Dario Cimorelli Editore

Il volume, primo dei due dedicati a Clario Di Fabio e parte della collana Scritti, offre un’ampia ricognizione sul mondo della scultura nelle sue molteplici forme. Cinquantotto saggi brevi, firmati da amici e colleghi italiani e internazionali, compongono un mosaico ricco e sfaccettato che attraversa territori e secoli: dall’Anatolia alla Georgia, da Roma alla Padania, dal Veneto a Napoli e alla Sicilia, fino alla Francia, alla Spagna e alla Germania; dal tardoantico al Novecento, passando per Medioevo, Rinascimento e Neoclassicismo. Seguendo i percorsi di studio tracciati da Di Fabio, gli autori offrono nuove prospettive sull’arte plastica, analizzandone processi produttivi, committenze, riusi, varianti stilistiche e diversità dei materiali. Il volume si apre anche a campi affini – oreficeria, metalli, dialogo fra pittura e scultura, questioni storiografiche – restituendo la complessità di una disciplina che continua a generare letture vivaci e inedite. Un omaggio rigoroso e appassionato alla storia della scultura e alla sua inesauribile vitalità.

Il volume, secondo dei due dedicati a Clario Di Fabio e parte della collana Scritti, raccoglie un ampio ventaglio di contributi che esplorano Genova e la Liguria attraverso la storia, l’archeologia e la storia dell’arte. Amici e colleghi, italiani e internazionali, rendono omaggio alla sua ricerca con saggi che spaziano dalla pittura alla scultura, dall’architettura ai tessili, dai codici miniati agli oggetti preziosi, fino alla storia del collezionismo e della società. Ne nasce un viaggio che attraversa i secoli, dall’Antichità al presente, passando per il lungo Medioevo e per il Cinque-Seicento, il celebre “secolo dei Genovesi”. Attraverso l’analisi di opere, contesti e itinerari culturali, il volume indaga, la città e il territorio nei molteplici livelli del loro spazio urbano, così come nella proiezione verso le Riviere, l’entroterra, le regioni vicine – Piemonte e Lombardia – e il Mediterraneo. Si delinea così un quadro in linea con gli studi di Di Fabio: Genova e la Liguria come crocevia di saperi, immagini, culture, merci e capitali, un territorio in cui il dialogo e la circolazione costituiscono il fondamento stesso dell’identità storica.

Il volume apre un nuovo capitolo nella ricerca dedicata a Ettore Sottsass (1917–2007), presentando oltre mille fotografie in bianco e nero e a colori realizzate tra il 1976 e il 2007, scattate quasi sempre con la sua inseparabile Leica con obiettivo 21 mm, anni che segnano l’incontro con Barbara Radice e l’avvio di una vita condivisa, senza confini tra pubblico e privato. Le immagini raccontano un’esistenza nomade e intensa, da Milano all’India, dalla Tunisia all’Arizona, dall’Egitto alla Siria e al Qatar, passando per Gerusalemme, l’Iran, l’Algeria, il Messico, l’America, la Polinesia francese e la Nuova Guinea, fino alla Sicilia e a Filicudi, in un continuo attraversamento di paesaggi, interni, corpi e gesti quotidiani che trasformano la vita in una vera mise en scène. Il racconto visivo si intreccia con una costellazione di incontri e relazioni: i fotografi da Helmut Newton a Robert Mapplethorpe, insieme a Alfa Castaldi, Giovanni Gastel e Oliviero Toscani, i designer e gli architetti da Andrea Branzi a Michele De Lucchi, da Vittorio Gregotti a Carlo Scarpa, da Shiro Kuramata a Alessandro Mendini e Achille Castiglioni, fino ai collezionisti e protagonisti del sistema dell’arte e della musica come Jean Pigozzi, Max Palevsky, Carla Sozzani, Anish Kapoor e Mick Jagger. Le immagini mostrano una passione tradotta in rituale quotidiano, anticipando l’esposizione mediatica dei social della nostra epoca e restituendo un mondo osservato senza filtri.

Il volume ripercorre l’intera parabola creativa di Mattia Moreni (1920–1999), figura centrale dell’arte europea del secondo Novecento, restituendone la complessità, la forza visionaria e la radicalità sperimentale. Dalle prime ricerche tra postcubismo e astrazione “macchinistica” alla stagione informale che ne consacra il ruolo di protagonista, il libro segue l’evoluzione di un linguaggio inquieto e in continua trasformazione: dal neoespressionismo impetuoso ai provocatori autoritratti, dalle riflessioni sul “regressivo della specie” alle popolazioni di umanoidi che affollano il suo immaginario, tra fumetto, allegoria e premonizione. Attraverso saggi critici e un ricco apparato iconografico, il volume mette in luce la potenza emotiva e anticipatrice della sua opera, che esplora con lucidità – e spesso con ferocia poetica – i rischi di una mutazione collettiva, genetica e mentale.

