Silvana: Arte

L'opera di «Anne et Patrick Poirier» manifesta il profondo cambiamento di paradigma nell'arte contemporanea agli inizi degli anni Settanta, quando diversi artisti emergenti, su entrambe le sponde dell'Atlantico, diedero vita a nuove narrazioni e si orientarono verso una visione antropologica dell'arte determinata da metafore culturali, simboli storici e mitologici, e modelli etnografici. Le esperienze personali e microcomunitarie, le memorie e le convenzioni culturali, i differenti modelli di sistemi di valori collettivi, i diversi concetti di tempo e universo divennero così parte di una nuova narrazione. Anne et Patrick Poirier, Christian Boltanski, Annette Messager, Nikolaus Lang, Charles Simonds e molti altri artisti dell'epoca crearono un nuovo linguaggio in cui si riflettevano i loro interrogativi su miti, metafore e narrazioni collettive. La corrente artistica della cosiddetta mitologia individuale fu la risposta artistica alla sfida del formalismo, dell'ultimo minimalismo e delle diverse pratiche artistiche strutturali e analitiche, e sottolineò l'impegno dell'azione artistica nel contesto della storia, della mitologia, dell'etnografia e della coscienza culturale. Da oltre quarant'anni, Anne et Patrick Poirier operano sovversivamente, servendosi di diverse forme di emulazione: imitano le attività degli archeologi, degli etnografi, degli studiosi di storia, riproducendo appunto reperti archeologici, documentazioni scientifiche, presentazioni museali, rielaborazioni storico-culturali. Archeologia e studi scientifici sulle civiltà del passato forniscono il materiale per approfondire questa ricostruzione necessaria a un'immaginazione libera da ogni vincolo, dove l'artista è costantemente alla ricerca di analogie valide con la vita attuale. Le loro installazioni, gli oggetti, le immagini e i testi confluiscono in una sorta di opera d'arte totale, incarnando due visioni complementari: quella dell'architetto che costruisce e quella dell'archeologo che scava in profondità.

"Giovan Francesco Caroto (Verona?, circa 1480-1555) emerge come la figura più eclettica e affascinante dell’arte veronese nella prima metà del XVI secolo. Intelligente, curioso, spiritoso, giramondo, lavora a Mantova sotto la guida di Andrea Mantegna alla corte dei Gonzaga, a Milano al servizio di Antonio Maria Visconti e a Casale Monferrato alla corte dei Paleologo. Conosce e apprezza la pittura fiamminga e nordica, la scuola emiliana, la maniera moderna di Leonardo da Vinci e Bramantino e in età matura abbraccia il linguaggio di Raffaello e dei suoi seguaci. Raggiunge forse i suoi esiti più personali e felici nel ritratto e nella pittura di paesaggio. Il volume illustra oltre centoventi opere riunite nelle sale di Palazzo della Gran Guardia a Verona e comprende una rete di itinerari nel museo diffuso della città, tra le chiese per le quali il maestro ha lavorato e i musei che espongono opere sue e dei suoi contemporanei."

Il volume offre un primo contributo a un tema poco indagato della storia dell’Italia settentrionale: la presenza, fra Cinquecento e Ottocento, di persone originarie del continente africano. La ricerca svolta su dipinti, sculture e opere a stampa fornisce una testimonianza diretta del loro ruolo nella società, della loro vita caratterizzata spesso da stenti e umiliazioni derivanti dalla schiavitù, ma a volte anche da percorsi di riscatto e perfino di successo personale. Il racconto si articola in sezioni dedicate alle diverse modalità di raffigurazione delle presenze africane – ora considerate per il loro ruolo storico o morale, ora per il loro valore mitico o leggendario, fra stereotipi e storie vere – e si chiude con i lavori di Theophilus Imani, ricercatore visivo italiano di origine ghanese, che attraverso i suoi dittici fotografici evidenzia il contrasto fra l’iconografia classica occidentale e la rappresentazione del corpo nero nella contemporaneità.

