Editoriale Giorgio Mondadori

Un istante che passa, del presente, inaugura di volta in volta, da una lirica all'altra, nell'opera ciampiana, la riabilitazione di una memoria. È un varco, quello che si dischiude, nella poesia di Sara Ciampi, mosso da uno sguardo o da un'occasione qualsiasi - un cardellino in volo come un giocattolo per caso riemerso - che immette l'anima della poetessa nell'altrove di ciò che è stato e che non è più. E come dall'alto, come da un punto panoramico hic et nunc, lo sguardo si volge allora in basso o indietro, scoprendo, in quell'altrove, e in quella lontananza ormai irraggiungibile, la sola felicità. Se tradizionale è il modo della prospettiva, in perfetto stile italiano - sostenuta com'è da una razionalità che tutto mira, evoluta e matura, disillusa e filosoficamente incline alla nostalgia -, si tratta in ogni caso di un sistema complesso, questo, sperimentato e approfondito da anni di premure e di labor limae. (Dalla Prefazione di Andrea Pellegrini)

Orazio diceva: "l'arte deve giovare o dilettare", le pretese nei riguardi dei libri debbono essere le medesime. Enzo Varricchio con questa opera riesce a darci un libro che giova e diletta: utile agli appassionati di arte figurativa e ai cultori dell'arte forense. E sì, perché l'autore conosce da vicino entrambi i mondi, e riesce a far andare a braccetto fantasia e logica. La pubblicazione voluta dalla Fondazione Michele Cea nasce dalla vicenda dello scultore romeno Constantin Brancusi che all'inizio del secolo scorso lo ha visto in contrapposizione con le dogane degli Usa per far valere il principio della libertà assoluta dell'oggetto d'arte. L'autore nella prima parte, avvalendosi di contributi preziosi, sviluppa i temi di stretto rigore artistico, e aiuta anche i profani a capire l'arte "moderna", nella seconda, quella strettamente legata al processo, attraverso le divertenti acrobazie dialettiche dei legali degli avvocati di Brancusi e degli Stati Uniti, mostra come si vince una causa. In questo libro, quindi, sono rappresentati i due mondi: quello dell'arte e quello dei tribunali. Insomma, non è un libro di settore: profitto e godimento intelligenti sono alla portata di molti. Fiorenzo Barzaghi Contributi di Massimiliano Porro Nuccio Mula Michele Franco Cristiano Rocchio Traduzione a cura di Pascal Mazzacane ed Enzo Varricchio.. Con la prima traduzione italiana degli atti dello storico processo Costantin Brancusi contro gli Stati Uniti d'America.

"L'occhio che osserva le opere di Monteforte comprende il senso delle parole di Matisse: 'Ci sono fiori dappertutto per chi è capace di vederli'; all'artista non serve lavorare en plein air poiché a guidare la mano non è l'occhio, bensì lo spirito. Tra gli interstizi pittorici c'è sempre un sentiero che si apre, foriero di un altrove che sembra obbedire a un desiderio, una via che sembra condurre in un domani, lastricata di papaveri, di girasoli, di coaguli di pigmento." (Francesca Bogliolo)

«E poi una sera a Katia sfuggì: "Io dipingo di notte". Ah, ecco pensai». Inizia così il contributo critico di Enrico Ernst, che introduce la prima monografia di Katia Papaleo. Manager di giorno, artista di notte, dotata di un proprio codice pittorico, l'artista previlegia la dimensione del fantastico per raccontare gli accadimenti della vita con tratti anche drammatici ma con una tensione positiva. Le sue tele sono costruite da toni, velature, cangiantismi e colpi di pennello che rendono le superfici vibranti di atmosfere magiche ed evanescenti. Nel corso degli anni l'artista ha attraversato diverse fasi, la prima più figurativa e riconoscibile mentre negli ultimi anni tende a sintetizzare senza peraltro oscurare la propria natura artistica. Una sessantina le opere pubblicate, dai Vizi capitali del 2016 a Vengo da lontano e presto me ne andrò del 2020, delicato riferimento all'attuale pandemia. Chiudono il volume la biografia, un'ampia antologia, l'attività espositiva e la bibliografia.

