Silvana

Giovanni Bellini, "uno dei grandi poeti d'Italia" nelle parole di Roberto Longhi, e Andrea Mantegna, colui che "scolpì in pittura propria viva et vera" nel sonetto di Ulisse degli Aleotti, furono due giganti della storia dell'arte occidentale, caratterialmente assai distanti, ma uniti da un profondo legame familiare. La figlia di Jacopo Bellini e sorellastra di Giovanni, Nicolosia, sposa infatti nel 1453 Mantegna. Dal matrimonio si genera uno dei più appassionanti dialoghi pittorici del Quattrocento, avendo realizzato entrambi il tema della "Presentazione di Gesù al Tempio". Una coppia di opere per la prima volta, dopo mezzo millennio, presentate una accanto all'altra. Un evento eccezionale di cui questo volume narra ogni vicenda, in un'appassionata analisi dei dipinti e del rapporto tra i due artisti.

C’è una linea di continuità, sviluppo ed evoluzione nella pittura italiana del Novecento (e anche del Duemila), che ha come sorgente le definizioni linguistiche del Divisionismo italiano. Il libro concretizza, principalmente attraverso apposite riprese fotografiche di particolari di opere, alcuni momenti dello specifico sguardo di pittore dell’autore, in viaggio nel tempo delle memorie di diverse declinazioni linguistiche in successione storica, fino al passaggio nel presente, in proiezione futura. Questa operazione rientra nelle azioni dei dialoghi di colore di Brera ed è la premessa finalizzata all’avvio di uno specifico dibattito aperto.

Il Museo Accorsi-Ometto, nato per far conoscere uno straordinario patrimonio di arredi e di opere d'arte, ha tra i suoi compiti, oltre alla salvaguardia dell'arte del XVIII e XIX secolo, anche l'ampliamento delle proprie raccolte, mantenendo inalterato il gusto e lo spirito collezionistico del fondatore, Pietro Accorsi. Il volume illustra le acquisizioni operate negli ultimi dieci anni allo scopo di colmare alcune lacune espositive e, soprattutto, di "riportare a casa" capolavori dell'arte piemontese che rischiavano di migrare all'estero o di perdersi nel labirinto del collezionismo privato. Tra questi, i tre gruppi scultorei in terracotta di Francesco Ladatte, lo scultore dei re di Francia e di Sardegna, e i mobili di Pietro Piffetti, autore di alcuni tra i più celebrati capolavori dell'ebanisteria barocca. Sono solo una piccola parte degli oggetti entrati in museo: ne sono altri esempi l'incantevole Venditrice di Amorini in biscuit di Meissen del 1790-1800; le miniature francesi che ritraggono eleganti gentiluomini e nobildonne del XIX secolo; gli oggetti in porcellana della manifattura di Vincenhes e della dinastia Qing montati su bronzi dorati e, ancora, i ritratti dei Savoia di Louis-Michel van Loo e di Giovanni Panealbo, le Allegorìe di Giuseppe Bernardino Bison, gli orologi francesi e gli argenti napoletani. Tutte opere che rappresentano un omaggio incondizionato alle arti decorative e, allo stesso tempo, uno spassionato amore per il bello.

"Uno stralcio delle ultime volontà del testamento olografo di Neri Pozza (Vicenza, 5 agosto 1912-6 novembre 1988) - rese pubbliche il 16 dicembre 1988 dal notaio Giuseppe Boschetti di Vicenza - illumina il senso profondo di un legato. Non solo, e per certi versi provocatoriamente, possa essere d'abbrivio a un museo d'arte contemporanea a Vicenza, ma le sue opere siano diletto per i concittadini e un omaggio a una città a cui Neri Pozza è sempre stato, dialetticamente, profondamente legato..." (Dall'introduzione)

