Silvana: Arte

Il volume "Caravaggio: Fashion and fabrics" trae ispirazione dalle collezioni di tessili antichi appartenenti alla Diocesi di Novara e custoditi all'interno delle antiche sacrestie, nelle sue numerose chiese. L'abilità di Caravaggio nel catturare su tela indumenti così preziosi - con la loro tessitura cangiante, gli arabeschi e i motivi decorativi - permea una nuova narrativa, descrivendo come gli abiti possano indicare molto più di una semplice scelta di moda. Concentrandoci sui Bari di Caravaggio, siamo in grado di riconoscere come le tre figure rappresentate si distinguano per classe sociale, età e aspetto. Tali differenze sono sottolineate dagli abiti che indossano e, osservando più attentamente, appare chiaro che i tessuti raffigurati nel dipinto sono paragonabili a quelli presenti, appunto, nelle collezioni storiche novaresi. Con un'analisi arguta e dettagliata, gli autori del presente volume offrono un'ampia rassegna dello sviluppo della moda e dei tessuti fra il XVI e il XVII secolo, il periodo di massimo splendore dell'industria tessile italiana.

Il volume propone un'ampia selezione di opere, dal Trecento ai primi anni dell'Ottocento, dedicate al tema della Maddalena, la figura femminile più rappresentata nella storia dell'arte dopo la madre di Gesù. "Maddalena", ricorda Sgarbi, co-curatore del libro, "è una donna che non si è distinta per la sua vita castigata, per la preghiera e per le azioni condotte in ordine ai principi cristiani. Esattamente l'opposto. È una donna vissuta nel peccato, anche se è guardata da Cristo come una presenza vicina. Infatti, il loro è un rapporto affettivo e intenso, in cui Gesù rispetta anche la vita peccaminosa della donna. Il suo peccato non è respinto o guardato con riprovazione, ma è una condizione umana, nella natura della donna, che Cristo comprende, ammette e legittima". Sono proprio questi gli elementi esaltanti nell'iconografia che la riguardano, ripresa con variazioni significative da numerosi artisti qui presentati, tra cui Simone Martini, Carlo Crivelli, Domenico Tintoretto, Louis Finson, Orazio Gentileschi, Guido Cagnacci, Mattia Preti, Antonio Cavallucci, Antonio Canova, solo per citarne alcuni.

Con oltre seimila oggetti provenienti in larga parte dall'Europa e dal continente asiatico, Villa san Luca in Ospedaletti (Imperia) - splendida casa-museo allestita dagli antiquari e collezionisti Luigi Anton e Nera Laura donata al FAI - Fondo Ambiente Italiano nel 2001 - si impone come una delle raccolte private dedicate alle arti decorative più importanti nel territorio italiano. Il presente catalogo propone al pubblico una selezione dei pezzi più rappresentativi della vasta ed eterogenea collezione di argenterie prodotte in varie nazioni europee dal XVII al primo trentennio del XIX secolo: dagli antichi stati germanici a quelli della penisola italiana, dalla Francia all'Inghilterra, gli oggetti descritti in queste pagine testimoniano la grande abilità dei maestri argentieri nel modellare il prezioso metallo secondo le tendenze artistiche del momento, proponendo inoltre un "compendio" pressoché completo delle principali tipologie di vasellame e utensili "domestici" in uso sulle tavole delle classi più agiate nell'arco di tre secoli di storia.

Ugo La Pietra, dopo le esperienze segniche con il Gruppo del Cenobio (1962-1963) e quelle della Lepre Lunare (1964), a metà degli anni sessanta esplora il tema degli "elementi di disturbo all'interno della base programmata" con una serie di opere sia pittoriche (tele e disegni) sia realizzate su metacrilato trasparente sagomato a caldo e inciso a freddo. Queste ricerche visive sono chiaramente riferibili alla sua teoria del Sistema Disequilibrante, sviluppata anche su scala urbana. Il volume accoglie un testo introduttivo di Marco Scotini e apparati biografici.