Poeta e artista dall'inesauribile vena creativa, con questa testimonianza dal carattere autobiografico Alfredo Lucifero rievoca momenti della sua giovinezza che si sono intrecciati con le vicende storiche della seconda guerra mondiale tra Firenze, Pisa, Asciano e Roma. Ad Asciano e alla villa di famiglia in particolare sono legati i ricordi più forti: l'occupazione nazista, la fucilazione di quattro partigiani ma anche l'arrivo degli Americani, che nella villa posero il loro quartier generale. L'opera presenta inoltre disegni di Andrea Schepisi e fotografie dell'Archivio Lucifero. Completano il volume alcune poesie di carattere intimistico, due delle quali dedicate dall'autore ai propri genitori. Il volume è curato da Lia Bronzi, profonda conoscitrice della produzione di Lucifero, che si è avvalsa della collaborazione editoriale di Enrico Taddei.

«La formazione civile, culturale e artistica di Giorgio Casati si è orientata nel corso del tempo verso una costante presa di coscienza delle potenzialità che caratterizzano la dimensione poliedrica della sua attività progettuale in campo ingegneristico, architettonico, urbanistico, nonché nel campo dell'industrial design e infine - come nel caso specifico che affrontiamo in questo scritto - nella ricerca dedicata al linguaggio grafico - pittorico. Casati coltiva da sempre esperienze e pratiche di differente natura, si tratta di metodologie costruttive ed espressive commisurate alla qualificazione estetica dell'ambiente umano, dove l'equilibrio della ragione non esclude la possibilità di avvalersi dell'invenzione intuitiva. Di fronte alle sue opere segnico - cromatiche realizzate negli ultimi 30 anni si coglie una visibile differenza tra le regole costruttive del linguaggio architettonico e le fluide emanazioni della pittura, polarità entro cui si è svolta la sua originale avventura culturale. Intorno al significato di questa differenza si muove il commento al mondo di immagini che Casati ha esplorato attraverso le evoluzioni del gesto pittorico, le metamorfosi della materia, le mutazioni espressive del segno e del colore come impulsi primari in bilico tra memoria e immaginazione. Il nostro autore affronta molteplici universi operativi, impegnandosi a rivelare le morfologie del visibile attraverso le pratiche congiunte del dipingere, disegnare, manipolare i materiali con contaminazioni tecniche, processi grafici, allusioni plastiche e suggestioni tattili: modalità in grado di suscitare visioni sinestetiche e percezioni disseminate nel divenire del suo fervore immaginativo. Quando si parla del concetto di sinestesia il riferimento va alla funzione simultanea di linguaggi diversi, strumenti di amplificazione dei sensi che congiungono le qualità sensoriali da un versante all'altro: dal visivo al sonoro, dal verbale al tattile, dall'olfattivo al gustativo, attraverso una gamma di sensazioni che mirano a una totalità che le comprende e le trasforma...» (dalla presentazione di Claudio Cerritelli)

