Hoaki

100 modi di disegnare un uccello e guadagnarsi da vivere con le illustrazioni. L’illustrazione è fantasia applicata. Questo non è un libro sull’illustrazione, nonostante ne contenga tante. C’è di più, infatti. Questo libro prende in esame la professione dell’illustratore, dal complicato argomento del guadagno alla questione del giusto ambito lavorativo. Come fare per ottenere dei lavori? Come condurre una negoziazione che abbia buon esito? Qual è il prezzo adeguato? Come fare per gestire le abitudini quotidiane associate al lavoro di illustrazione? Il libro spiega concetti come diritti di utilizzo, società di gestione collettiva e sicurezza sociale per gli artisti. E, naturalmente, contiene una grande varietà di tecniche di illustrazione. In breve, questo libro si impegna a chiarire quanti più interrogativi possibili, e a essere uno strumento utile. L’autore lo fa offrendo, da una parte, oltre venti suggerimenti della massima utilità per tutti gli illustratori alle prime armi, per esempio, su come non farsi bloccare dalla paura davanti al foglio bianco, e presentando, dall’altra, le venticinque tecniche di illustrazione più importanti in modo pratico, risvegliando così il desiderio del lettore di saperne di più. Non solo testi densi di humour, il libro adopera come espediente narrativo anche le immagini di illustratori molto diversi tra loro, che lavorano con un ampio ventaglio di tecniche e stili. Immagini diverse ma facili da confrontare, poiché il soggetto è uno solo: un Uccello.

È difficile non arrendersi alla magia dei libri pop-up. Si può essere piccoli o adulti, ma la meraviglia di trovarsi di fronte a un mondo in tre dimensioni che prende vita davanti ai nostri occhi a ogni girar di pagina, è sempre la stessa. “Chissà com’è difficile, farlo” è il pensiero più ricorrente. Ma ecco qui un libro a riprova che costruire i nostri pop-up non è impossibile come potrebbe sembrare. Procedendo passo dopo passo e offrendo spiegazioni chiare, disegni, fotografie e video, Antje von Stemm ci insegna a costruire queste opere tridimensionali fatte di arte su carta, dalle creazioni più semplici a quelle più complesse. Le opere pop-up dei lettori potranno andare a impreziosire libri auto-pubblicati e cartoline di auguri, o qualsiasi altra idea che voglia sorprendere gli altri! Con spiegazioni facili da seguire ed esposte in forma divertente, questo libro si rivela perfetto per i bambini dagli otto ai cento anni di età, desiderosi di sperimentare e giocare con carta, colla e forbici. Esso è altresì un ottimo compagno per insegnanti, educatori e genitori, i quali possono attingere dalle idee illustrate e usarle durante le lezioni o come attività durante una giornata da trascorrere a casa. Il libro include codici QR con link a video

Quando leggiamo, il nostro cervello decodifica una serie di simboli astratti e ne sintetizza i risultati in idee complesse. È quindi vero che, prima di leggere, vediamo. Siamo in grado di riconoscere il carattere di una parola prima di decifrarne il significato. Un carattere tipografico creativo e su misura si avvale di questo effetto per rendere immediatamente visualizzabile un brand specifico, convogliarne l’immagine e il messaggio, farlo spiccare tra la folla. Per creare un carattere tipografico ottimale, il designer deve comprendere la filosofia del brand, comunicare con il cliente, entrare in empatia con il suo sentire, e raggiungere così la soluzione perfetta grazie alle proprie competenze professionali. Questo libro mostra oltre un centinaio di caratteri tipografici personalizzati, creati da designer e agenzie nell’ambito di diversi contesti culturali. I lettori impareranno da questi processi creativi, e trarranno ispirazione per creare caratteri tipografici che soddisfino i loro clienti e stupiscano il pubblico.

