Silvana

Galileo Galilei è per tutti lo scienziato che ha posto le basi del metodo sperimentale e dell'autonomia della ricerca. Ma anche "il più gran fisico e matematico del mondo", per Giacomo Leopardi, nonché "il più grande scrittore della letteratura italiana di ogni secolo", nelle parole di Italo Calvino. Galileo fu inoltre un virtuoso musicista, un artista efficace, un grande critico d'arte; e ancora un imprenditore avveduto, un uomo di mondo, di amicizie, di passioni molto terrene; un tecnico di magistrale abilità, un intuitivo ingegnere. E nei secoli un'icona del genio italico, il simbolo della ribellione, il prototipo e l'archetipo dell'uomo moderno. "Rivoluzione Galileo", dunque, poiché dopo Galileo nulla fu come prima, compiendosi in lui due secoli di umanesimo, celebrandosi in lui l'unità tra arte, scienza e filosofia. Attraverso duecento opere si celebra l'avventura umana della "mente più grande di tutti i tempi" (Ugo Grozio), colui che mutò il modo di intendere e concepire la realtà, ponendo ai contemporanei e alle generazioni future una domanda precisa, che attende ancora oggi risposta: qual è il limite della conoscenza?

L'opera di Riccardo De Marchi (Tarvisio, 1964) invita l'osservatore a un esercizio ermeneutico. Le sue sequenze lineari dei buchi, scalati in righe sovrapposte su diverse superfici - in alluminio, in plexiglas o polietilene - esibiscono impaginati e formati di scritture lontane, indecifrabili, che tanto più perentoriamente si affermano quanto più si sottraggono alla lettura e alla comprensione. Allineati e alternati in diametri diversi, assumono l'aspetto di impaginati artistici, dittici arcaici, textures alfabetiche. Ma l'ossessione scritturale di De Marchi va oltre, invadendo oggetti comuni, copertine di dischi, cucchiai, conchiglie e cartoline, come fosse una marcatura indelebile e misteriosa delle cose. Il silenzio dei segni che De Marchi mette in scena non è altro che l'apertura di uno spazio di lettura negato e, proprio per ciò, di una scrittura in permanente stato di attesa.

Nel secondo Ottocento la donna, protagonista del suo tempo anche al di fuori delle mura domestiche, cerca di costruire un’immagine di sé seducente, alla cui elaborazione contribuiscono, in singolare unità di intenti, il sarto e l’artista. La moda, infatti, trova da sempre un riscontro visivo nelle arti figurative, che diventa ancor più evidente nel periodo preso in esame: pittori e scultori registrano con estrema attenzione la complessa varietà di abiti, calzature, copricapi, acconciature, gioielli, decori. Raccontano questo fenomeno opere firmate da celebri autori – tra cui Antonio Ciseri, Tranquillo Cremona, Giuseppe De Nittis, Giacomo Favretto, Adolfo Feragutti Visconti, Giacomo Grosso, Luigi Rossi, Vincenzo Vela, Federico Zandomeneghi – che permettono di seguire l’evoluzione del linguaggio formale in un suggestivo dialogo con quindici abiti datati tra il 1860 e il 1905 realizzati da atelier italiani e stranieri, come la celebre sartoria parigina Worth. Ideale collegamento tra arte e moda sono poi i ventagli d’artista, oggetti di appassionato collezionismo da parte delle dame dell’epoca, di cui si presenta una selezione che culmina negli esemplari di Giovanni Segantini e Gaetano Previati. Alla contessa Carolina Maraini-Sommaruga, protagonista del mondo della filantropia e protettrice delle industrie femminili in Italia e nel Cantone Ticino, immortalata da molteplici pittori quali Vittorio Corcos e Giovanni Boldini, è dedicato infine un ricco affondo monografico.

Il segno è l'oggetto di un incontro che rinnova il proprio destino per la capacità di assorbire l'io e di porlo in relazione con la collettività. Ma non si limita a questo: è una forma di racconto partecipativo che trasmette la parte privata del rituale senza imporre un distacco tra soggetto e oggetto; allo stesso tempo, appare come una zona di libertà incondizionata in grado di aderire al sentimento delle cose. I quattro percorsi intorno al segno di Sergi Barnils, Giuseppe Capogrossi, Achille Perilli, Joan Hernández Pijuan, in apparenza così distanti, spesso convergono, a dimostrazione di quanto sia attuale un'ipotesi linguistica che prosegue nel tempo e in ogni circostanza pone nuove problematiche.