«La natura viva non è mai stili life Serve ancora dipingere oggi? Certo che serve! Serve per un motivo che all'occhio anche distratto può apparire evidente e immediato. Si può infatti rappresentare un paesaggio con fotografie accurate e precise, eppure l'immagine che ne proviene restituisce una percezione troppo precisa, così esatta da allontanarsi dalla natura stessa. L'occhio non basta; la natura comunica con sensazioni ben più complesse, con la temperatura dell'aria, con l'umidità che assorbe o libera, con la percezione sommata d'una serie complessa di sensi stimolati. La natura non può essere quindi rappresentata ma solamente evocata; e lo è col movimento dell'aria, con gli effluvi dei profumi, con la temperatura, con il senso vitale delle stagioni. La natura viva non è mai stili life, cioè natura silente o come si dice in italiano "natura morta". Ecco la sfida che affronta in modo innovativo assai Gene Pompa in arte Gene. E lo fa con una intuizione inattesa: la natura per lui è anzitutto pulsione poetica. Essere nati ad Alessandria d'Egitto era una volta una fortuna ben particolare in quanto quel mondo offriva sin dalla culla una rara combinazione di influssi. Si era inconsapevolmente internazionali, ci si declinava allora ancora fra magie arabe, citazioni colte francesi, avventure britanniche e profumi d'Italia. Ed è forse per questo motivo genetico che Gene è tuttora amante della luce come gli impressionisti, delicato come i pomeriggi britannici, attento alle tessiture che lo portano a stendere sulle sue tele trame spesse, palpabili come le annodature dei tappeti d'Oriente. La luce trasversale dei suoi paesaggi toscani richiama quella dei nabis di Francia quanto quella della stagione macchiaiola. E di tutto il bagaglio raccolto fa un'esperienza sommata, plasmata dove appare talvolta l'assonanza con quel Carlo Mattioli, suo confinante delle colline emiliane, anch'esso affascinato dalla forma delle colline e dalla muta presenza degli alberi che ne segnano il ritmo. Il dipingere la natura può apparire oggi un'esercitazione di puro stile, una ricerca formale. L'anacronismo di questa pratica è invece una fortunata opportunità per chi desidera superare l'astrazione senza dovere necessariamente declinare un'obsoleta figurazione. Dipingere la natura è una scelta determinata di poetica pura. È una pulsione romantica. Ed è al romanticismo diventato simbolista, a questa corrente profonda del sentimento vissuto, che si deve la potente rivoluzione delle sensibilità che stimolò l'evolversi dei sentimenti e dei comportamenti nel secolo diciannovesimo...»(Philippe Daverio)

«La memoria fluttua, reiterando un ritmo che le è proprio, di cui lascia intuire solamente un rassicurante sciabordio. In questo incessante movimento, essa trascina con sé visioni che hanno una natura profetica, vestigia di passate e future speranze, dettagli inevitabilmente modificati, smussati nelle caratteristiche essenziali eppure intatti nella propria preziosa sostanza. Nel grande teatro dello spirito, le figure di Emanuela de Franceschi si avvicendano con grazia, calcando con ritmo ininterrotto la scena, echi incessanti di un non luogo a cui ogni individuo è appartenuto, appartiene, apparterrà. Reiterazioni capaci di mantenere intatto il primo suono nella sua più intrinseca natura, i soggetti dell'artista sanno arricchirsi lungo il proprio percorso di rifrazione, trattenendo, al pari di una raffinata ragnatela, innumerevoli riflessi dell'anima. Mille sfaccettature della medesima realtà sfumano in una ricomposizione di immagini di senso, che sanno farsi portatrici di un tempo eterno. Fedeli alla propria funzione originaria di simulacro del divino, le maschere ricomposte della de Franceschi divengono varchi metafisici affacciati su un altrove, confini innalzati per impedire che si perda la lezione del passato, presenze riproposte come pietre miliari verso un ineffabile quanto seducente ignoto. Immobili, silenziose, interrogative, esse sembrano mantenere saldo un fil rouge che inizia dal paleolitico, nel momento in cui nelle grotte di Lascaux un uomo sconosciuto tracciò il profilo di un uomo mascherato. La de Franceschi conosce le testimonianze archeologiche dell'Antico Egitto e delle popolazioni precolombiane, sa confrontarsi con la funeraria romana e l'estetica del mosaico paleocristiano; approfondisce iconografie medievali e allegorie del Rinascimento, memori del "sua quique persona", per giungere senza sosta alla riscoperta delle valenze magiche e divinatorie delle sculture che furono ispirazione di molte manifestazioni artistiche del novecento da Picasso e De Chirico a Mitoraj. Per lei il mito e la maschera sono continuo oggetto di indagine artistica, inevitabile riflesso della condizione umana. Capace di dare voce, di far risuonare attraverso le proprie caratteristiche il proprio peculiare punto di vista sul mondo, l'arte della de Franceschi si fa essa stessa persona, simbolo di chi indaga il reale, capace di rivelare un'unione inscindibile tra l'uomo e le sue maschere, il vuoto e il pieno, la realtà e il sogno, il noto e l'ignoto. L'identità si ritrova in ricomposizioni di memoria che, facendo tesoro delle lezioni del passato, proiettano l'uomo in un futuro tutto da scrivere. In un'ora muta, la realtà si confonde con il sogno.» (Dall'Introduzione di Francesca Bogliolo)

