Dario Cimorelli Editore

L’Istituto Villa Adriana e Villa d’Este lancia un nuovo progetto editoriale per raccontare le sue collezioni archeologiche, storico-artistiche e antropologiche. La pubblicazione esplora il patrimonio dei siti dell’Istituto, partendo da Villa Adriana, la cui diaspora di opere è stata in parte arginata dal recupero e dalla conservazione dei ritrovamenti archeologici. Villa d’Este, spogliata nel tempo delle sue collezioni originarie, ospita oggi la Collezione Lemmermann, testimonianza del Grand Tour e del paesaggio tiburtino. Il Santuario di Ercole Vincitore custodisce reperti archeologici e antropologici, offrendo una visione della storia umana dal Neolitico alla tarda età medievale. Le collezioni si arricchiscono anche grazie ai recuperatori del TPC e alle acquisizioni di arte contemporanea, che creano un ponte tra passato e presente. Il volume restituisce così la complessità e il dinamismo di questo patrimonio, garantendone tutela e valorizzazione, in un dialogo costante con il territorio, le istituzioni culturali e il pubblico, affinché il presente possa illuminare il passato e aprire nuove prospettive per il futuro.

Il volume, parte della collana Scritti, frutto della collaborazione tra i Dipartimenti di Architettura e Studi urbani e di Scienze e Tecnologie Aerospaziali del Politecnico di Milano e Nolostand, indaga come la corsa allo spazio, dallo Sputnik al prossimo ritorno sulla Luna, abbia sempre spinto la cultura tecnologica verso limiti inimmaginabili, costellando il presente di scoperte, invenzioni e problematiche (scientifiche ma anche filosofiche) capaci di modificare radicalmente le nostre vite. Attraverso una ricerca trasversale di cinquanta studenti, la pubblicazione raccoglie gli esiti di una rilettura della storia, a partire dal presente e il futuro dello “spazio cosmico” come metafora dello “spazio terrestre”.

Il volume, parte della collana Scritti, ricostruisce la vicenda umana e artistica di Horiki Katsutomi (1929–2021), architetto e pittore giapponese giunto a Torino nel 1968. Attraverso un racconto appassionato e approfondito, prende forma il ritratto di un artista fuori dagli schemi, capace di intrecciare suggestioni culturali lontane: dalla tradizione del Sol Levante all'arte del Rinascimento italiano, dalla Torino sperimentale degli anni Sessanta e Settanta all'eco dell'Odissea, in un continuo dialogo tra memoria e avanguardia. La sua ricerca pittorica, libera e visionaria, si nutre di linguaggi molteplici e attraversa i confini geografici e temporali, delineando una poetica personale, tanto intensa quanto inclassificabile. Il volume ne ripercorre l'opera e il pensiero, restituendone la forza espressiva nel contesto del suo tempo, ma con lo sguardo rivolto oltre. Un omaggio a un artista senza confini.

Il volume raccoglie oltre dieci anni di lavoro sul campo del fotogiornalista Fabio Bucciarelli (Torino, 1980), che con uno sguardo rispettoso e partecipe documenta la quotidianità nei territori palestinesi occupati e nel Libano del sud. Attraverso un linguaggio visivo denso e stratificato, alternando scatti in bianco e nero e a colori, l’autore costruisce una narrazione profonda e immersiva, lontana dai cliché del reporter di guerra. Le immagini, potenti e spesso intime, restituiscono l’impatto umano dell’occupazione: la compressione dello spazio vitale, le privazioni, l’attesa e la resistenza, ma anche la vita che continua nonostante tutto. Le fotografie, realizzate prima e dopo il 7 ottobre 2023, tracciano un itinerario emotivo e politico che attraversa Gaza, la Cisgiordania e il Libano, fino a restituire uno spaccato autentico delle condizioni di chi vive sotto occupazione.