Il disegno è un linguaggio universale, ma non tutti si sentono capaci di provarci. Questo libro utile e divertente tratta il bello di dedicarsi a questa attività, mostrando con l’aiuto di esercizi che chiunque può disegnare, purché impari prima a vedere. Basato sul celebre metodo di Betty Edwards, e pensato sia per chi vuole cimentarsi sia per coloro i quali necessitano di un aggiornamento, il libro rappresenta una versione personale e aggiornata dall’autore, che farà sparire la paura di disegnare in chiunque voglia provarci. Si tratta di una scuola di disegno completamente diversa, dedicata a chi ha talento e a chi non ne ha, a chi si stressa e a chi è completamente disperato. È anche un metodo utile e divertente per imparare a disegnare imparando prima a vedere. Guardando il mondo senza lasciare che le sensazioni interferiscano, o che il cervello ci dica cosa stiamo guardando, sarà la mano stessa ad acquisire abilità e capacità di produrre una grande varietà di disegni. Leggere questo libro pieno di humour e molto esemplificativo farà scattare definitivamente la scintilla della creatività.

Questo libro illustra i punti di vista di numerosi autori e designer su come ottenere un graphic design emozionale. Pur non trattandosi di verità assolute, e non essendoci la garanzia che seguendo i principi esposti un designer possa portare il pubblico a legarsi emotivamente ai suoi lavori, è pur vero che il libro offre spunti utili per accostarsi allo scopo. Il design emozionale è un tipo di design che riflette sul ruolo cruciale delle emozioni nell’ambito della capacità umana di cogliere il significato del mondo, e che promette di valorizzare la qualità di vita del proprio pubblico. Un design alimentato dall’emozione migliora il rapporto tra il pubblico e il ‘prodotto’, creando un profondo legame affettivo tra i due. Esistono già molte teorie che trattano di design emozionale negli ambiti del design del prodotto, di quello industriale e perfino del web design. Ma che dire del graphic design? Questo libro si prefigge lo scopo di avvicinare il designer grafico all’elaborazione di un design che sia alimentato dall’emozione.

Attraverso passaggi concisi e sintetici, l’artista Albrecht Rissler offre più di 100 sapienti spunti riguardanti tutti gli aspetti del disegno, visto come una delle più straordinarie attività creative che si possano condurre. Detti spunti non tralasciano le tecniche tradizionali e si spingono fino agli sviluppi più recenti, esplorando anche interessanti ambiti limitrofi. I principianti, così come coloro i quali vogliano rimettersi in pista, ma anche gli illustratori esperti troveranno qui una profusione di suggerimenti, ispirazione e stimoli. Avendo lavorato per molti anni come artista e docente universitario, Rissler è ben addentro a tutti gli aspetti del disegno. Gli spunti sono illustrati da lavori dell’autore, nonché da disegni di bambini, alunni, studenti, partecipanti ai corsi e colleghi artisti. Essi tutti svelano la ricchezza insita nel disegno come arte. Un libro per darsi alla scoperta e alla meraviglia, dedicato anche a chi non ha mai preso in mano una matita.

Un'indagine sull'uso da parte di caffè, ristoranti, negozi di bevande e panetterie del branding e del design grafico per creare un'identità visiva unica, con casi studio e approfondimenti sulle strategie di design efficaci Nel competitivo settore alimentare e delle bevande di oggi, godere di una forte identità visuale ha la stessa importanza di servire dei buoni sapori. Questo libro esplora il modo in cui i caffè, i ristoranti, i negozi di bevande e le panetterie utilizzano il branding e il design grafico (quindi loghi, tipografia, palette di colori e temi) per attirare i clienti e creare esperienze memorabili. Una minuziosa selezione di progetti dimostra come scelte di design accurate siano in grado di plasmare l'atmosfera e l'identità del posto. Suddiviso in quattro sezioni: Cafes, Restaurants, Drink Shops e Dessert Shops & Bakeries, il libro illustra alcuni casi studio su come creare una personalità di brand unica nel suo genere. Dedicato ai designer, agli imprenditori, ai professionisti della ristorazione, questa guida ricca di immagini offre un valido approfondimento sui metodi del design strategico per aumentare il coinvolgimento del cliente e raggiungere il successo della propria attività.