«Espressioni artistiche della contemporaneità Quando parliamo di bellezza non intendiamo riferirci ad una realtà, ma a quella sensazione che nasce da una sensibilità che trasforma alcuni aspetti della vita in condizioni positive, che pongono l'individuo in uno status di benessere assoluto e che, anche solo per lo sprazzo di tempo in cui abbiamo percepito quella emozione, appagano, consolano e danno sollievo. Si tratta di sensazioni intense, coinvolgenti, momenti misteriosi e sublimi, che riescono a creare, nella loro fuggevolezza, un significato positivo all'esistenza. L'arte fa i conti con la bellezza. Se intendiamo, quindi, il bello come sensazione, come esperienza di vita, l'arte diventa una componente essenziale dell'umanità e, nelle sue molteplici espressioni, è da considerare, forse, come il prodotto di valenza più assoluta che l'uomo possa aver mai concepito. Le emozioni create dall'arte si trasformano in esperienza estetica, dando all'uomo un motivo per credere ancora che la vita, comunque ed in ogni caso, ha un valore inestimabile e può essere bella. E questo è vero anche quando l'opera d'arte nasce da tensioni spirituali irrisolte; queste, infatti, non riescono a togliere il valore salvifico e conoscitivo proprio dell'arte, poiché è la sua stessa essenza che trasmette un profondo senso di equilibrio, una magica armonia alle differenti forze in conflitto. "Il cuore dell'arte non è negli oggetti, ma è nel nostro sguardo, nel nostro modo di percepirli. Gli oggetti servono a costringerci a rientrare in noi e a cogliere in noi quelle infinite possibilità che sono latenti, possibilità di accensione, possibilità di emozione, che sono nascoste, ma pronte ad emergere e che per l'appunto l'arte ha il compito di attivare". Se la distinzione è fondamentale, non meno importante è la connessione tra queste due disposizioni, la morale e l'artistica. Esse si condizionano reciprocamente in modo profondo. Nel realizzare un'opera, l'artista esprime di fatto se stesso a tal punto che la sua produzione costituisce un riflesso singolare del suo essere, di ciò che egli è e di come lo è. L'artista, infatti, quando plasma un capolavoro, non soltanto chiama in vita la sua opera, ma per mezzo di essa, in un certo modo, svela anche la propria personalità...» (Dall'Introduzione di Mario Guderzo)

«Alfonso fa risuonare sulla tela La Pietra di Bismantova e per il cielo ha scelto un blu oltremare. Perché in effetti La Pietra ora vive letteralmente sopra il suo mare, gli è sopravvissuta e la sua roccia, quando sfiora il cielo, ne muta il colore. La Pietra è un incanto perché ogni giorno restituisce al cielo la sua voce. Che poi è il suo mare.» (Emanuele Ferrari)

In un'epoca dominata mediaticamente dalla cucina non poteva mancare un libro come questo che presenta oltre 50 tra pittori, scultori e fotografi, alle prese con pentole e fornelli. Artisti, cuochi per un giorno, coadiuvati da Chef di importanti ristoranti italiani e stranieri: ecco un divertissement" che incuriosirà e farà sorridere chi avrà voglia di sfogliare il volume e, magari, di cimentarsi con qualche succulenta ricetta presentata dai nostri "campioni". Un'istantanea con una prospettiva nuova, uno scorcio da un'angolatura diversa che permette di scoprire il lato privato di questi creativi, dei quali-avrete, probabilmente, alcune opere nella vostra collezione d'arte e se non le avete, affrettatevi ad acquistarle.

Catalogo di un ciclo di mostre previste nel corso del 2020 a Gubbio, Laigueglia e Ventimiglia, che Giammarco Puntelli, critico d'arte da sempre attento alla ricerca interdisciplinare, ha dedicato al suo progetto che intende valorizzare le individualità dell'artista e del suo messaggio mettendoli in relazione con l'emozione e il cambiamento di chi osserva l'opera d'arte, un processo che intende coinvolgere gli artisti insegnandogli a diventare imprenditori di sé stessi. La pubblicazione, alla sua seconda edizione, presenta un'ottantina di artisti, alcuni dei quali hanno partecipato a precedenti volumi ed eventi organizzati da Giammarco Puntelli.