Il Museo della Tecnica Elettrica di Pavia può a tutti gli effetti considerarsi una Wunderkammer dell’età moderna. Questa pubblicazione ne ripercorre la storia e ne illustra le “meraviglie”, dando voce a quegli scienziati e inventori che hanno segnato la nostra modernità, e offre al contempo un panorama inedito dei rapporti che collegarono le scoperte e le invenzioni nel campo dell’elettricità al costume, alla letteratura e alle arti, dalla metà del Settecento ai nostri giorni. Un percorso nello spazio e nel tempo permette di riscoprire le innumerevoli tangenze tra tecnica elettrica e fare artistico, innovazione e creazione, ricerca scientifico-tecnologica e processo creativo. Sperimentando gli effetti di prodigiose “macchine elettriche”, si incontreranno “elettrofori girovaghi” e cadaveri galvanizzati, fabbriche di fulmini e spettacoli fiabeschi: una straordinaria serie di performance ante litteram che stupirono i contemporanei e che si affacciano sul nostro presente con la forza dirompente di un immaginario rimosso. Testimone di quante affinità possano collegare i reperti di una collezione scientifica ai lavori presenti nei musei e nelle gallerie d’arte è infine il confronto con una variegata serie di opere realizzate nel corso del Novecento, che spaziano dalle ricerche dei Costruttivisti alle azioni della Body Art, per giungere ai risultati degli anni a noi più vicini.

Il continuo stupore per la vita è il filo conduttore dell'opera pittorica di Angelino Balistreri (Quarta Sant'Elena, 1922-Macerata, 2015), sviluppatasi fra la seconda metà del XX secolo e gli inizi del secolo successivo in Italia, in Francia e in remoti territori dell'Africa e del Medio Oriente. Le sue fasi sono scandite dal confronto con i modelli dei grandi pittori del Novecento, da Picasso a Chagall, e con fondamentali movimenti di avanguardia come l'espressionismo, figurativo o astratto, e il surrealismo, ma anche con memorie della più antica civiltà mediterranea, in specie della Sardegna, terra natale del pittore. Con una varietà di stili e una tecnica inconfondibile, consistente nello stendere il colore soprattutto con la spatola, Balistreri fa intendere tutto il valore di quel primitivismo moderno che Baudelaire annunciava scrivendo: "Il genio non è che l'infanzia ritrovata con la volontà".

Orienti: un eccezionale viaggio a ritroso nel tempo di 7000 anni, una storia di grandi culture costruite con infinita lentezza nel corso dei secoli sugli immensi spazi di un intero continente, l’Asia. Luoghi e culture quali quelle del Vicino e Medio Oriente preislamico, dell’antico Yemen – l’Arabia Felix dei greci e dei romani –, gli imperi degli achemenidi, dei parti e dei sasanidi, l’arte islamica medio-orientale, gli sconfinati spazi dell’Asia meridionale e dell’Himalaya, fino alle più remote aree della Cina e del Giappone, proposti attraverso alcune produzioni artistiche esemplari. Mediante scambi commerciali e reti di conoscenze, campagne di conquista e acquisizioni di saperi, le opere giunte a noi – pezzi unici che non intendono essere esaustivi rispetto a questa immensa storia – si presentano con tutta la loro potenza e fragilità, ponendoci nell’ottica di una comprensione talvolta impossibile per la mancanza di fonti scritte, ma con l’imposizione di preservare e accogliere il passato attraverso tutte le sue forme, anche quelle più lontane nel tempo e nello spazio.

La riflessione sul paesaggio è il fulcro dell'immaginario poetico di Franco Fontana, la cui opera è da sempre tesa a mostrare l'enigma dell'invisibile che si cela nel visibile. La fotografia, infatti, è lo strumento attraverso il quale egli coglie l'inesistente di ciò che è reale, sempre in bilico tra rappresentazione del vero e il cosiddetto vero. Il lavoro di Fontana rappresenta dunque un'analisi sul vedere inteso come attività immaginativa e conoscitiva: le sue intenzioni non si limitano alla documentazione dell'aspetto dei luoghi o delle figure che immortala, né a un'idea di immagine solo quale oggetto estetico. Al contrario, egli propone una riflessione che, pur tenendo conto della realtà, contempla anche una rivalutazione della percezione attraverso la fotografia.

