periodo della sua lunga vita. Scrive l'artista in una breve nota: "sono pittore e mi è difficile esprimermi con un'altra lingua. L'incisione, la litografia, sono tutte possibilità. Sono materie ognuna di facoltà genetiche diverse. L'incontro fisico con una materia avviene in ambito di complessa osmosi; un segno sulla pietra, sulla lastra metallica, l'inchiostro o lo scavo sono imprevedibili possibilità". Dunque, l'incisione è una possibilità, un ulteriore mezzo espressivo per raggiungere il ne - comune ad altri mezzi - della creazione e della trasmissione di contenuti, di idee, attraverso la sintesi estrema delle forme in bianco e nero. Fin dallo scadere degli anni Cinquanta Vedova è come rapito dal mezzo grafico, stregato dalla sua magia, da quella strana alchimia di elementi e materie che sono presenti nelle procedure stesse dell'incisione e della stampa.

Ricostruzione, liberamente articolata, dell'intensa e avvincente vita di Piero Siena narrata in prima persona dal protagonista attraverso i dialoghi con la curatrice. Nato nel 1912 nel mantovano, Piero Siena è stato in gioventù pittore del gruppo Novecento, ha partecipato alla seconda guerra mondiale sopravvivendo alla campagna di Russia, è stato pilota della Maserati partecipando a numerose Mille Miglia. Ha scritto per anni, occupandosi di arte e di politica, per diversi quotidiani e riviste, tra cui "L'Unità", il "Nac" e "Rinnovamento". La sua intensa attività editoriale e di curatore di mostre è legata in modo particolare al periodo in cui, tra il 1987 e il 2001, ha ricoperto la carica di direttore di Museion, il Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Bolzano.

Con la fine del XIX secolo l’Europa entra nella modernità. Fra i segnali che annunciano l’affacciarsi di una nuova era culturale e sociale si può annoverare, nel 1898, l’assegnazione del titolo di campione d’Italia a un torneo calcistico che segna la nascita di un’organizzazione sportiva che anima tutt’oggi le passioni degli italiani. Non è un caso che le prime avanguardie artistiche del Novecento, in particolare il Futurismo, abbiano spesso rappresentato il gioco del pallone: gioventù, dinamismo, velocità e azione, erano temi cari alle teorie di Marinetti. E anche nei decenni seguenti il calcio, specchio di una società in continuo mutamento, assume nell’arte un ruolo necessario. Il volume offre una cavalcata nell’arte italiana del XX secolo con oltre 60 opere dedicate allo sport nazionale, in cui si avvicendano protagonisti, movimenti e linguaggi diversi, dalla pittura alla scultura, dalla fotografia all’installazione, a testimonianza di come le cosiddette “Fine Arts” abbiano amato – e amino tuttora – confrontarsi con lo sport più popolare, praticato e seguito nel nostro Paese.

Nel 1884 Claude Monet, a metà esatta della sua vita, soggiornò per tre mesi in Riviera, a Bordighera e Dolceacqua, fra gennaio e aprile, e colse di questa regione gli aspetti più affascinanti e certamente amati dagli impressionisti: la vegetazione, il mare e soprattutto la luce. Per lui, uomo del Nord, nato a Parigi e cresciuto a Le Havre, fu il primo approccio con la luce e la natura mediterranee. Ne scaturì un lavoro intenso che segnò anche una svolta nel percorso artistico del pittore francese: la sua tavolozza, già chiara in quel momento, continuò a evolvere, guadagnando lucentezza e intensità. Doveva rimanere poche settimane, soggiornò invece tre mesi e produsse trentotto tele, fra cui Le Château de Dolceacqua, Vallée de Sasso, effet de soleile Monte Carlo vu de Roquebrune, qui documentate assieme a una serie di opere di pittori attivi in Riviera nello stesso scorcio di secolo e a inedite immagini fotografiche che testimoniano l’esuberante vegetazione della costa di Ponente e l’elegante frequentazione inglese e francese della città di Bordighera.

"Ricordare, rintracciare, vedere, partecipare, costruire": sono queste le parole chiave che caratterizzano i capitoli in cui si articola il volume dedicato a Daniela Ferrari per ringraziarla e riconoscerle i meriti di una lunga e intensa attività di studiosa e di direttrice dell'Archivio di Stato di Mantova. Le charte non solo si ereditano, si conservano e si custodiscono, ma parlano, si legano ad altre charte, creano itinerari, indicano strade, antiche e inedite. I quarantotto saggi che compongono questo volume elaborano le fonti storico-artistiche conservate nell'Archivio di Stato di Mantova, che festeggia i 150 anni dalla sua istituzione (1868-2018), e intrecciano fili rossi tra ambiti disciplinari diversi: dalla storia alla storia dell'arte, dalla musica alla letteratura, dal teatro all'archivistica.

Quello di Fabio Nicotera è un mondo in attesa, è un mondo di frontiera, ma anche di incanti e di stupori preziosi. Pittore e scultore dalla vocazione profonda e necessaria, questo artista custodisce un pudore inconsueto che lo porta a non esibire mai l'impronta personale ed esistenziale della pennellata o della modellazione virtuosistica. Usando colle, resine, vetro e altri materiali artificiali in pittura e argilla, chiodi, catini di plastica, colle viniliche e muschio nelle sculture e lasciando un ampio potere agli accidenti dovuti al caso nel corso del lavoro, l'artista crea spazi amniotici o grembi in cui regna incontrastata l'inesausta vitalità del colore, di volta in volta denso e compatto come un lago ghiacciato o trasparente come un velo d'acqua, oppure smaltato, opalescente, traslucido o misteriosamente opaco. Così le sue opere sono luoghi dalle infinite potenzialità, dove tutto può ancora accadere, gioiosamente o drammaticamente.

Lucio Fontana, maestro indiscusso nel panorama artistico del Novecento, ha intrapreso nel suo percorso creativo numerose strade, dedicandosi a tecniche e materiali diversi. Il volume indaga un argomento peculiare della sua produzione, ovvero i Concetti spaziali in oro e le Crocifissioni in ceramica, attraverso circa cinquanta opere realizzate principalmente nel decennio tra il 1958 e il 1968. Le opere presentate svelano l’attualità di un problema costantemente avvertito dall’artista, ma cruciale nella ricerca pittorica di ogni tempo: il rapporto con lo spazio, la sua definizione, l’ansiosa ricerca del suo superamento. L’apice inventivo di Fontana è individuato proprio nell’utilizzo dell’oro, inteso non come colore bensì come componente spaziale, estrema sintesi di luce e spazio sin dall’antichità classica. Alle tele in cui domina l’oro, metallo puro e originario, è accostata una raccolta di sculture in ceramica, plasmate anch’esse in un materia primigenia e primordiale: scelte nel tema predominante delle Crocifissioni, queste “terre-cotte” offrono un contrappunto alla riflessione, lasciando trapelare un fremito scomposto di origine ancora barocca. Il volume accoglie un testo introduttivo di Anna Coliva e un saggio critico di Germano Celant.