Silvana

"In ogni mia architettura sono sempre stato affascinato dal teatro. Certamente il teatro, come modo di vivere, era un'abitazione. Il teatro era anche una mia equivoca passione dove l'architettura era il fondale possibile, il luogo, la costruzione misurabile e convertibile in misure e materiali concreti di un sentimento spesso inafferrabile." (Aldo Rossi, "Autobiografia scientifica", 1981)

Deus Swank Rally è un evento internazionale strampalato, eccentrico e divertentissimo. Lo dice il nome: è elegante, swank, ma pur sempre un rally. Quindi moto e piloti destinati ad abbracciare il fango e la polvere. Vanno bene tutte le moto: le special tassellate, le enduro a carburatori, anche le più inappropriate. Di giorno si corre fra gentlemen prendendosi il tempo da sé, senza barare; la sera si festeggia fra amici. Cosa succede allo Swank Rally, potete guardarlo nelle bellissime immagini di questo libro. Presentazione di Paolo Sormani.

La ricerca condotta da Bianco-Valente indaga il rapporto tra l’uomo e il paesaggio nella sua accezione sociale e culturale, analizza i contesti relazionali e le possibilità offerte dall'interazione tra questi fattori, il loro è uno sguardo che finisce per calarsi totalmente nell'oggetto d’indagine, diventa fisico, tangibile, trasforma il dato osservato in esito concreto, alimentando nuovi punti di vista. Con Terra di Me Bianco-Valente provano come atto dovuto a riconsiderare il concetto di limes decidendo di oltrepassarlo e lo fanno attivando quello che si rivelerà un emozionante scambio di esperienze con un gruppo di uomini e donne, cittadini come loro del Sud del mondo, che spontaneamente e generosamente accettano di condividere le proprie storie di vita, i dubbi e le speranze per il futuro. Presentazioni di Giovanni Bonsignore e Giovanni Puglisi.

Quando Henri de Toulouse-Lautrec si trasferì a Parigi, divenne presto un vero e proprio narratore della vita nella capitale francese, un pittore dell'affascinante demi-monde e dei suoi luoghi: i veri atelier del suo lavoro furono gli ippodromi, i circhi, i teatri di musica e di prosa, i cabaret e i bordelli. In soli dieci anni, fino alla sua morte nel 1901, l'artista produsse 368 stampe e poster litografici che considerò sempre d'importanza pari a quella dei suoi dipinti e disegni. Quando Toulouse-Lautrec iniziò a sperimentare la litografia, i suoi contemporanei, artisti affermati come Alfons Mucha e Théophile-Alexandre Steinlen, si servirono della medesima tecnica e riuscirono anch'essi a creare dei veri capolavori. Nel corso della vita di questi artisti e per merito del loro lavoro, le stampe litografiche e i poster acquisirono un nuovo status, da semplici strumenti pubblicitari a nuovo genere artistico di riconosciuto valore.

Psicologo e artista, nato a Roma nel 1939, Sergio Lombardo è tra i principali artisti italiani a rinnovare il linguaggio internazionale dalla fine degli anni cinquanta. È stato uno dei maggiori esponenti, insieme agli altri protagonisti della cosiddetta Nuova Scuola Romana, dell'avanguardia storica internazionale e della Pop Art italiana. I Monocromi, sue opere d'esordio realizzate tra il 1958 e il 1961, caratterizzano un momento peculiare della sua produzione inserendosi fin da subito nella riflessione sul confine tra arte e non-arte. Facendo da preludio alle radicali procedure dell'Arte Concettuale, i Monocromi mettono in luce alcuni dei principi che caratterizzeranno l'intera ricerca di Lombardo come la spontaneità, l'astinenza espressiva e la strutturalità. La serie qui pubblicata è l'anticamera di quello che nei decenni successivi Lombardo definirà Eventualismo, movimento artistico e teorico basato su metodi sperimentali di cui è il fondatore.

"Agli inizi degli anni settanta il mio lavoro, pur facendo parte di quella corrente definita da Menna 'Pittura analitica", si presentava tuttavia con caratteristiche particolari: non era un quadro, né una scultura, non aveva telaio, né tela, ma rompeva il concetto di quadro in frammenti; il muro entrava a far parte dell'opera, non era più il destinatario passivo. Gli elementi si disseminavano nello spazio. Tentavo di riscrivere una mia sintassi della pittura, esaltando le caratteristiche della pittura e della superficie e l'attenzione analitica al colore, che accoglievo tutto per trasformarlo in 'oltre'. In periodi più vicini a noi il mio lavoro seguiva nuovi orientamenti, indagava l'essenza dello spazio come luogo di propagazione del colore, cercando di spostare la linea della conoscenza. I miei frammenti sono corpi inquieti di pittura proiettati nello spazio, che fluttuano in formazioni piccole e grandi e recano segni di una plasticità ansiosa e di una felicità visiva di un colore pulsante di vibrazioni luminose." (Pino Pinelli). Presentazioni di Giuseppe Sala, Filippo Del Corno, Domenico Piraina e Michele Coppola.

