Maretti Editore

32 piatti accompagnati da altrettante illustrazioni a cura di Maretti Editore e Matteo Baronetto. Edizione limitata di soli 350 esemplari numerati e firmati da Chef Baronetto. I suoi menu degustazione, chiamati “Similitudini”, nascono da una riflessione, dal piacere di osservare e percepire persone, cose, profumi e sapori. Nasce dalla reinterpretazione del concetto di similitudini (similes cum similibus), dalla scoperta di ingredienti che, in cucina come in natura, si assomigliano nell’aspetto e nella consistenza, e si armonizzano e si esaltano se combinati.

Il galateo del nuovo millennio per chi ama vivere bene e in armonia con gli altri; per chi è curioso di conoscere le origini delle “buone maniere”, per chi desidera socializzare con sicurezza di modi ed educazione di pensiero. È una sorta di invito al rinascimento dell’incontro. Ma è anche un saggio, che si legge quasi in forma di romanzo, sulla storia del costume, nonché un amico a cui chiedere consiglio per fare la cosa giusta al momento giusto. Perché al di là delle mode contano i modi. Per comprenderlo c’è Galatime, visto che è – e sarà – sempre tempo di buone maniere. Ogni capitolo apre con una ricerca storica a cura di Carlo Cambi sulle origini delle parole, dei modi e delle modalità comportamentali che andremo ad affrontare in quella parte del libro. Seguono l’etichetta, i consigli e le regole da mettere in pratica per un perfetto galateo dello stare oggi in società, codificati e scritti dall’esperta di buone maniere, Petra Carsetti. Introduzione di Bruno Vespa.

“Ricette ‘Tre Stelle Michelin’ che incontrano opere d’artista, commentate e raccontate da critici gastronomici e d’arte contemporanea, nell’unicità di un progetto editoriale tanto ambizioso quanto affascinante”.

Il primo libro italiano sulla frollatura del pesce che affascinerà cuochi e appassionati di cucina. La storia di Jacopo Ticchi, giovane cuoco romagnolo che attraverso le sue esperienze in importanti ristoranti nazionali e internazionali, ha affinato il proprio pensiero sull’arte del cucinare bene e sulla convivialità. Nella sua Trattoria da Lucio, a Rimini, oggi convergono i suoi sogni e suoi valori che sono qui narrati e analizzati con cura. A partire dal grande senso di appartenenza alla propria terra, si narra la tipicità della Romagna attraverso i gesti in cucina e i sapori ereditati da Jacopo e proposti oggi nella sua trattoria con una visione nuova e contemporanea. E c’è altresì la trattoria, il luogo della convivialità e dell’accoglienza, che oggi sulla costa riminese è un indirizzo molto frequentato dagli amanti del buon cibo, genuina e giovane, che fa della tradizione un punto di partenza per spostarsi nel futuro. Su queste basi si analizza quindi una tecnica in particolare, quella della frollatura, sinora nota per essere pratica abituale per rendere la carne più buona e digeribile.

Questo libro ricopre un arco temporale di centoventi anni di storia, il presente e il futuro della gastronomia mondiale, dal 1900 (prima edizione della Guida Michelin) sino al 2020 (anno di questa pubblicazione). Una piccola bibbia per gli amanti della cucina stellata, che potranno apprezzare i racconti dei templi dell’alta gastronomia francese e internazionale, gustarsi i menu e le ricette dei celebri chef dell’haute cuisine, analizzare le evoluzioni editoriali e i nuovi accordi commerciali della Michelin, osservare le ascese stellate e i declini gastronomici che si sono susseguiti tra il XX e XXI secolo, e scoprire i nuovi simboli utilizzati dalla celebre Guida Rossa. Dulcis in fundo, entrerete a far parte, come veri e propri commensali, delle esperienze gastronomiche vissute direttamente dall’autore che fanno di questo libro un unicum nel suo genere. Sono 286 i ristoranti Tristellati che troverete all’interno del volume, tutti quelli che sono stati insigniti delle Tre stelle Michelin dal 1933 (anno in cui compaiono per la prima volta) a oggi. Ciascun Tristellato viene accompagnato da una scheda descrittiva frutto della conoscenza diretta dello stesso Campiverdi.

Per Emilio Isgrò, l’occasione della mostra “Emilio Isgrò” presso la Chiesa della Madonna del Duomo vecchio è un ritorno in Arezzo, sei anni dopo la realizzazione del boccascena del teatro Mecenate con i grandi pannelli dedicati alla commedia "As You Like it" di William Shakespeare; qui l’artista aveva cancellato il passo del Bardo "È il mondo intero una ribalta e tutti gli uomini e le donne sono semplicemente attori". Stavolta, di nuovo in coerenza con la sede espositiva, adesso ecclesiastica, è centrale il tema religioso, che accoglie il visitatore e lo conduce allo sprone altrettanto vigoroso del dovere civico o della coscienza estetica basata sulla comunicazione; così s’induce il singolo alla critica puntuale, ragionata, vigile dell’ambito comunitario, per monitorare la situazione sociale e politica italiana contemporanea circondata dall'esperienza del quotidiano mediatico. La comunicazione creativa, per Emilio Isgrò, riflette il concetto della scrittura iconica che invade oggetti, condizioni, ambienti, delineando il criterio dello spazio attivo che ridefinisce stati e strati del percepire, come stili espressivi da inediti canoni.