Il volume raccoglie la prima sistematica ricerca di Poesia Visiva su ceramica con oltre duecento opere dei suoi più importanti rappresentanti. Parole, immagini e forme ceramiche intrecciano un dialogo nuovo e singolare, che attinge alle sperimentazioni linguistiche delle neoavanguardie del secondo Novecento, con particolare riguardo al mondo della Visual Poetry. Un progetto senza precedenti, rappresentativo della produzione artistica su supporto ceramico di circa trenta poeti verbovisuali, nato e sviluppato con il generoso supporto di Isaia Mabellini, in arte Sarenco, con il fondamentale contributo dei principali collezionisti italiani e di alcuni rilevanti artisti di Poesia Visiva, uno su tutti Lamberto Pignotti, nonché con il sostegno del maestro ceramista Michelangelo Marchi, che nel suo laboratorio ha permesso che si realizzassero le ceramiche dei poeti visivi attivi presso la Domus Jani, straordinario luogo di ricerca artistica, concepito dallo stesso Sarenco.

Questo piccolo - ma solo per dimensioni - capolavoro correggesco raffigurante Sant'Agata era arrivato a Senigallia nella seconda metà dell'Ottocento, portato in dono da un gentiluomo inglese al celebre medico Angelo Zotti (Imola 1833 - Senigallia 1884), luminare che gli salvò la vita. La tavola passò, attraverso diverse vicende ereditarie, in possesso di due nobili sorelle residenti a Fano. È qui che nel 2003 la vide Dario Fo, interpretando il volto della santa come un ritratto di Jeronima, moglie bellissima del Correggio, ed è proprio grazie all'attore premio Nobel che il dipinto venne restaurato e pubblicato, arrivando oggi a essere esposto al pubblico. Il volume è costruito per immagini e testi che raccontano il Correggio e che conducono, attraverso confronti stilistici e documentari, alla tavola con la Sant'Agata, dimostrando come l'espressione del viso della modella ritratta dall'artista sia stata poi impiegata, nelle sue peculiarità, in grandi e famose tele - sacre e profane - del "Pittor delle Grazie".

I duchi di Urbino hanno dimostrato un particolare interesse nei confronti del giardino, luogo fondamentale della vita e dell'estetica della corte, progettando in ogni loro residenza urbana e suburbana splendidi e differenti spazi all'aperto. Questo contributo consentirà di meglio comprendere lo sviluppo di un aspetto culturale che ha posto il ducato urbinate anche in questo campo all'altezza del confronto con le altre corti italiane del Rinascimento. Ci si renderà conto che lo sviluppo dell'idea di giardino è strettamente legata alle diverse personalità dei duchi ma anche delle duchesse che, come nel caso di Leonora Gonzaga o Lucrezia d'Este, hanno portato in questi luoghi l'esperienza di altri centri. II volume intende accompagnare il lettore nella scoperta dei giardini ducali che non esistono più, come quelli di alcune perdute ville pesaresi o l'urbinate giardino di Santa Lucia, ma anche di rilanciare l'attenzione su realtà ancora fruibili come il giardino pensile del palazzo ducale di Urbino o i giardini dell'Imperiale e di villa Miralfiore a Pesaro. Per la prima volta vengono posti a confronto su questo tema alcuni tra i principali centri del ducato, dando vita a un percorso che prende avvio con i giardini di Urbino e di Gubbio, da dove tutto è cominciato, e prosegue con Pesaro, Fossombrone e Urbania; iniziando con Federico da Montefeltro (1422-1482) e concludendosi con l'ultimo duca, Francesco Maria II Della Rovere (1549-1631). Tutti i luoghi considerati hanno offerto il loro contributo alla storia del giardino formale all'italiana, dove la natura, organizzata secondo precisi schemi, restituisce il gusto delle diverse epoche.

"In queste foto scattate in occasione dello spostamento obbligato e veloce, in tre giorni, da una sede all'altra della MaxMara, l’azienda per cui da tempo lavora, Cesare Di Liborio ribadisce che non esistono soggetti privilegiati, che si può scegliere e fotografare anche quello che sembra più trascurabile e farne l’oggetto di un discorso artistico." (Antonella Annedda)