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Dal 17 gennaio al 9 marzo 2019, Officine dell'Immagine di Milano ospita la seconda personale italiana di Servet Koçyi?it (Kaman, 1971), uno degli autori più interessanti della scena contemporanea turca. Curata da Silvia Cirelli, la mostra dal titolo "When the Lion comes out of the shade" esplora il recente percorso artistico di questo poliedrico interprete, raccogliendo una selezione di opere, tra fotografie, installazioni e collages, mai esposti in Italia. Da sempre attento al confronto con tematiche socioculturali, identitarie, comportamentali e geopolitiche che interessano non solo la realtà turca - a cui è certamente legato - ma che riguardano in generale la storia culturale odierna, Koçyi?it riscopre le contaminazioni nell'arte di temi di grande attualità, come l'esperienza dell'emigrazione, il senso di sradicamento, gli equilibri fra individuo e collettività e la vulnerabilità del genere umano.

Catalogo della mostra omonima presentata da Il Circolo degli Artisti di Albissola Marina (SV), in collaborazione con l'Associazione Culturale Arteam, dal 10 al 25 novembre 2018. La doppia personale, a cura di Matteo Galbiati, è frutto del Premio Speciale assegnato dal Circolo degli Artisti in occasione di Arteam Cup 2017. Ricorre un filo sottile tra le ricerche di Ilaria Gasparroni e Giulia Zappa, due artiste che, in fatto di somiglianza e analogie, arrivano a sfiorarsi reciprocamente. Gasparroni, piegando un materiale difficile come il marmo, riesce a sottrargli il peso materiale e a mostrarci, con un delicatissimo lavoro scultoreo, frammenti di corpi e oggetti quotidiani resi con una maestria e tecnica tali da renderli non solo somiglianti, ma quasi vivi. Giulia Zappa, che per contro utilizza la fotografia termica e la copia in cera, imita anch'essa il soggetto reale, ma non lo fissa in permanenza, mai in modo totale, affinché l'opera finale subisca modifiche nel tempo e ponga la somiglianza col vero un fattore transitorio e aleatorio.

"Pietro Spica e Isabella Mandelli, il primo artista affermato, la seconda manager di successo, si sono trovati ad incrociare i pennelli per rappresentare a quattro mani il loro "mondo fantastico", colorato ed etereo, abitato da personaggi fantasiosi, reali ed al tempo stesso onirici. Ad acquarello, che altro non è che luce colorata, la cosa più vicina ad un'ombra che, staccandosi da corpi e figure, prende spazio nel nostro sguardo. Il colore corre dove lo convoca la traccia umida lasciata dal pennello sulla carta morbida e assorbente, per prendere forma, asciugandosi, in un velo trasparente. Personaggi che evocano un racconto, offrendo un'ambientazione per una storia." (Luca De Flaviis all'interno del catalogo). Catalogo realizzato in occasione dell'evento "Spicaisa. Due mani sinistre", 24-25 novembre 2018, M.A.C. Musica Arte Cultura, Milano.

Attraverso le immagini di questo catalogo, il percorso che Zanardi ha compiuto fino a qui ci restituisce una conferma nel panorama dell'arte contemporanea italiana: la presenza di un'artista consapevole e preparata, specializzata nel raffinare ricordi individuali e memorie dimenticate con la sapiente arte della scultura e della fotografia, per raggiungere e sceverare il senso universale e collettivo. L'occhio e la mano, dunque, e fra essi l'oggetto visibile (il segno memoriale, il simulacro, la traccia residuale, il ritratto perduto) e quello immateriale del ricordo trasposto in immaginazione. (Dal testo "Serena Zanardi: una premessa critica, dieci anni dopo" di Luca Bochicchio)