Il volume raccoglie l’intera produzione di manifesti realizzata da Henri de Toulouse-Lautrec, per la prima volta presentata nella sua totalità, grazie al fondo custodito presso il Musée Toulouse-Lautrec di Albi, qui interamente restaurato e riprodotto. In un percorso riccamente illustrato, le celebri affiche dell’artista dialogano con quelle di altri protagonisti della stagione del manifesto fin de siècle, come Jules Chéret e Alfons Mucha, insieme a schizzi e studi preparatori che ne svelano il processo creativo. I saggi di Fanny Girard, Phillip Dennis Cate e Jennifer Heim approfondiscono la tecnica litografica e il contesto culturale in cui esplose la fortuna del manifesto illustrato: mezzo di comunicazione, oggetto estetico, specchio di un’epoca.

Il volume documenta e approfondisce l’omonimo progetto dell’artista realizzato per Arte Sella, restituendone il percorso ideativo, la dimensione poetica e il legame con il paesaggio della Val di Sella. Curato da Lorenzo Fusi, il libro raccoglie saggi critici, immagini delle opere, estratti dai taccuini dell’artista e materiali inediti che accompagnano la genesi e lo sviluppo di un lavoro articolato e site-specific. Attraverso tre nuclei di opere, concepite per dialogare con un contesto naturale segnato dalla trasformazione e dalla fragilità, il volume esplora temi centrali della ricerca di Marzia Migliora: il rapporto tra essere umano e ambiente, la memoria del luogo, l’instabilità climatica e la responsabilità collettiva. La cura, intesa come gesto estetico ed etico, si manifesta come pratica di resistenza e attenzione. "Lotta per l’esistenza" diventa così un libro d’artista e insieme uno strumento di riflessione, che intreccia parola e immagine per interrogare il presente e le sue tensioni ecologiche.

Il volume, pubblicato in occasione della mostra presso la Fondazione Biscozzi Rimbaud di Lecce, è dedicato alla figura di Otto Hofmann (1907–1996), artista tedesco formatosi al Bauhaus di Dessau sotto la guida di maestri come Kandinskij e Klee. La sua ricerca pittorica, radicalmente autonoma, abbraccia l’astrattismo senza vincoli dogmatici, aprendosi a influenze surrealiste, dadaiste e a suggestioni figurative, in un continuo alternarsi di forme iconiche e aniconiche. Attraverso le quasi cinquanta opere selezionate dai curatori Paolo Bolpagni e Giovanni Battista Martini, responsabile dell’Archivio Otto Hofmann, il volume copre un arco temporale che va dal 1930 al 1954. Tra queste si trovano anche gli acquerelli realizzati durante la prigionia e una toccante serie di fotografie che documentano quei tragici anni, restituendo con intensità il legame tra arte e vita, e la forza salvifica che Hofmann seppe trarre dalla creazione in uno dei periodi più bui del Novecento.

l volume documenta trentacinque anni di attività di Alessandro Russo (Catanzaro, 1953), configurandosi come un autentico mid-career book dell’artista. Pittore colto e consapevole, Russo unisce lo sguardo del vedutista alla sensibilità di un cronista del quotidiano, dando vita a una pittura dichiaratamente tradizionale, che guarda ai capricci settecenteschi e ai postimpressionisti, ma resta profondamente radicata nella contemporaneità. Attraverso immagini, testi critici e apparati scientifici, il volume racconta l’evoluzione di una poetica che trasforma i generi classici in strumenti vivi, capaci di rinnovarsi. Il paesaggio urbano, la figura umana, le scene della vita moderna diventano nelle sue tele luoghi della riflessione, della memoria, dello stupore. Una pittura di genere del nuovo millennio, che rivela come alcuni temi dell’arte siano eternamente attuali, al di là di ogni tecnologia o moda.

