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Pubblicazione realizzata in occasione della presentazione degli artisti selezionati per il Premio Osvaldo Licini by Fainplast 2024, giunto alla sua quarta edizione. Il premio è intitolato a Osvaldo Licini, figura centrale dell’arte italiana del Novecento e uno degli artisti marchigiani più significativi, di cui la città di Ascoli Piceno conserva un importante nucleo di opere. L’evoluzione artistica di Licini ha segnato un percorso rivoluzionario che ancora oggi ispira le nuove generazioni. La sua pittura, in cui convivono tensione tra forma e colore, tra segno e spazio, ha aperto nuove strade nella comprensione del linguaggio visivo, fondendo elementi figurativi e astratti in un vocabolario immaginifico e visionario. È proprio questo spirito di continua ricerca e audace sperimentazione che ritroviamo nei cinque artisti selezionati per l’edizione 2024 del Premio: Luca Bertolo, Guglielmo Castelli, Claudio Coltorti, Alessandro Pessoli e Alice Visentin. Il Premio Osvaldo Licini by Fainplast si conferma così un riconoscimento che celebra e promuove l’eccellenza nella pittura contemporanea italiana.

Catalogo realizzato in occasione della mostra personale Ma sedendo e mirando. L'intruso di Luca Bertolo, vincitore assoluto del Premio Osvaldo Licini by Fainplast 2024, visitabile dal 14 dicembre 2024 al 4 maggio 2025 presso la Galleria d’Arte Contemporanea Osvaldo Licini di Ascoli Piceno. ”La mostra di Luca Bertolo, intitolata Ma sedendo e mirando. L’intruso, si configura come un’esplorazione profonda e stratificata dei concetti di intrusione, limite e trasformazione, intrecciando riflessione filosofica e pratica artistica. Il titolo stesso, che unisce il celebre verso leopardiano tratto da L’infinito e il concetto di ‘intruso’ elaborato da Jean-Luc Nancy, suggerisce un dialogo complesso tra l’atto contemplativo e l’irruzione di un elemento destabilizzante. […]” Dal testo “Luca Bertolo. Ma sedendo e mirando. L'intruso” di Alessandro Zechini.

“La storia artistica di Renza Sciutto è tutt’uno con la sua storia umana, perché esistenza ed arte sono, per lei, l’inscindibile binomio – il corpo e l’anima – dell’essere. Se ha ragione Dostoevskij nel sostenere che la vita, per rivelare un possibile senso, deve essere amata più della sua logica, il senso rivelato della vita di Renza è certamente l’arte. L’arte assoluta, libera da ogni forma di condizionamento. L’arte come senso del vivere, appunto, ovvero come salvezza per l’io e per il mondo...” (dal testo “L’angelo dell’oltranza. Renza Sciutto e il dono dell’arte” di Giannino Balbis)

Volume pubblicato in occasione della mostra "Ilaria Feoli. Un giardino di poesie fiorite", a cura di Livia Savorelli, Guidi&Schoen arte contemporanea, Genova, 11 aprile – 10 maggio 2025. “Parlare unicamente di fotografia per identificare il medium espressivo della giovane artista avellinese è errore da non compiere, essendo la sua ricerca un percorso stratificato che unisce fotografia analogica, attraverso la stampa ai sali d’argento, collage, ricamo e utilizzo del ready-made, per dare il più ampio spettro di possibilità alla narrazione e «per rafforzare dei concetti e delle sensazioni, aprendo un varco in cui l’osservatore si possa proiettare nella surrealtà, lasciando definitivamente la razionalità e immergendosi nei paradossi e nelle oniriche stanze/istanze». Tutto ciò che la Feoli introduce nella sua opera fa parte quindi di un processo di scomposizione e destrutturazione dell’immagine, anche attraverso l’utilizzo delle già citate figure retoriche e della metafora per creare “nuovi orizzonti” e “spazi illusori”, ma anche della natura semantica della parola che diventa porta di accesso al surreale”.

Dopo tre anni di lavori, tra ideazione, ricerche d’archivio e costruzione del progetto editoriale, l’Archivio Manuela Bedeschi presenta la monografia, curata da Matteo Galbiati, intitolata "Manuela Bedeschi. Pensa guarda ascolta". Il volume, ripercorrendo nelle testimonianze critiche quarant’anni di ricerca e lavoro dell’artista vicentina, si concentra in modo peculiare sugli ultimi 25 anni di attività che la vedono impegnata in un esercizio espressivo in cui la luce – al neon nello specifico – è parte fondamentale del suo impegno di riflessione estetica. Questo volume dà modo, quindi, di compiere un itinerario completo e totale che rende testimonianza utile di ogni mostra personale – tranne qualche eccezione per valore e rilevanza di progetto – in cui Bedeschi si è attivata, in ciascuna circostanza come è sua consolidata abitudine, in un lavoro site-specific. Bedeschi nelle sue installazioni unisce in un universo di senso personalissimo la pittura, la scultura, l’installazione e concede sempre allo sguardo dell’osservatore il modo di vivere l’esperienza dell’opera con modalità, sensibilità e sentimenti differenti.

Volume pubblicato in occasione della mostra Trame esplorative: un viaggio attraverso l’arazzo - curata da Nadia Stefanel e promossa da Dino Zoli Textile e Fondazione Dino Zoli - Fondazione Dino Zoli, Forlì, 26 ottobre 2024 - 19 aprile 2025. Trame esplorative propone un viaggio attraverso l’evoluzione dell’arazzo contemporaneo in Italia con alcune incursioni europee ed extra europee, dagli anni ‘50 del XX secolo ad oggi, mettendo in evidenza come questo mezzo tessile, tradizionalmente visto come un’arte decorativa, sia diventato una forma espressiva innovativa e plurale, capace di intrecciare storie, culture e tecniche. L’arazzo, come linguaggio visivo contemporaneo, ci racconta di sperimentazioni e innovazioni tessili, di collaborazioni tra artisti e artigiani, tra tradizione ed esperimenti moderni, in dialogo con movimenti artistici d’avanguardia, come l’astrattismo, e con il design industriale.