Un libro di grande impatto visivo sui tatuaggi in stile giapponese, di ampia portata e grande profondità, che offre ai lettori un quadro esaustivo dell'influenza esercitata dal tatuaggio tradizionale giapponese su alcuni tra i più noti artisti del settore che operano ai nostri giorni. L'irezumi, o tatuaggio giapponese, affonda le proprie radici nell'antica cultura giapponese. Questo libro mette in luce 45 artisti maggiori del tatuaggio provenienti da tutto il mondo, spaziando dai più fedeli al tatuaggio giapponese tradizionale a coloro i quali intendono quest'arte come punto di partenza per esprimere la propria personalissima visione. Organizzato per continente, il testo si basa su interviste con gli artisti durante le quali essi spiegano la propria formazione artistica, gli inizi della carriera da tatuatori e lo sviluppo del loro interesse per lo stile giapponese. I protagonisti ci rendono partecipi anche delle loro fonti di ispirazione: altri artisti tatuatori e forme tradizionali d'arte giapponese come le stampe su legno dell'ukiyo-e. Il libro esplora la storia antica del tatuaggio giapponese, includendo un racconto cinese del III secolo che descrive il tatuaggio come indicatore della classe sociale e amuleto di protezione dei marinai. La maggior parte delle pagine contiene fotografie di grande formato e dettagliate di tatuaggi e stampe, creazioni degli artisti trattati, che mostrano le nuove tendenze di questa antica forma d'arte. Il libro riflette la crescente popolarità internazionale del tatuaggio giapponese e offre un quadro esaustivo di come lo stile giapponese tradizionale sia di ispirazione per alcuni tra i più noti artisti tatuatori che operano oggi.

Questa edizione aggiornata e ampliata è un autentico tuffo nel mondo pulsante della street art. Ricchissimo di nuovi contenuti, foto di opere sorprendenti e approfondimenti sui maggiori artisti del mondo, il libro è una guida definitiva per comprendere e apprezzare questa forma d'arte in continua evoluzioneç La presenza della street art nelle gallerie e nei musei di tutto il mondo, un tempo impensabile, è oggi una solida realtà. In" Street Art: An Illustrated Anthology", Magda Danysz, un'autorità in materia, esplora la storia e l'evoluzione della street art, dai ribelli esordi degli anni ‘70 alla sua influenza sul pensiero moderno. Il libro esamina l'impiego da parte degli artisti delle tecniche tradizionali e l'arte popolare del XX secolo applicata al loro ambiente urbano, attraverso figure eminenti come Banksy, Basquiat, Shepard Fairey, JR e molti altri. Sono messi in luce l'impegno politico e sociale di questi artisti, le loro riflessioni sulle crisi globali e la critica dell'industria pubblicitaria e del mondo dell'arte istituzionale. Arricchita con aneddoti succulenti e foto straordinarie, questa nuova edizione offre contenuti e immagini aggiornate, e svela una prospettiva inedita dello scenario in continua evoluzione della street art. Evidenziando la grande diversità di tecniche e formati, l'antologia testimonia l'impegno della street art nell'affrontare le problematiche sociali e il suo contributo alla mitologia urbana. Infine, il libro può considerarsi una guida essenziale all'impatto profondo della street art, dando prova di come questa abbia trasformato le città in vivide gallerie a cielo aperto.