Le collezioni d'arte del Palazzo Reale di Torino comprendono prestigiosi servizi da tavola in porcellana, biscuit e cristallo, realizzati dalle principali manifatture d'Europa, tra cui Meissen, Vienna, Berlino e Baccarat e acquistati nel tempo dai Savoia. Questa guida breve illustra il nuovo percorso di visita allestito nelle sale da pranzo, nei salotti da colazione, caffè, cioccolata e tè, accompagnando il visitatore alla scoperta di oggetti preziosi per le tavole imbandite negli ambienti regali.

Hermann Nitsch, personalità di straordinario rilievo della storia dell'arte austriaca, creatore di performance e installazioni, nonché pittore e disegnatore, realizza attraverso le sue espressioni artistiche un vero e proprio "teatro totale" che unisce mito ed estetica, metafore religiose e vita quotidiana, classicismo e arcaismo per arrivare addirittura all'elemento barbarico, il tutto in una forma monumentale che non ha eguali. Nel suo progetto d'opera d'arte totale, il Teatro delle orge e dei misteri, Nitsch rivela le riserve di significato etiche ed estetiche dell'azionismo, un'arte derivata dal mito e forgiata dall'artista-filosofo, che si manifesta nell'attività delle masse che prendono parte alla rappresentazione.

Il quaderno di studi presenta gli atti del convegno sull'educazione all'immagine promosso dal Museo di Fotografia Contemporanea nell'ottobre 2020. È rivolto a docenti, formatori ed educatori e vuole offrire spunti di riflessione sui possibili usi della fotografia, intesa come risorsa e linguaggio, all'interno dei programmi scolastici di diverso ordine e grado. Nel volume sono raccolti i contributi di studiosi e operatori provenienti da diversi ambiti di ricerca, dalla storia dell'arte all'estetica, dalla neurologia alla psicologia e alla pedagogia: Pasquale Campanella, Anna Castagnoli, Marco Dallari, Nicola De Pisapia, Laura Formenti, Chiara Frigerio, Vittorio Gallese, Alessia Lanzi, Franco Lorenzoni, Silvia Mascheroni, Melina Mulas, Maria Teresa Nardi, Cristina Nuñez, Roberta Opassi, Gustavo Pietropolli Charmet, Andrea Pinotti, Katia Provantini, Franca Zuccoli.

"[...] Nei miei quadri entrò una pagana felicità tanto nello spirito dei soggetti che nello spirito del lavoro che si fece più libero e lirico". È con queste parole che lo stesso Massimo Campigli descrive la visita al Museo Etrusco di Villa Giulia a Roma nel 1928, attribuendole una valenza fondamentale per lo sviluppo della fase più matura della sua produzione artistica. Il catalogo accosta una studiata selezione di opere di Campigli ai reperti etruschi con i quali instaura una naturale condivisione di atmosfere, segni e colori. Un approfondimento specifico e inedito, che diventa occasione per illustrare prezioso materiale archeologico ancora da valorizzare e in gran parte mai esposto al pubblico, fino a oggi conservato dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per la provincia di Viterbo e l'Etruria Meridionale nei depositi dell'alto Lazio.

Il catalogo rappresenta il primo censimento, importante per la qualità della ricerca e per i risultati, del patrimonio dei dipinti dal Tardogotico al Neoclassico della Collezione della Fondazione Banco di Sicilia. Oltre al nucleo principale comprendente capolavori barocchi di Mattia Preti, Luca Giordano e Francesco Solimena, la raccolta si distingue per un gusto collezionistico eterogeneo caratterizzato da generi artistici diversificati: opere perlopiù inedite e inizialmente prive di un nome per le quali è stata individuata l’attribuzione puntuale oppure, comunque, identificata la cultura di appartenenza. Ne emerge uno spaccato collezionistico variegato, arricchito di notizie, precisazioni critiche e puntualizzazioni iconografiche. La ricerca, realizzata da giovani studiosi formatisi presso la Fondazione Roberto Longhi, conferma l’impegno dell’istituzione fiorentina per lo sviluppo degli studi storico-critici, dando seguito all’illuminato desiderio della Fondazione Sicilia di catalogare e valorizzare il proprio patrimonio artistico.

