Damiani

Bogotà: 8 milioni di abitanti, altissima percentuale di popolazione sotto il livello minimo di sussistenza, settecentomila persone sieropositive, la maggior parte giovani e donne. Molte le situazioni dove i diritti fondamentali sono negati: dove i ragazzi sono costretti a lavorare forzatamente, dove abusi e maltrattamenti si mischiano alla normale quotidianità della vita. Paolo Degiampietro cattura sguardi, gesti, comportamenti dei bambini nella loro condizione di lavoratori, negli spazi dedicati al tempo libero e allo studio, cercando di raccontarne sogni e aspettative. I suoi scatti mostrano una città poco conosciuta, poco turistica, ma che esibisce la vita vera, attraverso intere famiglie di "desplazados", gli espulsi dai loro paesi natali a causa della guerra, che cercano un modo per costruire un futuro dignitoso. Il volume fa parte del progetto F/8 Project che ha l'obiettivo di documentare l'impegno etico e sociale dello stato civile, dei volontari, delle associazioni ONG, delle ONLUS, delle fondazioni e di tutti coloro che operano per il miglioramento delle condizioni di vita e per il rispetto dei diritti umani nelle varie zone del mondo.

Nato dall'amicizia fra Pete Doherty e il fotografo Fabio Paleari, "I won't give up" è un ritratto volutamente disordinato e informale del front man della band britannica Babyshambles. Dal 2004 al 2006, infatti, Paleari ha seguito Doherty ai concerti, immortalandolo nei backstage, ai party e, soprattutto, in quei momenti che tanto hanno fatto notizia sulle pagine dei tabloid. Magro, femmineo, trasandato, sexy, Doherty appare come l'erede di una tradizione di rocker maledetti sempre in compagnia di una comunità variamente assortita che vive all'insegna di "sex, drug and rock'n'roll e a fianco dell'altalenante presenza della top model Kate Moss.

Specchio del "villaggio globalizzato" e terra di profonde disparità economiche; fucina di nuove tecnologie e paese profondamente arretrato. Questa è l'India delle contraddizioni che negli ultimi anni, fra il clamore di Bollywood e le note della Bhangra music, si è fatta conoscere per il suo risveglio: la nuova letteratura, la nuova moda, la nuova economia e ora arriva anche la nuova arte di cui questo libro, raccoglie le opere e gli esponenti più significativi. Così, il volume passa in rassegna i lavori di Ravinder Reddy, artista che rilegge la tradizione statuaria hindu per raccontare la donna nell'India contemporanea, e quelli di N Pushpamala, ritratti dedicati alle dive di Bollywood e alle donne religiose indiane. La religione è in primo piano anche nelle installazioni di Anita Dube, che rivisitano la tradizione iconografica hindu attraverso il tema dell'offerta, mentre Shilpa Gupta appartiene alla generazione di artisti attivi sulle piattaforme multimediali. Fra gli artisti noti nel panorama internazionale, Subodh Gupta racconta gli oggetti del quotidiano nelle ingombranti sculture metalliche di biciclette, scooter e auto. Forte della sempre più crescente popolarità fra pubblico e critica, l'arte contemporanea indiana è documentata attraverso il lavoro di 14 artisti (Ravinder Reddy, Subodh Gupta, Bharti Kher, N Pushpamala, A. Balasubramaniam, Anita Dube, Krishnaraj Chonat, Shilpa Gupta, Sonia Khurana, harat Sikka, Thukral&Tagra, Tejal Shah, Kriti Arora, Baba Anand).

Durante gli anni '90 Phil Frost ha elaborato un'arte immediatamente riconoscibile fra le strade di New York, ricoprendo muri e materiali di recupero - vecchie ante di porte, tavole e object trouvé - con una texture bianca che fonde insieme primitivismo, graffiti, street art e design grafico. Seguendo questa traccia di straordinario impatto visivo, che ricorda i linguaggi pittorici australiani e hawaiani, Frost ricostruisce l'evoluzione di una cifra grafica ricca di sigle, simboli e loghi stilizzati che conferiscono alle opere di questo artista autodidatta il carattere primordiale dei manufatti tribali. Se è vero - afferma Phil Frost - che "ogni individuo possiede una propria espressività primitiva", la sua azione artistica consiste nel "tatuare" il maggior numero possibile di superfici e oggetti, siano essi una vecchia mazza da baseball o la pelle di una ragazza. Dopo essersi abbondantemente esercitato in strada, guadagnandosi notorietà fra le comunità musicali e quelle di skateboarder, Frost ha confermato la sua popolarità nel 1995 grazie a un documentario a lui dedicato dalla PBS che gli è valso l'ingresso nel circuito delle gallerie e dei musei.