Il volume ripercorre il ruolo centrale di Wassily Kandinsky (1866–1944) nel panorama artistico europeo di inizio Novecento, seguendo l’evoluzione dell’Astrattismo dai primi anni del secolo al secondo dopoguerra, dalle avanguardie storiche alla piena maturità del linguaggio non figurativo. Attraverso l’analisi del suo pensiero e della sua opera emerge la portata radicale della sua ricerca e l’influenza esercitata sui grandi maestri europei a lui contemporanei – da Paul Klee a Jean Arp, da Joan Miró ad Alexander Calder – uniti dalla tensione verso un’arte capace di superare i confini del reale. Attraverso un approccio storico e critico, il volume indaga anche l’impatto decisivo di Kandinsky sulla scena italiana: dalla storica personale del 1934 alla Galleria Il Milione, che orientò artisti come Lucio Fontana, Osvaldo Licini, Fausto Melotti, Manlio Rho, Enrico Prampolini e Atanasio Soldati, fino al secondo dopoguerra, quando i gruppi Forma 1, MAC e Origine e figure come Carla Accardi, Giuseppe Capogrossi, Piero Dorazio, Achille Perilli ed Emilio Vedova trasformarono l’eredità spirituale kandinskiana aprendo la strada all’Informale e all’Espressionismo astratto.

Il volume presenta l’esito della ricerca artistica di Anna Franceschini (Pavia, 1979) attraverso dodici fotografie istantanee realizzate con la Polaroid 20×24 Land Camera, esemplari unici in formato analogico. Ogni scatto, custodito nel libro, diventa così testimonianza tangibile del lavoro dell’artista, destinato ad arricchire le collezioni delle VILLÆ. Il libro documenta, inoltre, l’apparato scenotecnico ideato da Franceschini per il Santuario di Ercole Vincitore a Tivoli, creato con materiali tratti dal suo archivio personale e ispirato alla storia produttiva del sito. Le immagini evocano le stesse suggestioni che un tempo affascinarono Jan Brueghel il Vecchio e Peter Paul Rubens nella realizzazione a quattro mani del dipinto Marte disarmato da Venere.

Il volume esplora l’eredità internazionale di Aldo Rossi (1931–1997), concentrandosi sull’influenza che il maestro esercitò in Svizzera a partire dagli anni Settanta e sul modo in cui la sua opera continua a generare riflessioni, reinterpretazioni e trasformazioni nel panorama architettonico contemporaneo. Attraverso saggi e contributi critici, il libro ricostruisce le traiettorie di un pensiero che, pur radicato nella cultura italiana, ha saputo oltrepassare confini geografici e disciplinari, mantenendo intatta la propria forza poetica e teorica. Ne emerge un racconto corale, un viaggio tra teorie, pratiche e memorie che interroga la sopravvivenza dell’architettura rossiana nel tempo. Come in un “poema della strada non percorsa”, la figura di Rossi affiora in filigrana, evocata più che descritta, per riflettere su ciò che, nato sotto la sua influenza, si è ormai trasformato in qualcosa di nuovo: un’eredità viva, molteplice e ancora capace di ispirare il futuro.

Il volume presenta due nuclei fondamentali della collezione grafica del Museo Villa Bassi Rathgeb, offrendo un ampio attraversamento della storia del disegno e dell’incisione. Il primo nucleo, appartenente alla raccolta storica donata alla città tra il 1972 e il 1980, riunisce fogli di grandi maestri attivi tra XVI e XIX secolo: Bernardino Campi, Giandomenico Tiepolo, Paolo Vincenzo Bonomini, Giacomo Quarenghi, Francesco Hayez, Giovanni Migliara e altri autori lombardi dell’Ottocento, insieme ad acqueforti di Adriaen van Ostade e incisioni da Tiziano, Bassano, Guercino e Longhi, fino a Cesare Tallone e Rinaldo Agazzi. Il secondo nucleo è dedicato a Leonor Fini, con ventiquattro opere su carta tra litografie e fotolitografie che testimoniano la forza immaginifica e la libertà stilistica della grande artista del Novecento. Il volume mette così in dialogo passato e contemporaneità, restituendo la ricchezza di un patrimonio grafico unico e il ruolo del museo come luogo di conservazione, studio e valorizzazione.