Il volume "Love" accompagna la mostra omonima alla Collezione Maramotti. Attraverso un percorso immaginifico nell'opera di Luisa Rabbia dal 2009 al 2017 e un testo critico di Mario Diacono si rintracciano gli elementi salienti della sua arte: l'uso del colore blu e delle impronte digitali; lo slittamento dalla dimensione interiore a quella sociale; la connessione fra gli esseri umani e l'ambiente che li circonda.

Il gioiello è tradizionalmente considerato un ornamento e una decorazione, un oggetto inutile, privo cioè di qualsiasi funzione o utilità, un abbellimento che non risponde a nessuna funzione pratica. Questo volume indaga le evoluzioni del gioiello funzionale dal passato al presente e i tre prestigiosi saggi introduttivi di Alba Cappellieri, Paola Venturelli ed Elisabeth Fischer dimostrano come in tutte le epoche il gioiello abbia sempre avuto anche un ruolo funzionale, soprattutto in relazione all’abbigliamento. Le diverse funzioni del gioiello sono poi definite dai progetti dei giovani designer internazionali, finalisti del Next Jeneration Contest, nella rassegna a cura di Susanna Testa. "Gioielli funzionali" è uno strumento prezioso per comprendere la complessità e la bellezza del gioiello, anche nella quotidianità di gesti ordinari quali legare i lembi del mantello, chiudere il cappotto, acconciare i capelli o proteggere lo smalto delle unghie.

Il progetto De Truffle è stato sviluppato in due anni da Alessi con l’Ente Fiera internazionale del tartufo bianco d’Alba e ha coinvolto quindici designer internazionali per la progettazione e la realizzazione di un kit di oggetti dedicato al tartufo bianco d’Alba. I designer invitati, i cui progetti sono rappresentati in questo volume, hanno affrontato la sfida con una grande complessità che ha interessato non solo gli aspetti funzionali ed ergonomici, ma anche quelli simbolici e analogici legati al territorio delle Langhe e alla drammaturgia del servire a tavola il tartufo.

È dedicato ad Ambrogio Lorenzetti questo volume, edito in occasione della mostra ospitata nell’autunno 2017 a Siena. Ambrogio Lorenzetti, fratello minore di Pietro, è autore di celeberrimi affreschi tra i quali "Le allegorie del buono e cattivo governo" nel Palazzo Pubblico di Siena, considerate il suo capolavoro. Da decenni la produzione del maestro – la cui attività è documentata dal 1319 al 1348 – non veniva compiutamente analizzata nel suo insieme, e l’occasione dei recenti restauri di diverse sue opere – cicli ad affresco e tavole – ha offerto importante materia di riflessione, confluita nei saggi qui raccolti. Il volume offre quindi un contributo di grande rilevanza alla conoscenza di questo pittore, che si distingue non solo per la potenza delle sue composizioni, per i brillanti cromatismi e per la complessa simbologia delle sue opere mature, ma anche per l’originalità di certe invenzioni iconografiche, alcune delle quali talmente provocatorie da essere immediatamente modificate – e riemerse sotto le pitture solo a seguito di approfondite analisi.

In Val di Sella, nel comune di Borgo Valsugana, in provincia di Trento, è nata nel 1986 Arte Sella, un’iniziativa volta a promuovere l’arte contemporanea nel contesto naturale. Lungo i sentieri, tra i boschi si incontrano opere d’arte realizzate con materiali naturali, creazioni effimere spesso destinate a scomparire. Molte di queste, infatti, sono ritornate alla natura e di esse rimane solo la documentazione fotografica. Tuttavia il lavoro di ciascuno degli artisti che ha partecipato al progetto ha contribuito a rafforzarlo e a rendere reale la possibilità di agire delicatamente sulla natura e sempre a suo favore. Negli anni Arte Sella si è dimostrata occasione di importanti interventi artistici e grazie alla sua presenza la valle ha assunto una connotazione particolare: accanto alle bellezze del luogo, l’incontro con le opere offre ai visitatori sensazioni ed emozioni ineguagliabili. Più di 200 artisti, provenienti da diverse nazioni, hanno collaborato: Claudio Costa, Nils-Udo, Giuliano Mauri, Patrick T. Dougherty, Dominique Bailly, Chris Drury, Alan Sonfist, Marinette Cueco, François Lelong, Roberto Conte, Aeneas Wilder, Luc Schuiten, Michelangelo Pistoletto, Arne Quinze e molti altri ricordati in questo volume.