Fantasies presenta due distinti progetti che Lisa Kereszi ha seguito dal 1999 al 2005, periodo in cui la fotografa ha frequentato una serie di locali specializzati in spettacoli di vaudeville/burlesque, fra cui lo Show World, uno strip club di Times Square oggi definitivamente chiuso. Il primo progetto, un reportage dedicato proprio allo Show World quando l'amministrazione Giuliani vietò l'esibizione delle spogliarelliste, introduce le immagini del locale abbandonato con gli armadietti ancora pieni di scarpe e oggetti dimenticati (lo Show World sarebbe presto diventato un teatro off Broadway, il Laff Factory). Il secondo progetto consiste invece in una serie di ritratti di ragazze appartenenti al movimento New Burlesque: performer che praticano l'arte dello strip tease, senza però denudarsi completamente; donne più vicine all'immaginario della pin-up, che non a quello più pornografico delle spogliarelliste. Nel giro di pochi anni il New Burlesque ha lasciato la dimensione underground e, soprattutto, quell'aura di scarsa rispettabilità per diventare oggetto di interesse da parte del cinema e nuovo "capriccio" delle dive di Hollywood. Il trait d'union che lega i due progetti è un senso di fuga, desiderio, fantasia e sensualità.

Miti e riti della società "a stelle & strisce" negli scatti in bianco e nero di un fotografo da sempre interessato agli aspetti sociali e antropologici della cultura statunitense. Partendo dalle grandi ondate migratorie e dal rapido inurbamento avvenuto durante gli anni '60, Owens ha iniziato la sua carriera documentato i raduni di Woodstock (la beat generation, i Rolling Stones ad Altamont) e i cortei pacifisti contro la guerra in Vietnam per diventare, già negli anni '70, il ritrattista ufficiale di quell'American way of life fatto di "neighborhood", steccati bianchi e piccole bandiere piantate in giardino. Questo volume raccoglie le immagini più rappresentative delle sue serie selezionate dall'autore stesso: la celebre "Suburbia" (1970-72); "Our kind of People" (1969-75); "Working (I do it for money)" (1975-77); "Leisure: Americans at play" (1973-80), "After Suburbia" (1975-77); "115 days. A Photographer journey across America" (2003); e l'ultima "New Suburbia" (2006-07). Nelle foto più recenti, a colori e in buona parte inedite, Owens racconta la naturale evoluzione dello scenario di Suburbia: cementificazione a perdita d'occhio e labirintici reticoli stradali in cui si svolge una quotidianità che sembra non concedere più nulla al sorriso e alla curiosità degli scatti effettuati nei precedenti decenni. Introduce il libro una fiction story della scrittrice statunitense A.M. Homes.

"L'ho sentito dire un sacco di volte di me: quello lì, Ronaldo, vive per il gol. Beh, non mi sono mai offeso. È vero: quando gioco a pallone vivo per il gol (e se Dio vuole, quando non sono in campo ho un sacco di altri bei motivi per vivere, e pure bene). Credo sia così per tutti gli attaccanti e forse per me lo è ancora un po' di più. Non posso farci niente, è più forte di me: sarà questione di Dna" (Ronaldo). Scrive Andrea Elefante nel libro: Ronaldo negli ultimi dieci anni ha rivoluzionato il modo di giocare a calcio, di essere attaccante, di segnare. È diventato un personaggio planetario, un totem, un'icona, un dio pagano della religione del pallone. Ha corso più forte di tutti, ha fatto del gol un'abitudine, quasi un evento inevitabile, ha toccato il cielo dei calciatori con un dito, è inciampato sul dolore di un ginocchio spezzato, ha avuto paura di non tornare più, è tornato, è salito sul tetto del mondo, si è ripreso i palcoscenici più prestigiosi, si è promesso e ha promesso di essere ancora il numero uno al mondo.

"Per l'artista giapponese Hidetoshi Nagasawa è di fondamentale importanza l'idea che l'opera deve prendere corpo e anima in stretto rapporto con il contesto ambientale. Deve nascere attraverso una meditata e accurata strategia di coinvolgimento dello spazio, attivato esteticamente dalla messa in scena di installazioni, più o meno elaborate, costituite da elementi che mantengono la loro espressività primaria. In questo senso si può dire che l'opera non è collocata in un luogo ma, per molti versi, è il luogo che diventa un'opera, impregnandosi di profonde e fluttuanti significazioni poetiche. L'aspetto peculiare dei lavori dell'artista - proprio per quella sua originalissima sintesi dialettica fra modalità operative "occidentali" (legate all'area processuale poverista) e valori culturali e filosofici di matrice orientale è una dimensione sempre caratterizzata da un senso di sospensione e levità, da una sobria e raffinata eleganza nelle costruzioni plastiche in cui entrano in gioco diversi materiali come il legno, la pietra e il marmo, il ferro e altri metalli tra cui l'ottone e il rame, con spessori e conformazioni variamente articolate, e anche presenze vegetali viventi." (Francesco Poli)