Silvana

Matteo Negri va costruendo da tempo, per vie felicemente non lineari, una sottrazione definitiva della pratica d'arte dalle sue componenti normative. Opera per coinvolgimenti sensibili forti, per evidenze conclamate, come sempre incorniciando in una dimensione di messinscena pensieri formali e circostanze mentali. Lavora, anche, sulle categorie ormai lise della storia artistica del Novecento, sul loro sdrucito nominare natura e artificio, visione e illusione, forma e ragionamento sulla e della forma. L'artista conduce un'operazione che ha il proprio innesco nella fascinazione e la sua sovversione gentile passa attraverso un'immersione e una deriva sensoriale complessa e fastosa, che non è inappropriato dire barocca. Per chi lo voglia, è uno dei meno scontati modi odierni di rimettere in circolo ragionamenti d'arte, chiedendosi, oltre il come, anche il perché.

La rassegna "Armonie verdi. Paesaggi dalla Scapigliatura al 'Novecento'" è la quinta tappa dell’iniziativa "Open", tour di eventi espositivi promossi dalla Fondazione Cariplo, in collaborazione con le Fondazioni di Comunità locali, che sta portando il patrimonio artistico dell’ente milanese in tutta la Lombardia, nelle province del Verbano Cusio Ossola e di Novara. Il tour "Open", per le sue finalità di promozione e diffusione culturale, è stato incluso fra le iniziative approvate per l’Anno europeo del patrimonio culturale 2018. Allestita nelle meravigliose sale di palazzo Viani Dugnani, recentemente restaurate grazie a un contributo della Fondazione Cariplo, la mostra si sviluppa in tre sezioni – Scapigliatura, divisionismo, naturalismo, realismo; Artisti del Novecento italiano; Oltre il “Novecento” – e svela l’incanto di oltre cinquanta opere provenienti dalle raccolte d’arte della Fondazione Cariplo, del Museo del Paesaggio di Verbania e dalle collezioni private in deposito presso il museo. Si tratta di un suggestivo e affascinante viaggio tra capolavori d’arte dalla fine dell’Ottocento alla prima metà del Novecento, che si snoda lungo scenari di grande poesia, bellezza e colore per indagare il rapporto senza tempo tra uomo e natura. Dagli incantevoli paesaggi del lago Maggiore, ritratti dal pennello di artisti come Federico Ashton, Carlo Fornara, Francesco Gnecchi e Mario Tozzi, alle suggestive atmosfere dei paesaggi di campagna, urbani e marini, testimoniati dalle opere di maestri quali Anselmo Bucci, Aldo Carpi, Filippo de Pisis, Emilio Gola, Umberto Lilloni, Ottone Rosai, Mario Sironi e Arturo Tosi. La rassegna, promossa dalla Fondazione Cariplo e dalla Fondazione Comunitaria del Verbano Cusio Ossola (VCO), in collaborazione e con il sostegno del Comune di Verbania, della Regione Piemonte e del Museo del Paesaggio, è espressione di un comune agire a tutela di patrimoni condivisi di cultura e valori.

Marzio Cialdi da circa quindici anni ha intrapreso un lavoro di ricerca che lo ha portato non solo a confrontarsi con materiali diversi, ma anche a elaborare un proprio stile e una propria poetica. Sempre affascinato dalla figura umana, il suo lavoro si è progressivamente allontanato nell'ultima fase della sua attività in un territorio più astratto, pur non rinunciando mai a trovare nelle sue opere riferimenti alla concretezza del mondo reale. In questa svolta decisivo è stato l'uso dell'acciaio corten, che sviluppa un'espressività materica che rimanda al tempo che scorre. Il volume gli rende omaggio attraverso oltre quaranta opere che, in maniera suggestiva, delineano il suo originale percorso artistico.

Il fiume di parole e d'immagini sul Giappone che si riversò in Occidente dopo il 1860 lo configurò per sempre come l'idillica terra del monte Fuji, coi laghi sereni punteggiati di vele, le geisha in pose seminude e gli indomabili samurai dalle misteriose armature. Il fascino che i guerrieri giapponesi e la loro filosofia di vita esercitarono sulla cultura del Novecento fu pari soltanto al desiderio di conoscere meglio la loro storia e i loro costumi, per svelare i segreti di una casta che prima di sconfiggere il nemico in battaglia aveva deciso, senza rinunciare ai piaceri della vita, di educare il corpo e la mente a sconfiggere i propri limiti e le proprie paure, per raggiungere l'impalpabile essenza delle cose. Prefazione di Roberto Badaracco.

Il volume è dedicato alla figura di Duilio Cambellotti (Roma, 1876-1960), un artista straordinario che ha saputo misurarsi con successo in svariate discipline, spaziando dalle forme d’arte più classiche a quelle più moderne, e ponendosi quale indiscusso interprete della sua epoca. Sei decenni di intensa e copiosa attività che le opere presentate in queste pagine intendono documentare, in un percorso che consente di ricollocare e apprezzare il lavoro del poliedrico artista nella sua interezza. Cambellotti infatti fu orafo, ceramista, illustratore, pittore, scenografo teatrale e cinematografico, costumista, fotografo e collezionista; ma soprattutto fu uno scultore originalissimo, che la più recente storiografia artistica identifica come il vero antagonista del dinamismo plastico boccioniano.