Un libro ricco di immagini, che offre una selezione variegata e multiforme di 86 tra i migliori artisti contemporanei mondiali nei campi del graffito, dell'arte urbana e del muralismo. Una selezione di opere per condividere le passioni, i sogni, le sfide e le difficoltà di chi sceglie la via della street art Street Art & Graffiti Atlas offre uno spaccato dell'immenso talento degli artisti di strada nel mondo, aprendo un varco sulle storie e le creazioni di chi utilizza le strade cittadine come una tela. 86 maestri del graffito, dell'arte urbana e del muralismo da 26 paesi, con i testi di Darryl “Cornbread” McCray, considerato il primo graffitista dell'era moderna. L'arte urbana, i murales e i graffiti sono un'iniezione di energia per le città, spezzano la monotonia del cemento e trasformano la nostra visione degli spazi urbani. Fin dall'inizio dei tempi, l'umanità ha avvertito l'esigenza di esprimersi sui muri, basti pensare alle ataviche pitture rupestri, alle iscrizioni nelle antiche città romane e greche e, per finire, ai moderni muri digitali. Gli artisti in questo libro sono stati scelti per il loro stile inconfondibile, la rapida evoluzione della loro arte e il loro genio innovativo. Accanto alle immagini delle opere in città come Amsterdam, Montreal, Buenos Aires e Barcellona, il libro include testi rivelatori delle passioni, dei sogni, delle sfide e dei trionfi di questi artisti, che hanno trasformato i loro spazi urbani in musei a cielo aperto.

Il libro include 60 regole fondamentali per creare un design davvero unico e garantire che il messaggio di design risuoni con un pubblico specifico. Graphic Design Rules è un libro che analizza il design grafico nel suo complesso, partendo dai sette principi più basilari che guidano la scelta del colore, del layout e del font, elementi che agiscono sotto la superficie per dare solidità ed equilibrio all'opera. Al di là delle consuetudini professionali e personali di ciascun designer, esistono alcune regole comuni che richiedono attenzione e obbedienza se si desidera un risultato efficace e attraente. Il libro illustra al lettore oltre 60 di queste regole applicate agli elementi principali che dominano il design grafico. Le regole sono organizzate in tre categorie: colore, carattere tipografico e tipografia, immagine e forma; 40 progetti mostrano infine la loro applicazione pratica. Il lettore potrà vedere come gli artisti e i designer utilizzino il colore per rappresentare fattori come stato d'animo, luce, profondità e punto di vista; le immagini che arricchiscono il testo mostrano l'applicazione di questi elementi di base da parte dei designer, per creare loghi e progetti grafici che rendono esclusiva l'identità del brand in esame. Grazie ai suggerimenti su cosa non fare per garantire che il messaggio di design abbia la giusta risonanza con un pubblico specifico, questo libro aiuta il lettore a trasmettere la sua narrazione in modo più coinvolgente ed evocativo.

Una guida passo passo al disegno di animali, per aiutare neofiti e aspiranti artisti a sviluppare talento e sicurezza Questa guida passo passo svela la bellezza e la personalità del regno animale, ed è perfetta per neofiti e artisti emergenti. Che si voglia disegnare un maestoso elefante o una delicata libellula, questo libro insegna a riprodurre l'anatomia, le proporzioni e le caratteristiche distintive del regno animale attraverso esercizi chiari e semplici. Con 50 modelli di difficoltà variabile e una vasta gamma di morfologie, ciascuna lezione guida il lettore attraverso sei o otto passaggi, dallo schizzo di base al dettaglio dell'ombreggiatura, aiutando ad acquisire sicurezza e competenza. Il libro incoraggia a spingersi oltre la mera imitazione, e insegna a esprimere la mimica e gli stati d'animo degli animali, caratteristiche uniche nel loro genere. Il lettore svilupperà lo spirito di osservazione fondamentale e imparerà l'uso di linee, forme e texture utili a infondere vitalità al disegno di animali, inclusi movimento e personalità. Ciascun esercizio rafforza la tecnica generale dell'artista, applicabile poi a qualsiasi tipo di disegno. Su ogni pagina è presente uno spazio per esercitarsi,raffinare il proprio talento e aggiungere un tocco personale a ogni ritratto. Esercizio e sperimentazione per liberare la propria creatività!