Volume pubblicato in occasione di Quel dolce e flebile sentire… Da ramo spoglio ad icona sacra, mostra personale di Sara D’Avola, a cura di Nicoletta Biglietti, 2 marzo - 4 maggio 2025, Villa Medici del Vascello, San Giovanni in Croce, Cremona. “È proprio radicandosi nel desiderio inesauribile di interconnessione tra uomo e natura che si trova la ricerca di Sara D’Avola. Una ricerca volta a tradurre l’invisibile in visibile, il pensiero in immagine e l’apparire in eterno e indissolubile sentire. Un progetto, quello che sta alla base della mostra intitolata Quel dolce e flebile sentire… Da ramo spoglio ad icona sacra, che nasce da un’esperienza poetico-riflessiva in cui le potenzialità della fotografia si intrecciano con quelle dell’ascolto e della comunicazione artistica. Nata in Brianza nel 2018, la serie Anime della Foresta – serie da cui sono tratte le opere esposte, si propone infatti di rendere manifesto l’ancestrale rapporto tra Uomo e Natura, trasformando la terra, la materia e la vita che risiede nella stessa, in un’immagine eterna ma profondamente soggettiva”. Dal testo Quel dolce e flebile sentire… Da ramo spoglio ad icona sacra di Nicoletta Biglietti.

Catalogo realizzato per la mostra "Antonio Bardino e Francesco De Molfetta. Dual Nature" presso la galleria Area\B di Milano (18 marzo - 15 maggio 2025). "Francesco è scultore e ama policromie vistose. Antonio è pittore e ama tonalità controllate. Francesco ha un immaginario eccentrico e imprevedibile, Antonio invece tende ad essere monotematico e seriale. È vero che sono generazionalmente vicini, rispettivamente nati nel 1979 e nel 1973, e che sono il primo dei Gemelli e l’altro della Vergine, segni affini, tuttavia di mostrano con look opposti: bohémien e romanticamente antagonista Demo, disciplinato e low profile Antonio. […] A colmare un po’ le distanze c’è un’affinità caratteriale: in tutt’e due si coglie una certa riservatezza combinata con una chiara determinazione nel percorrere ciascuno le proprie strade senza prestare orecchio al chiacchiericcio artistico circostante…" Dal testo "Eppur così affini" del curatore della mostra Giuseppe Frangi.

"Il Museo della Ceramica Giuseppe Gianetti è un'abitazione trasformata in museo, dove gli arredi, i cimeli e gli oggetti di uso personale e quotidiano della famiglia fanno parte del percorso espositivo, oltre alle collezioni di ceramiche del Settecento, di quadri, sculture ed oggetti in ceramica contemporanea. Dobbiamo la bellezza delle opere esposte al gusto e alla cultura di un uomo, Giuseppe Gianetti, che ha saputo, nella sua vita, mettere passione sia nel lavoro che nell’arte, raccogliendo oltre 700 ceramiche, ma anche oggetti ed elementi d’arredo, per circondarsi di bellezza. La sua passione, colta ed elegante, è stata talmente incisiva nella vita delle persone che l’hanno circondato da essere trasmessa anche alle cognate, che, insieme alla moglie Nina Biffi, hanno donato la villa di famiglia per creare il museo..." (Dal testo "La Casa-Museo" della direttrice Mara De Fanti)

Monografia dedicata all’artista Nataly Maier (Monaco di Baviera, 1957) e alle sue opere scultoree. “Nell’estendere il discorso fotografico allo spazio e dunque nel dare all’immagine un corpo fisico, capace di occupare l’ambiente mediante stratagemmi di richiamo e rimando al mondo della vita, Maier assume un atteggiamento versatile: sposta l’asse da un mondo piallato (quello della parete) a uno tridimensionale per occupare l’area dello spettatore con oggetti strappati al quotidiano e riformulati con un certo calibro di ironia e di poeticità”. (Dal testo Estroflessioni estrose di Antonello Tolve)

Catalogo realizzato per la mostra personale di Mimmo Iacopino dal titolo “Pittura latente“, presso Galleria Melesi di Lecco, a cura di Angela Madesani e Sabina Melesi. “Tu mi chiedi perché non dipingo. Posso cercare di spiegartelo a parole. Nel mio percorso, la pittura non è presente, ma è latente. Lavoro con materiali che spesso interagiscono con la luce, come il velluto, il raso, il rame, i metalli o le superfici specchianti. La mia ricerca è orientata al rapporto che questi materiali cangianti hanno con la luce. Le opere acquistano profondità e cambiano nel momento in cui vengono osservate; spostandosi, l’opera interagisce con lo spettatore. È quasi come se cercassi una sorta di chiaroscuro o di tridimensionalità nell’opera, elementi tipici della fotografia.“ (Mimmo Iacopino)

L'opera di Stefania Puntaroli è un "perpetuum mobile" in costante ricerca di un punto di quiete che si sposta continuamente senza che lo si possa mai raggiungere. Non solo, il nomadismo linguistico la conduce a cercare di affrontare più linguaggi contemporaneamente spaziando dalla performance alla pittura, dal disegno alle tecniche incisorie. Nelle recenti "Anatomie" ha sviluppato un senso particolare per l'iperbole visiva per un universo al limite tra naturale e soprannaturale che era presente nel suo lavoro fin dal lontano 1995 ("Creatures") al termine dei suoi studi accademici.