Silvana

Il volume propone un nuovo approccio alla comprensione della pittura analitica, un movimento non strutturato ma al contrario fluido, che ha visto partecipare, accanto a un nucleo più o meno costante di pittori, anche personalità diverse, che hanno condiviso con i primi alcuni presupposti filosofici, estetici, tecnici. In queste pagine si intende chiarire le collocazioni dei vari partecipanti al movimento, individuando i protagonisti a tutti gli effetti, i compagni di viaggio, che sono apparsi nelle mostre analitiche soltanto alcune volte, o non le hanno presenziate affatto, e infine gli artisti più giovani che hanno fatto tesoro degli "insegnamenti" analitici e che possono considerarsi come "eredi" dei più anziani.

Pubblicato in occasione della grande mostra a CAMERA - Centro italiano per la fotografia, il volume ripercorre la storia e la leggenda dei “paparazzi”, fenomeno fotografico e di costume nato negli anni in cui Roma era diventata “Hollywood sul Tevere”. Attraverso oltre 120 immagini, si susseguono le figure dei protagonisti di quella stagione, soprattutto i divi e le divine del cinema, e i racconti fotografici delle notti brave di via Veneto tra gli anni cinquanta e sessanta. Le fotografie di Tazio Secchiaroli, Marcello Geppetti, Elio Sorci, Ron Galella e di tanti altri protagonisti di quelle vicende compongono - insieme alle pagine delle riviste in cui furono pubblicate - un affresco della comunicazione popolare del tempo. Terminata la stagione eroica dei paparazzi, quel linguaggio diviene un codice, utilizzato in diversi contesti artistici e commerciali, come dimostrano le immagini di protagonisti della scena fotografica odierna come Alison Jackson, Armin Linke e Ellen von Unwerth, che chiudono il volume.

Il catalogo presenta l'opera di Pirro Cuniberti (1923-2016), artista bolognese, creatore di un mondo fantastico impregnato di ironia e poesia geniali, trepide, fantasticanti. Lo spazio "assoluto" dove prendono vita le sue creazioni è soprattutto il foglio di carta, il luogo di ogni possibile messa in scena della sua visione del mondo, delle sue intuizioni espressive, dei suoi lirismi lineari e cromatici, delle sue ironiche strampalate narrazioni visive, delle sue iperboliche fantasie, dei suoi cataloghi e musei di segni, delle sue mappe e alfabeti, dei suoi paesaggi e personaggi, dei suoi viaggi e vagabondaggi in microuniversi paralleli.

Jacob Hashimoto ed Emil Lukas sono stati chiamati a riflettere sul tema della fine dell'utopia attraverso una serie di opere "site-specific" ospitate a Palazzo Flangini a Venezia. Decenni di sfruttamento ambientale hanno lasciato l'umanità pericolosamente in bilico su tutti i fronti: politico, sociale, economico, naturale, tecnologico ed ecologico. Tutto ciò che è stato progettato dall'uomo per avvicinarsi all'utopia - siano essi algoritmi, sistemi, infrastrutture - sembra ora perdere il proprio valore. In questo contesto, anche l'arte cambia il suo significato. Le opere degli artisti americani, documentate in queste pagine, offrono un inedito spunto di riflessione su questo tema.

A trentotto anni dalla scomparsa di Luigi Di Sarro (1941-1979), molti sono i saggi e gli scritti pubblicati sulla sua figura di uomo e di artista. Così come molte sono le letture offerte e le ipotesi formulate sul suo lavoro. È dunque complesso pensare di poterne offrire una nuova visione, ma si tenta di approfondire alcuni aspetti del suo atteggiamento nei confronti della cultura, del sistema dell'arte e del suo metodo di lavoro. Con Di Sarro ci troviamo di fronte a un ricercatore, con tutte le peculiarità che questa definizione comporta. Le sue opere - dai disegni alle pitture, dalle sculture alle fotografie - rivelano un artista costantemente in fieri. Di Sarro non si è dato e non ha dato delle risposte definitive, ha piuttosto proposto nuovi quesiti. Il suo, infatti, è un atteggiamento empirico, di sperimentazione ad ampio raggio, che deriva principalmente dalla sua formazione scientifica corroborata da una personalità vivace, in continuo movimento sia fisico che intellettuale.