Nessun artista, nella scultura del Novecento, ha scolpito il mondo della vegetazione e, per essere più precisi, l'universo verde delle foglie, dei frutti, dei cespugli, degli arbusti, degli alberi, come Alik Cavaliere. Nella sua ricerca Alik ha affrontato molti soggetti, come si vede in questa mostra divisa in varie sedi milanesi (Sala delle Cariatidi, Museo del Novecento, Giardinetto di Palazzo Reale, Centro Cavaliere, Sala Ristorante dell'Università Bocconi, cui si affiancano i focus a Palazzo Litta e alle Gallerie d'Italia), ma il tema della natura, nei suoi aspetti di rigoglio e sofferenza, espansione e costrizione, è il cuore di tutta la sua opera. È un lavoro, il suo, in cui le tante fonti di ispirazione artistica si caricano di molteplici suggestioni poetiche e filosofiche, dando luogo a opere dense di significato, ma mai letterarie o meramente contenutistiche.

Come avvicinarsi al mito? Come interrogarlo? Come evitare di ricondurlo alla “convocazione” del segno? Girolamo Ciulla opera su questo crinale incerto, ambiguo, sdrucciolevole e al tempo stesso fascinoso: come una scultura, come un gesto plastico, può rendere evidente i tratti anfibi del mito? Il mito non è l’enigma. Si potrebbe piuttosto dire che il mito genera enigmi e Ciulla è un creatore di enigmi. Le sue opere, le sue figure totemiche, sembrano confermare questa ipotesi ed hanno memoria di quelle narrazioni, le possono ancora ascoltare.

Guido Harari possiede il raro talento di riuscire a cogliere la personalità dei musicisti in qualsiasi condizione; accade con la Fender Telecaster alzata verso il cielo da Bruce Springsteen o con le contorsioni di Iggy Pop, con il sonnellino di Fabrizio De André, con il ritratto “assai compreso di sé” di Philip Glass o quello “ispirato” – gli occhi al cielo – di Jan Garbarek. In ciascun caso il risultato finale è una fotografia iconica, pronta a depositarsi subito nell'immaginario collettivo no a smarrire persino la propria connotazione cronologica.

Le poesie di Giovanni Gastel fluiscono libere. Seguono o inseguono onde di emozioni, sentimenti, memorie, nostalgie, osservazioni, disperazioni, rassegnazioni. Ogni poesia è un'onda. Le onde arrivano una dopo l'altra, si rincorrono e rifrangono, mentre memorie, nostalgie e annotazioni si moltiplicano. Rientrano, ritornano, rimbalzano e ricadono.

Quando nel novembre del 1970 durante il Festival del Nouveau Réalisme, oggi noto come uno dei momenti epocali dell’arte contemporanea a Milano, Christo rimuoveva il telo bianco con cui aveva impacchettato il Monumento a Vittorio Emanuele II di piazza del Duomo per coprire il Monumento a Leonardo di piazza della Scala, Luigi e Peppino Agrati vivevano in diretta il grande evento, entrando da subito in contatto con l’artista a cui commissionarono alcuni interventi per il giardino della loro villa. Grandi imprenditori, gli Agrati hanno condiviso un’intuizione sensibile e sottile per l’arte, capace di cogliere le profondità delle immagini che stavano “costruendo” il loro tempo. La mostra è la prima occasione per rivelare al pubblico la collezione, donata con generosità e lungimiranza da Luigi Agrati a Intesa Sanpaolo, attraverso una selezione rappresentativa di opere di arte italiana e americana. Da un primo grande nucleo di sculture di Melotti ad alcuni capolavori di Fontana, Burri e Klein, l’esposizione approfondisce la pittura di “nuova figurazione” italiana per arrivare alle radici della nascente Arte Povera. La scoperta dell’arte americana corrisponde all’acquisto di opere dei principali esponenti sia della corrente Pop – ne è icona Andy Warhol e il suo monumentale Triple Elvis – sia delle tendenze minimali, di cui è emblematico il grande neon di Dan Flavin dedicato a Peppino Agrati. In una sorta di costellazione plurima accanto all’arte italiana entrano così nella raccolta le straordinarie opere di Robert Rauschenberg, collezionato ampiamente dalla fine degli anni Sessanta fino agli anni Ottanta, di Cy Twombly, originale mediatore tra cultura d’oltreoceano e cultura italiana, e di artisti concettuali come Bruce Nauman e Joseph Kosuth, le cui ricerche sul linguaggio sono messe in dialogo con quelle di Alighiero Boetti e Vincenzo Agnetti.

Il volume offre l’occasione per riflettere sul collezionismo e sull'amore per l’arte, prendendo spunto da una selezione di opere - esposte per l’occasione a Palazzo Fortuny - appartenenti a una raccolta di grande qualità che presenta un’ampia panoramica sull'arte italiana del XX secolo: la Collezione Merlini. Opere dei grandi protagonisti del panorama artistico del Novecento, esemplari delle correnti fieramente contrapposte di realismo e astrattismo, e della successiva stagione dell’Informale. Dal percorso così delineato emergono la passione e la curiosità intellettuale, alla base della nascita e dello sviluppo di ogni raccolta vasta e approfondita come quella qui esposta. Il volume accoglie testi critici e un’intervista al collezionista Giuseppe Merlini. Saggi di: Dario Dalla Lana, Francesco Poli, Mariella Gnani.

Enrico Coveri sta a Andy Warhol come Francesco Martini Coveri a Maurizio Galimberti. Complicità ad altissimo tasso creativo. A differenza di Warhol, però, Maurizio Galimberti Enrico non l’ha conosciuto. Ma per felice intuizione di Francesco lo incontra oggi, in una rilettura dell’universo creativo, attraverso quel linguaggio inconfondibile che l’ha proiettato ai vertici mondiali della fotografia. Cifra stilistica quei mosaici di Polaroid che tanto sarebbero piaciuti a Enrico, il quale dalla Polaroid non si staccava quasi mai. Per fissare l’attimo fuggente in schegge di eternità.