Nell'agosto del 1962 due minatori, uno italiano l'altro francese, si abbracciarono dopo aver abbattuto l'ultimo diaframma della più lunga galleria mai realizzata fino a quel momento, scavata sotto la più alta montagna d'Europa: era nato il Traforo del Monte Bianco. Questo volume, a cinquant'anni da quella storica data, racconta la storia di un'opera grandiosa che, unendo Courmayeur, in Valle d'Aosta, a Chamonix, nell'Alta Savoia francese, è ancor oggi una delle maggiori vie di trasporto transalpino. Il sogno di una galleria che permettesse di superare il massiccio del Monte Bianco aveva preso forma già nell'Ottocento, ma è solo intorno alla metà del secolo successivo che queste idee possono concretizzarsi in un progetto: nelle pagine di questo volume viene condotta un'attenta, puntuale e approfondita ricostruzione di tutti gli elementi storici, politici ed economici che portarono alla realizzazione di questa grande sfida. I lettori rileggerano cinquant'anni dopo, i possibili significati del contesto ambientale che ha favorito la nascita di quest'opera. Il volume, corredato da fotografie, documenti storici nonché dalle testimonianze di alcuni protagonisti dell'impresa, è completato da apparati biobibliografici.

Il volume è dedicato all'opera realizzata da Claudio Parmiggiani (Luzzara, 1943) per il soffitto della stanza degli amori di Villa Medici, sontuosa dimora cinquecentesca, oggi sede dell'Accademia di Francia a Roma. Come spiega il curatore del volume, la materialità durevole dell'opera di Claudio Parmiggiani conserva la delicatezza e l'apparente fugacità delle cose sognate. Le tracce lasciate dalla fiamma, che ha creato le immagini delle farfalle en grisaille sul soffitto della stanza, sono un invito al sogno e al viaggio mentale. Esse mostrano soprattutto la straordinaria potenza creatrice del sogno e della deriva. In un mondo in cui tutto ci riporta all'illusoria efficienza della produttività, creano, secondo l'aspirazione dell'artista, "un luogo dell'assenza come luogo dell'anima". Corredato dai testi di Éric de Chassey e Philippe Morel, il volume è completato da riferimenti bibliografici.

Matt Mullican ha creato un sistema simbolico personale per definire la realtà che lo circonda. Composto da segni, diagrammi, pittogrammi e simboli. That Person’s Heaven, la più grande opera d’arte realizzata dall’artista, è un tappeto-mappa che può essere attraversato e incidere sulla modalità con cui viene percepito. Camminare sull’opera significa entrare nel suo cosmo personale, esperire un territorio-griglia in grado di interpretare ogni aspetto consapevole e inconsapevole dell’esperienza umana.

Quando nel novembre del 1970 durante il Festival del Nouveau Réalisme, oggi noto come uno dei momenti epocali dell’arte contemporanea a Milano, Christo rimuoveva il telo bianco con cui aveva impacchettato il Monumento a Vittorio Emanuele II di piazza del Duomo per coprire il Monumento a Leonardo di piazza della Scala, Luigi e Peppino Agrati vivevano in diretta il grande evento, entrando da subito in contatto con l’artista a cui commissionarono alcuni interventi per il giardino della loro villa. Grandi imprenditori, gli Agrati hanno condiviso un’intuizione sensibile e sottile per l’arte, capace di cogliere le profondità delle immagini che stavano “costruendo” il loro tempo. La mostra è la prima occasione per rivelare al pubblico la collezione, donata con generosità e lungimiranza da Luigi Agrati a Intesa Sanpaolo, attraverso una selezione rappresentativa di opere di arte italiana e americana. Da un primo grande nucleo di sculture di Melotti ad alcuni capolavori di Fontana, Burri e Klein, l’esposizione approfondisce la pittura di “nuova figurazione” italiana per arrivare alle radici della nascente Arte Povera. La scoperta dell’arte americana corrisponde all’acquisto di opere dei principali esponenti sia della corrente Pop – ne è icona Andy Warhol e il suo monumentale Triple Elvis – sia delle tendenze minimali, di cui è emblematico il grande neon di Dan Flavin dedicato a Peppino Agrati. In una sorta di costellazione plurima accanto all’arte italiana entrano così nella raccolta le straordinarie opere di Robert Rauschenberg, collezionato ampiamente dalla fine degli anni Sessanta fino agli anni Ottanta, di Cy Twombly, originale mediatore tra cultura d’oltreoceano e cultura italiana, e di artisti concettuali come Bruce Nauman e Joseph Kosuth, le cui ricerche sul linguaggio sono messe in dialogo con quelle di Alighiero Boetti e Vincenzo Agnetti.