Il volume, parte della collana Scritti, esplora il lavoro di tredici artisti italiani che, tra il 1957 e il 1977, si sono avvicinati all'animazione e al film in stop-motion per ampliare e completare la propria ricerca visiva. In un periodo segnato dalla straordinaria diffusione di Carosello – contenitore pubblicitario televisivo che ha profondamente influenzato stili di vita, immaginario collettivo e cultura visiva dell'Italia del dopoguerra – questi artisti hanno instaurato un dialogo fertile tra arte e animazione, dando vita a opere sperimentali e originali, sospese tra linguaggi. Gli artisti – Bruno Ceccobelli, Claudio Cintoli, Toni Fabris, Rosa Foschi, Giulio Gianini & Lele Luzzati, Paolo Gioli, Andrea Granchi, Manfredo Manfredi, Magdalo Mussio, Pino Pascali, Luca Maria Patella, Marinella Pirelli e Mario Sasso – e le loro produzioni cinematografiche, spesso poco conosciute, diventano qui oggetto di riscoperta e valorizzazione. Attraverso saggi critici, immagini e documenti, il volume restituisce un mosaico inedito della ricerca artistica italiana del secondo Novecento, in cui animazione e arte si fondono in un linguaggio ibrido, libero e visionario.

Il volume nasce dall’incontro tra lo sguardo fotografico di Vittore Fossati (Alessandria, 1954) e la scrittura di Giorgio Messori (Castellarano, Reggio Emilia, 1955 - Montericco, Reggio Emilia, 2006), che condividono la fascinazione per il paesaggio come luogo fisico, mentale e culturale. Frutto di un lungo cammino attraverso nove luoghi europei – una sorta di grand tour al contrario – al contrario – il libro è insieme diario di viaggio, saggio poetico e libro illustrato, dove immagini e parole dialogano in modo fluido e mai didascalico. La pubblicazione è un tentativo di osservare e restituire il paesaggio in tutte le sue stratificazioni, dal dato naturale alle sue rappresentazioni nella letteratura, nell’arte, nella toponomastica. Lontani da ogni retorica, Fossati e Messori invitano a una visione paziente e consapevole, insegnando a “guardare” attraverso un intreccio fatto di osservazione, memoria, affetto e stupore. Postfazione di Roberta Valtorta.

Il volume accompagna la grande mostra monografica dedicata ad Alfred Eisenstaedt, organizzata da CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, a trent’anni dalla sua scomparsa e ottant’anni dopo lo scatto simbolo V-J Day in Times Square. Considerato uno dei padri del fotogiornalismo, Eisenstaedt ha attraversato il Novecento con lo sguardo partecipe di chi crede nella fotografia come testimonianza del proprio tempo. La pubblicazione ripercorre l’intera carriera del fotografo tedesco naturalizzato americano, autore di oltre duemila reportage e più di novanta copertine per la rivista Life. Dai primi scatti nella Germania degli anni Trenta – tra cui il celebre ritratto a Joseph Goebbels – alla frenesia degli Stati Uniti del boom economico, dall’Etiopia coloniale al Giappone postatomico, Eisenstaedt ha saputo raccontare il mondo con occhio acuto e sensibilità umana. Attraverso 150 immagini, molte delle quali inedite, un saggio di Monica Poggi e le parole dello stesso fotografo, il volume restituisce la vivacità di uno sguardo insieme ironico, poetico e documentario, capace di cogliere la storia mentre accade e di trasformarla in memoria visiva.

Nell’ambito della valorizzazione dello stile Art Déco sul territorio milanese, il volume è dedicato al Padiglione Reale della Stazione Centrale di Milano, raffinato esempio di architettura déco rimasto a lungo inaccessibile e oggi al centro di un importante intervento di restauro conservativo promosso dalla Fondazione FS Italiane. Inaugurato nel 1931, il Padiglione fu progettato da Ulisse Stacchini come una “reggia in miniatura”, destinata ad accogliere i sovrani e a ospitare cerimonie ufficiali. Situato accanto al binario del Treno Reale e dotato di un ingresso indipendente su strada, si distingue per la cura degli arredi, la preziosità dei marmi policromi e la perfetta sintesi tra classicismo e gusto Art Déco, rappresentando uno dei massimi esempi dell’architettura italiana del periodo. Il volume, corredato da nuovi approfondimenti e da un ricco apparato iconografico in gran parte inedito – frutto di importanti rinvenimenti negli archivi, con fotografie d’epoca, disegni originali e reportage contemporanei – restituisce visibilità a un capolavoro dimenticato, rivelando il ruolo centrale dell’Art Déco anche nell’architettura ferroviaria italiana.