Il volume è dedicato ai corali di San Giorgio Maggiore a Venezia, una delle principali testimonianze della miniatura italiana del Rinascimento, fortunatamente ancora in gran parte conservati nell'Abbazia che li commissionò. Testi e musica destinati alla preghiera quotidiana dei monaci sono accompagnati da illustrazioni condotte a mano con colori a tempera e lamina d'oro da miniatori quali Belbello da Pavia, Jacopo del Giallo, il Maestro dell'Antifonario Q e il Secondo Maestro dell'Antifonario M, artisti che proprio dal loro lavoro a San Giorgio derivano il nome. I saggi, le biografie dei miniatori e le schede di catalogo a firma di studiosi e specialisti di settore guidano il lettore, assieme a uno straordinario e inedito apparato iconografico, nella conoscenza dei corali, esaminati con uno sguardo interdisciplinare. Le nuove ricerche sulla storia, la liturgia, la musica dei volumi, assieme alla puntuale lettura stilistica e alle indagini scientifiche sulle miniature, restituiscono la grandezza della committenza benedettina e degli artisti che per essa operarono.

Dedicato all'arte del Settecento veneziano, il volume è pubblicato in occasione del centenario della fondazione del Museo Davia Bargellini di Bologna e riprende una delle linee tematiche che avevano sostenuto il progetto museografico del fondatore e primo direttore del Museo, Francesco Malaguzzi Valeri: l'idea di rievocare il «fastoso Settecento», con il suo corredo di «ricchi mobili», «ori corruschi», oggetti legati alle abitudini di vita di cavalieri e dame affaccendati nei rituali della mondanità, «un mondo scomparso» che poteva così «rivivere nell'immaginazione» dei visitatori. Al patrimonio del Museo Davia Bargellini, testimonianza dell'abilità di ebanisti, vetrai, artigiani operanti nelle botteghe veneziane del Settecento, è accostata una selezionata campionatura di modelli d'abbigliamento e accessori della moda sia femminile che maschile conservati presso il Museo di Palazzo Mocenigo di Venezia, che documenta il fasto della società laica, ma anche la solennità del potere ecclesiastico, rappresentato da paramenti sacri di raffinata manifattura tessile prodotti nella Serenissima. Alcuni dipinti di Pietro Longhi e della sua scuola restituiscono infine l'immagine più autentica della vita quotidiana del patriziato veneziano, colto anche nella sua dimensione domestica: la presenza di "scene di costume" del pittore veneziano illustra, con sensibilità per il "vero" affine a quella del coevo commediografo Carlo Goldoni, la "piacevolezza del vivere", che fu specchio dei tempi.

Il volume raccoglie gli atti del convegno internazionale “Picta Fragmenta. Rileggendo la pittura vesuviana” dedicato alla pittura parietale di Pompei, Ercolano e degli altri siti della regione del Vesuvio, ospitato nel settembre 2018 al MANN di Napoli. Una pubblicazione monografica imponente e di grande rilevanza, che offre uno sguardo aggiornato e interdisciplinare sui molteplici aspetti che, a partire dal vasto repertorio offerto dai reperti della regione vesuviana, riguardano la pittura parietale antica: dai linguaggi formali ai repertori tematici e iconografici, dagli elementi tecnici alla figura dei pictores, dall’organizzazione delle botteghe ai rapporti con la committenza, dagli indicatori cronologici ai contesti di lavoro, fino ai nuovi ritrovamenti e alle connesse metodologie di restauro e conservazione. Più di cinquanta contributi e oltre ottanta autori, per un volume di riferimento in materia storico-artistica e archeologica.

Il volume racconta la figura di Luigi Magnani (1906-1984), uno dei massimi collezionisti di opere d'arte al mondo, che nella sua casa delle meraviglie presso Parma — la Villa dei Capolavori — realizzò un'impresa degna di un eroe romantico, un vero Pantheon di celebri artisti: da Tiziano a Monet, da Goya a Morandi. L'amore congiunto di Magnani, uomo di cultura tra i grandi della sua epoca, per la pittura, la musica e la letteratura viene narrato attraverso i testi di importanti studiosi e le immagini di numerosi capolavori che si affiancano a quelli di Magnani stesso, a testimoniare i suoi interessi e gli incontri con le grandi personalità di ogni tempo che egli frequentò alle quali si appassionò intellettualmente.