Il volume riporta alla luce una selezione di fotografie in gran parte inedite, recuperate dall’archivio privato di Fabio Ciriachi (Roma, 1944), che dopo oltre cinquant’anni rivelano lo sguardo vivace e partecipe di un giovane autore capace di raccontare, con ironia e profondità, una quotidianità segnata da contestazioni politiche, sperimentazioni teatrali, comunità hippie e vita di borgata. Un mondo scomparso, ma restituito con sorprendente freschezza e intensità. Il libro ricostruisce anche il percorso poliedrico di Ciriachi, attivo tra pittura, teatro, fotografia e scrittura. Negli anni Sessanta e Settanta lavorò come fotografo freelance per diverse testate, prima di ritirarsi nelle comuni agricole. Cofondatore della rassegna Confluenze e della rivista “Pagine”, si è poi affermato come recensore e autore di racconti, romanzi e poesie.

Il volume offre un’intensa ricognizione nell’universo ritrattistico di Lia Pasqualino (Palermo, 1970), fotografa che fa dell’attesa e del silenzio la sostanza stessa del proprio sguardo. Allieva di Letizia Battaglia, con cui condivide l’interesse per la fotografia di reportage, Pasqualino si distingue per la capacità di restituire ai soggetti la libertà di rivelarsi, cogliendo l’istante sospeso in cui lo sguardo diventa coscienza. In queste immagini – che alternano volti celebri, come Jeanne Moreau, Michel Piccoli ed Emmanuel Carrère, a bambini e sconosciuti di Palermo –il ritratto si fa incontro, meditazione, empatia. Attraverso i contributi di Roberto Andò, Gabriel Bauret, Antonio Calbi, Giovanna Calvenzi, Tomaso Montanari e Ferdinando Scianna, il volume approfondisce la poetica di un’autrice che, tra opacità e trasparenza, ha saputo trasformare la fotografia in luogo di umanità condivisa e di rivelazione interiore.

Il volume accompagna la prima grande mostra milanese dedicata a Elio Ciol (Casarsa della Delizia, 1929), tra i più importanti fotografi italiani del Novecento. Attraverso una selezione di 100 immagini, dalle più celebri agli scatti meno noti, il libro restituisce la profondità di una ricerca che intreccia rigore formale e spiritualità, documentazione e poesia. Paesaggi, architetture e volti diventano meditazioni sulla luce, sul tempo e sull’uomo, colto nel suo silenzioso dialogo con il mondo. Fin dagli anni Cinquanta Ciol elabora un linguaggio personale, radicato nella terra friulana ma aperto al mondo: dalle campagne friulane e umbre ai canyon americani, dalla Libia all’Armenia e alla Terra Santa. Il volume include anche le sue campagne fotografiche per l’editoria d’arte, gli scatti del film Gli ultimi di padre David Maria Turoldo e i ritratti di figure come Pier Paolo Pasolini e William Congdon, rivelando una visione sospesa tra realtà e contemplazione.

Il volume documenta il progetto site-specific presentato dalla Bibliotheca Hertziana negli spazi di via Gregoriana 9, a pochi passi dalla sede storica dell’Istituto. Attraverso un ricco apparato iconografico e saggi critici, il volume restituisce la complessità di un evento senza precedenti: la temporanea riattivazione di un edificio carico di memorie culturali prima della sua trasformazione in nuova estensione della Bibliotheca. Il volume riunisce le opere di oltre venti artistə italianə e internazionalə — Vincenzo Agnetti, Louise Bourgeois, Francesca Cornacchini, Jesse Darling, Eva Fàbregas, Tarik Hayward, margaretha jüngling, Thomas Julier, Tarik Kiswanson, Corrado Levi, Paul Maheke, Marie Matusz, Mónica Mays, Hana Miletić, Effe Minelli, Lulù Nuti, Francesca Pionati e Tommaso Arnaldi, Aurélien Potier, Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Prem Sahib, Davide Stucchi, Grégory Sugnaux, Ian Waelder e Rachel Whiteread — attivə tra scultura, pittura, fotografia, video e performance. Attraverso un percorso poetico e sensoriale, il libro documenta come le loro opere, molte delle quali concepite appositamente per l’occasione, instaurino un dialogo profondo con l’architettura decadente dell’ex galleria Spiridon – poi celebre sede del club La Cage aux folles negli anni Ottanta – trasformando la rovina in un luogo di memoria, stratificazione e riflessione contemporanea.