Quest’avventura nasce da un piccolo progetto che poco a poco si è arricchito fino a diventare un volume. Stefano Guindani infatti ha deciso di portare con sé, in occasione di un viaggio in Islanda programmato nel maggio 2016, non solo le sue dotazioni professionali, ma anche uno smartphone Samsung Galaxy S7 edge. L’obiettivo iniziale era quello di condividere il suo viaggio con alcuni scatti che ritraessero i momenti più significativi e i luoghi più emozionanti.

Simonetta Ferrante (Milano, 1930) intrattiene fin da giovanissima rapporti di lavoro e amicizia con i principali esponenti del circolo internazionale di grafici, designer e fotografi presenti nella metropoli lombarda, ma non solo. Inizia la sua attività nel graphic design presso Max Huber, frequenta su consiglio di Giovanni Pintori la "Central School of Arts and Crafts" di Londra, lavora con Bob Noorda, poi con Bruno Munari, collabora con Giovanna Graf e Carlo Pollastrini per Supermercati Esselunga, Galgano, Fotorex, Elettrocarbonium, 3M-Minnesota, Mondadori, Rizzoli e Data Control. Si dedica in seguito all'incisione, alla pittura, al collage, ai libri d'artista, alle installazioni e, in particolare, è affascinata dall'arte calligrafica. Tali ambiti disciplinari sono complementari e da intendersi quali fasi di un'unica poetica artistica diretta allo studio del segno, del colore, del ritmo e della scrittura: tra grafica, design, arte e calligrafia.

In un tempo nel quale l'omologazione globale e tecnologica pare mettere in discussione ogni identità, ciascuno è chiamato a interrogarsi sulla propria storia. Un'esigenza ancor più sentita in una realtà, come la pianura Padana, dove piccole ma grandi "capitali" di principati e ducati sono state protagoniste del Rinascimento e terreno di battaglia tra potenze che andavano definendo l'Europa che oggi conosciamo. Dai romani a Carlo V, dal Guicciardini a Napoleone, la grande storia è fluita lungo la via Emilia mescolandosi con la sua gente fino a segnarne il carattere e le opere. Nasce da questo lento intreccio un'identità capace di essere allo stesso tempo locale e cosmopolita. Dunque, non solo cattedrali, palazzi, regge, grandi cicli pittorici o visionarie opere pubbliche, ma anche ingegno e intraprendenza che hanno saputo farsi industria di casa nel mondo. In tale prospettiva svelare un "microcosmo" come San Martino in Rio, investigarne i piccoli e grandi protagonisti, scoprire i segreti di una "fabbrica" come quella progettata dal grande architetto Piermarini, rappresenta un atto di amore verso gli uomini e le donne che nel corso del tempo hanno resa viva questa comunità. Un piccolo esercizio per far sì che i vecchi e i nuovi cittadini di San Martino possano sentirsi, senza alcuna distinzione, radicati nel passato, consapevoli del presente e pronti a costruire il loro futuro.