Il tema sviluppato nelle opere dell'artista genovese Isabel Consigliere nella mostra "Subtilia" alla Luisa Catucci Gallery di Berlino (5 ottobre - 30 novembre 2018) - assegnata nell'ambito del premio Arteam Cup 2017 - è senza dubbio la sottile, e forse a volte inconscia, rappresentazione del femminino. L'eterno femminino, quel favor Dei che ogni donna possiede in potenza, per dote, non semplicemente genetica, da non confondere con la femminilità, insieme delle ideali caratteristiche fisiche, psichiche e comportamentali giudicate da una specifica cultura associate alla donna, a distinguerla dall'uomo. [...] Le sculture con i semi di tarassaco della Consigliere nascono come lavori sulla protezione della intrinseca e profonda natura essenziale dell'essere. Il seme di tarassaco rappresenta un involucro protettivo, morbido e caldo, ma al contempo immensamente fragile, che ci avvolge per cullare la delicatezza della nostra anima. È qualcosa di cui abbiamo bisogno, fondamentale e potente ma che, allo stesso tempo, è rapidamente corruttibile se non se ne prende consapevolezza.

Catalogo realizzato in occasione della mostra "Cut away", collettiva delle artiste Safaa Erruas, Lungiswa Gqunta, Bronwyn Katz curata da Silvia Cirelli, Officine dell’Immagine, Milano, 25 ottobre-22 dicembre 2018. Nessun oggetto può esistere nella nostra vita senza legarsi al nostro corpo, alle nostre emozioni, alla conoscenza di noi stessi. È da questa considerazione che si è partiti per realizzare la collettiva "Cut away", un progetto che presenta la poetica di tre figure centrali nell'attuale panorama artistico africano – la marocchina Safaa Erruas, e le due sudafricane Lungiswa Gqunta e Bronwyn Katz – e che rielabora tematiche legate al luogo e all'appartenenza attraverso la capacità latente degli oggetti di tradurre mondi emozionali. Anziché mettere in mostra la presenza fisica del corpo, le artiste tendono a presentare oggetti di uso domestico – aghi, vetri, materassi, reti di letti – il cui rapporto con gli esseri umani è implicito piuttosto che manifesto. Seppur priva della presenza umana, una presenza si avverte però sempre, aleggia ossessivamente, emanando un’aura di disturbo, perché nemmeno l’oggetto più semplice sembra essere completamente innocente.

Monografia dedicata all'artista Giorgio Laveri edita in occasione della mostra omonima, a cura della Civiero Art Gallery, che si svolgerà dal 10 novembre 2018 al 6 gennaio 2019 al Palazzo del Parco - Sala "R. Falchi" di Diano Marina (IM). David Melis, nel testo "Giorgio Laveri. Riflessi mediterranei" all'interno del volume, racconta: "ogni scultura è irripetibile e singolare proprio come l'individuo che la guarda. Non oggetti seriali ma unici per forme e colori. Non prodotti da consumare ma icone da possedere. Nel suo odierno periodo di 'Gigantismo'. Laveri dilata a dismisura le forme comuni. Simboli di consumo e dei mass media. Non sono oggetti. Sono icone del nostro tempo."

Catalogo realizzato in occasione della mostra "Francesco Lauretta. Due volte", a cura di Marco Senaldi, Galleria Giovanni Bonelli, Milano, 20 settembre-20 ottobre 2018. La mostra di Francesco Lauretta (Ispica-Ragusa, 1964 - vive e lavora a Firenze) si presenta con un allestimento di circa venti opere pittoriche e una quarantina di disegni, appositamente studiato dall'artista nell'intento di esplorare il suo rapporto con la pittura. Spiega l'artista: «Ho raccolto alcune opere pittoriche, o presunte tali, e le ho rifatte, differentemente. Avevo timore di incontrarmi e non mi sono incontrato perché tutto è sorto nuovo». Due volte dunque come gesto concreto di ripensamento e di analisi del proprio trascorso ma anche come riflessione sul fare pittorico che, costantemente, si rinnova.