Il talento, in molti casi, ha bisogno di tempo per maturare e manifestarsi. Così è accaduto a Cleto Munari. Non ama l’Università. Non gli interessa neppure scegliere una Facoltà che si suppone possa essergli congeniale: Architettura. Sa che non vuole costruire case o ponti. Sente che la sua immaginazione non coltiva visioni che possano dispiegarsi nella durata; istintivamente avverte che il sentimento della bellezza, che sin dalla nascita gli si è depositato dentro, ha bisogno di più urgenti e immediati campi di prova. La bellezza, dunque: come progetto, come ricerca ed espressione di quella verità che può trovarsi solo fuori da ogni canone, da ogni accademismo. Interrompe gli studi e consegna la propria formazione alla più eccentrica e personale Università che si possa concepire. Si rende conto che il mondo è pieno d’arte e pieno di “laboratori” dove gli artisti operano sulla materia viva di ciò che, resistendo al tempo, confluisce nei libri e nelle aule universitarie. Compone una visionaria, ma puntigliosamente reale, “geografia dell’estetica” e in questo atlante, che ha carattere internazionale, si muove: teatri, gallerie, musei, studi di artisti, centri di sperimentazioni.

"Fu Giorgione che, come Leonardo, sentì l'esigenza di superare la maniera secca quattrocentesca e affrontare da principio il problema dell'imitazione della natura. Nasce in pittura la necessità di eliminare le regole prospettiche che avevano governato l'inizio dell'Umanesimo e del primo Rinascimento: con Leonardo e Giorgione in particolare l'artista si concentra sulle possibilità mimetiche del dipingere; nasce l'interesse dell'imitazione dei fenomeni naturali e in particolare per la resa della fusione atmosferica delle forme. Giorgione abbandona l'applicazione delle regole tradizionali, "usando", secondo le parole del Vasari, "nondimeno di cacciarsi avanti le cose vive e naturali e contraffarle"; ancora una volta la storia ci dimostra che nel momento in cui un movimento culturale trova la sua piena realizzazione, già nei suoi autori più significativi vivono i germi di quello che sarà il decadimento dell'idea principale. Essendo capaci però di indicare la nuova strada che la creatività proporrà di seguire."

Che cosa rende così puntuali, così inseriti nel corpo delle istanze e delle tensioni estetiche del contemporaneo, i quadri di Dozio, artista schivo, tenutosi appartato e sottotono rispetto ai suoi colleghi e coetanei, che per anni hanno occupato la scena e dettato la linea nel sistema dell'arte italiano, salvo poi scoprire, che i loro barbarismi e i loro sperimentalismi erano inevitabilmente invecchiati anzitempo? Dozio ha creato una visione del mondo che prescinde dall'idea di rappresentatività, senza mai abbandonare quello che potremmo chiamare il fantasma del mondo reale. Non c'è in Dozio la volontà di rappresentare più di quanto non vi sia quella di agire con intenti estetizzanti o decorativi. E tuttavia, la sua è pur sempre una rappresentazione, simbolica quanto puntuale, del mondo e dell'universo secondo quella che potremmo definire una sorta di sua grammatica segreta, esoterica, iniziatica. La pittura di Dozio, si avvicina alle domande sul mistero e la forma della vita procedendo per gradi, per simboli, per metafore visive e tramite forme che si avvicendano sulla tela con ritmo sempre diverso e divergente, mutevoli come, la materia vivente, sia essa umana o animale.

Per valutare il percorso artistico di Salvatore Emblema con gli strumenti della critica, bisogna partire da due concetti fondamentali. Il primo è quello dello spazio della pittura, che Emblema ha voluto affrontare con un taglio inedito e del tutto originale. Il secondo è quello del rapporto tra luce ed ombra, elemento imprescindibile nella sintassi visiva dell'artista. Tra queste due coordinate di base, si gioca tutto il lavoro di Salvatore Emblema negli oltre cinquant'anni della sua carriera di artista. Nel 1958 di ritorno da un soggiorno a New York, dove si era avvicinato a Rothko, l'artista comincia a ragionare sulla possibilità di affrontare la tela con un approccio radicalmente differente da quello tradizionale: "Era necessario far vivere lo spazio dietro al quadro, perché è là che la verità aspetta di essere scoperta". Nasce così, per Salvatore Emblema, un nuovo linguaggio che di fatto gli apparterrà sempre, e sempre contraddistinguerà il suo lavoro pittorico la cosiddetta detessitura.