"L'inattesa meraviglia offerta dallo scorgere il proprio volto, come fa Marguerite Yourcenar con i sentimenti dei suoi personaggi, mi ha suggerito di ritornare a sporgermi sul 'fiume specchiante' che Caterina Arcuri propone per questa mostra. Provo ad ascoltare a memoria il brusio dell'acqua tra i sassi o il monocorde silenzio del grande fiume; ne scorgo la trasparenza della forma, con le sue ombre, disegnate come pause che delineano lo spazio; il riflesso della superficie che, scandendo il tempo, si dilata sino a disperdere la propria forma nell'impalpabile spazio dello specchio. Caterina cerca, attraverso l'artificio del materiale diafano, di guidare l'occhio dello spettatore a sperdersi nel suo filtro. Spinge a scorgere, a riconoscere, dunque, a porsi nella dimensione dell'incontro che è proprio della vita. È una scelta necessaria per dar agio alla metafora di farsi desiderio di un intimo naufragio che spinge l'artista oltre il minimalismo formale del suo procedere per strutture primarie: Caterina ha voluto lasciare che il 'tempo' trovasse una sua forma, una sua immagine." (Massimo Bignardi)

La collezione del Grande Museo del Duomo di Milano si presenta come un insieme articolato, i cui nuclei principali sono costituiti dal tesoro, da sculture e modelli scultorei, e dalle vetrate a cui si affiancano dipinti, arazzi e altri materiali di notevole importanza storica e artistica. Su questo patrimonio hanno lavorato diversi specialisti, fornendo la panoramica completa e definitivamente attendibile dello stato degli studi e delle conoscenze presentata in questo catalogo. Le 847 schede illustrano tutti gli oggetti esposti secondo il loro attuale ordinamento in museo; saggi più estesi formano la sezione introduttiva che consente di inquadrare in un più vasto contesto tematico i nuclei della collezione. Alma Wittlin scrisse in “Museums: in search of a useable future” (1970): “I musei non sono un fine in se stessi, ma un mezzo al servizio dell’umanità”, e anche questo catalogo non è un fine in se stesso, ma un mezzo a servizio di tutti coloro che si dedicano appassionatamente a studiare il patrimonio artistico, culturale e spirituale legato al preziosissimo lavoro della Veneranda Fabbrica nei suoi 630 anni di storia.

La tendenza a fondere le diverse arti, riconducibile all’eliminazione dei confini tra le molteplici categorie artistiche verificatasi agli inizi degli anni sessanta, oltre a portare un cambiamento del linguaggio visivo in genere, determina la nascita di una nuova pratica d’arte, in cui la sparizione dell’opera - quadro o scultura che sia - conduce l’artista ad assumere come mezzo espressivo il corpo. Il volume rintraccia e analizza il percorso di autodeterminazione della donna che ha segnato i due decenni sessanta e settanta, e che ha declinato in vario modo le istanze femministe di alcune artiste come Marina Abramovic, Tomaso Binga, Sanja Ivekovic, Ketty La Rocca, Gina Pane, Suzanne Santoro e Francesca Woodman, e pioniere nella danza come Trisha Brown, Simone Forti e Yvonne Rainer. Negli ultimi anni, inoltre, il linguaggio del corpo è stato ripreso anche da artiste italiane quali la coppia formata da Eleonora Chiari e Sara Goldschmied, Chiara Fumai, Silvia Giambrone, Valentina Miorandi e Alice Schivardi - e dal collettivo artistico con base a Parigi Claire Fontaine. Tutte hanno riattualizzato l’eredità ricevuta da chi le ha precedute, realizzando una serie di opere che compenetrano le ragioni dell’estetica con quelle della politica.

Carla Chiusano presenta oltre venti tele realizzate a olio e stucco su tela abitate da figure, paesaggi, ambienti di una possibile iconografia contemporanea che nasconde bisogni, desideri e sogni. Superando definizioni e categorie, lo stile di Carla è sua diretta emanazione. Ironico, spontaneo, sicuro, preciso, costante, prende tempo per riflettere e poi agisce, misto di impulso e ragionamento. A volte è lei stessa a entrare, curiosa, tra i soggetti delle tele, altre si traveste in quella sagoma da "cartoon", esile e divertita, che prende le sembianze di una valigia, di una maniglia o sbuca nei messaggi di un mare di bottiglie alla deriva. I sogni sono dietro una porta e Carla Chiusano ricorda che in fondo basta aprirla e guardare avanti.