Sin dai primi anni della sua produzione artistica, Alessandra Rovelli ha focalizzato l'attenzione al naturalismo materico caratterizzato da un linguaggio di sostanziale monocromia che eleggeva a materiale pittorico le terre dei campi ed altri elementi organici applicati a tele anche di grandi dimensioni. Dal 2016 la Rovelli lavora quasi esclusivamente su scatole di cartone che riveste di tela, riducendo così notevolmente le dimensioni delle opere nelle quali vengono a concentrarsi forza ed espressività esaltate dalla tridimensionalità del supporto. Alleggeriti dalla corposità dei materiali i nuovi dipinti rivelano la ricerca luministico-atmosferica e, nella generale fedeltà ai motivi del paesaggio lombardo cari all'autrice, si concedono inedite incursioni in terre lontane come l'Alaska e la Siberia. A delinearsi è una pittura evolutiva, capace di coerenza e chiarezza di intenti.

Il Focus Monza, premio assegnato nell'ambito di Arteam Cup 2017, promosso dall'Associazione Culturale Arteam di Albissola Marina (SV), vede protagoniste, con la mostra Cantiere tempo, le gallerie monzesi Leo Galleries, Maurizio Caldirola Arte Contemporanea e Villa Contemporanea, a loro è stato affidato, nell'ambito di questo riconoscimento, il compito di assegnare un premio speciale consistente in una mostra personale che si sarebbe tenuta nel corso della stagione 2018 presso i loro spazi. Le gallerie, per un progetto che per la prima volta le vede tutte coordinate e partecipi in modo unitario e collaborativo, hanno optato, data la qualità alta delle opere proposte nella mostra dei finalisti di Arteam Cup, per una mostra bi-personale, mettendo, quindi, in dialogo e in stretta correlazione reciproca l'opera di due artisti. Le coppie da loro individuate sono state Nataly Maier e Alice Paltrinieri (da Villa Contemporanea), Vincenzo Marsiglia e Valeria Vaccaro (da Leo Galleries) e Donatella Lombardo e Vincenzo Merola (da Maurizio Caldirola Arte Contemporanea).

Iniziamo da ciò che non appare: quello che non si vede nell'opera di Enrica Casentini è vasto come il mare. Questo riferimento "friedrichiano" potrà sembrare una patetica figura retorica, tendente a uno scontato repertorio pop melodico, ma in realtà offre lo spunto per una premessa necessaria (e per fugare ogni dubbio, è bene ricordare che Enrica è punk, il pop non c'entra). Trattare di un'opera d'arte visuale, partendo da ciò che di essa non si vede, può voler rispondere a due problematiche: o l'immagine non basta a se stessa, e dunque necessita di una quantità di informazioni soverchianti rispetto all'opera, oppure al contrario - ed è questo il caso - essa ha raggiunto un'autonomia estetica tale per cui è possibile, e non necessario, affrontare in modo critico una parte delle sue latenze, iniziando a dipanare alcune delle strutture concettuali e poetiche che ne stanno alla base.

Volume pubblicato in occasione della mostra "Nascita della materia. Lucio Fontana e Albisola", Albissola Marina / MuDA, Savona / Museo d'Arte di Palazzo Gavotti (collezione Milani/Cardazzo) e Museo della Ceramica, 2 agosto – 2 dicembre 2018. Questo volume nasce contestualmente alla mostra Nascita della materia. Lucio Fontana e Albisola, fortemente voluta dal Comune di Albissola Marina in occasione del cinquantesimo anniversario della morte di Lucio Fontana (Rosario de Santa Fé 1899 – Comabbio, Varese 1968), e supportata sul piano scientifico dal DIRAAS della Scuola di Scienze Umanistiche dell'Università degli Studi di Genova. Nel 1952 il Comune di Albissola Marina assegnò a Lucio Fontana la cittadinanza onoraria; l'artista italo-argentino aveva iniziato a frequentare i laboratori ceramici albisolesi nel 1936, operando principalmente presso la manifattura di Giuseppe Mazzotti, e da allora le Albisole (specialmente Albissola Marina) erano diventate la sua seconda casa, un importante luogo di relazioni umane ma, soprattutto, di sperimentazione e sviluppo della sua ricerca scultorea.