Con la mostra "Brasile. Il coltello nella carne" il PAC di Milano prosegue l'esplorazione dei continenti sulle tracce dell'arte contemporanea, proponendo una selezione di 30 artisti brasiliani di diverse generazioni, attivi dagli anni Settanta in poi. ‘Il coltello nella carne' (Navalha na Carne) è il titolo di un'opera teatrale dello scrittore brasiliano Plínio Marcos, particolarmente attivo durante gli anni della dittatura militare brasiliana. La mostra si dichiara così, sin dal titolo, in conflitto. Attraverso installazioni, fotografie, video e performance molti degli artisti invitati al PAC fanno riferimento a questo conflitto, che non ha un inizio e ancora meno una fine, è difficilmente riassumibile in parole e si traduce raramente in scontri fisici o battaglie. Non è un conflitto bellico, bensì sociale e, soprattutto, simbolico. Riunendo una serie di lavori realizzati in Brasile negli ultimi quarant'anni, la mostra rompe convenzioni e luoghi comuni senza pretendere di costituire un ritratto del paese o della sua scena artistica, ma piuttosto riflettendo sulla loro conflittualità: gli scontri, le violenze e i soprusi politici, sociali, razziali, ecologici e culturali. Un linguaggio diretto, all'apparenza ingenuo, ma in realtà carico di messaggi, racconta di sogni frantumati e di aspettative deluse, ma anche di un popolo che sa conservare un sorprendente ottimismo e una grande fiducia nel futuro.

Severi uomini d'arme, instancabili viaggiatori, accorti diplomatici, mecenati alla ricerca di visibilità, appassionati collezionisti in instabile equilibrio tra matura consapevolezza intellettuale, antica protervia e progressivo indebolimento politico e finanziario: nel passaggio di alcune generazioni gli Orsini e i Savelli, due delle famiglie baronali romane tra le più antiche, si trovano a dover mutare da feudatari a uomini di corte, da signori arbitri del destino delle proprie terre ad attori, a tratti protagonisti, nel gioco delle corti sul più vasto scacchiere europeo. Il volume raccoglie i frutti di un progetto triennale di ricerca ad ampio raggio sulle due famiglie, in dialogo con studi limitrofi sull’argomento e a confronto con altre realtà italiane. Committenze laiche ed ecclesiastiche, collezioni d’arte, pubblicistica e storiografia trovano spiegazione nella ricostruzione del contesto storico e familiare in un lungo arco cronologico, grazie ai risultati di un’accurata indagine sulle fonti d’archivio e sulle opere. Nel volume si tratta di architettura, di dipinti ed affreschi, di arazzi e argenterie, di libri, stampe, reliquie e curiosità, secondo una lettura che tiene saldo il filo delle vicende familiari nello specchio del tempo come chiave per comprenderne le ragioni e le dinamiche, procedendo per cerchi concentrici, da Roma ai feudi, dall'Italia alle grandi corti europee. Presentazioni di Maria Giulia Aurigemma e Mario Alberto Pavone.

Le opere a specchio dell’artista svizzero Christian Megert (nato nel 1936 a Berna) sono capaci di creare spazi indefiniti dalle dimensioni inedite attraverso il gioco di infiniti movimenti e riflessi, ombre che si gettano sulle pareti o sul pavimento nella creazione di una frammentazione ricostruita in una nuova unità. “Voglio costruire un nuovo spazio, uno spazio senza inizio e senza fine, dove ogni cosa vive ed è invitata a vivere, uno spazio allo stesso tempo tranquillo e rumoroso, immobile e mobile. Voglio che sia alto, alto quanto lo desidero, e basso quanto lo desidero. Deve essere soprattutto accessibile, la sua area può essere piccola o grande come una città, un paese o anche un pensiero. Cercate di trovare uno spazio senza un inizio e senza una fine e senza limiti. Se tenete uno specchio sollevato di fronte a un altro specchio, potete trovare uno spazio di infinite possibilità, un nuovo spazio metafisico.” (Christian Megert)

Sally Ross fa ridiventare iniziale il dipingere attraverso l'invenzione del suo proprio processo, dal re-interrogare il perché e il come della pittura, della sua fattura, del significato multiplo che può avere - della sua dissoluzione storica, della sua morte e della sua rinascita. Costruendo il quadro con/come pezzi di tela di diversa e sempre improvvisata dimensione, cuciti tra loro con filo di nylon, l'artista non solo rinuncia all'integrità e unitarietà della superficie, talvolta contaminata dal collage di frammenti od oggetti personali, ma disfigura la nozione stessa di immagine, rappresentazionale o astratta, poiché nessun accenno a un inizio di composizione viene continuato nei pezzi adiacenti.

Accostandosi a una tela di Music, il clamore e il trambusto della vita quotidiana svaniscono, lasciando spazio a una diversa densità: l'aria si muove lentamente attorno a forme pallide e tristi da lei levigate nei secoli. Trascorrono millenni. Pochi granelli di sabbia s'infiltrano impercettibilmente nel paesaggio disseminato di pietre. A poco a poco, monumenti fatti dall'uomo perdono la loro sostanza e diventano tessuti sottili tesi contro il cielo. Scende un silenzio sconfinato. Con un testo critico di Kosme de Barañano.