Silvana

Il volume accoglie saggi critici e approfondimenti volti a offrire una panoramica di ampio respiro sull’intensa stagione del Liberty palermitano nelle molteplici sfaccettature, nella poliedricità e nell’internazionalità che hanno contraddistinto questo vero e proprio fenomeno, ripercorrendone i tratti salienti anche grazie a un ricco apparato iconografico. Le trame del viaggio qui raccontato, simbolicamente inaugurato dal completamento del grandioso cantiere del Teatro Massimo e concluso con una serie di manifestazioni di alto livello ma ormai fuori tempo limite, riflesso di una società rimasta ancorata al mito della sua ‘età d’oro’, si dipanano così attraverso una ricca selezione di circa cinquecento opere. Esito di un tessuto imprenditoriale, artigianale e artistico di respiro europeo, si tratta di progetti architettonici e disegni di oggetti d’arte applicata, di arredi, dipinti, sculture, vetrate ma anche gioielli, abiti, accessori e, ancora, ceramiche, bozzetti decorativi e fotografie provenienti da svariate collezioni e archivi, sia pubblici sia privati. Testimonianze preziose qui chiamate a stimolare un nuovo affondo critico su questa stagione felicissima che vide all’opera alcuni dei principali protagonisti della cultura dell’epoca: da Ernesto Basile, Vittorio Ducrot, Paolo Bevilacqua, Michele Cortegiani ed Ettore De Maria Bergler, a Luigi Di Giovanni, Gaetano Geraci, Salvatore Gregorietti, Ettore Ximenes, Antonio Ugo e altri ancora.

Il volume rievoca la Belle Époque, un periodo d’oro che vede come centro propulsore dell’arte, della cultura e del progresso la città di Parigi, meta di soggiorno obbligato per gli artisti italiani della seconda metà dell’Ottocento desiderosi di aggiornarsi e di confrontarsi con le nuove tendenze. A raccontarne l’atmosfera, oltre cento capolavori senza tempo realizzati, tra gli altri, da Boldini, De Nittis, Zandomeneghi, Corcos, Mancini, che conquistarono i più raffinati collezionisti dell’epoca e divennero i cantori della vita moderna, immortalando le brulicanti piazze parigine, i lunghissimi boulevards, gli eleganti interni borghesi, gli affollati caffè e i teatri, e cogliendo la figura femminile nella quotidianità e nei momenti privati. A fianco dei dipinti, sono documentati preziosi abiti haute couture; colorati manifesti pubblicitari – le cosiddette affiches – dedicati ai teatri, ai cabaret, ai grandi magazzini; vetri artistici realizzati da Émile Gallé e dai fratelli Daum per arredare le case della ricca borghesia.

Il volume è dedicato a Kazuko Miyamoto (Tokyo, 1942. Vive e lavora a New York), la cui attività artistica è ripercorsa in queste pagine ripercorrendo le diverse fasi e i numerosi media impiegati, dagli esordi ai primi anni Duemila. Dai primi anni Settanta, Miyamoto opera a cavallo tra due continenti e due culture, trovando un personalissimo modo di connetterne le istanze più profonde, contribuendo e allo stesso tempo contravvenendo al linguaggio modernista. È stata promotrice di contesti attivisti ed espositivi che per primi a New York hanno esteso i confini della rappresentatività per artiste donne e non occidentali. Ampio spazio è riservato alle String Constructions, la sua più celebre serie di sculture di spago, rigorose e suggestive composizioni bi e tridimensionali iniziate nei primi anni Settanta. Sono quindi proposti i lavori grafici e i disegni legati alle String Constructions, fino alle opere realizzate con direct print o fotocopia, che testimoniano l’attenzione alla dimensione effimera della scultura. Sono infine ricordate le performance e le grandi installazioni degli anni Duemila.

“La mia arte è una personale ricerca sulla bellezza della figura umana maschile nuda, che vuole dimostrare come sia naturale per le artiste vedere, giudicare, interpretare ed esporre il nudo maschile, proprio come risulta naturale per qualsiasi artista esporre il nudo femminile”. Con queste parole l’artista messicana Fabiola Quezada, sostenitrice della Politica Femminista messicana all’estero, sintetizza come il suo lavoro contribuisca attivamente alla parità di genere rompendo vecchi schemi e sfidando le convenzioni, con l’intento di rivendicare il diritto a un’interpretazione femminile del corpo maschile.

Il presente volume offre un’indagine approfondita sulla continuità concettuale e visiva tra il Futurismo italiano e il Graffitismo americano, due movimenti che, seppur nati in contesti storici differenti, condividono una visione incentrata sulla dinamicità del futuro e sull’espressione dell’energia del presente. Mentre il Futurismo celebrava la velocità e l’innovazione tecnologica come simboli di modernità, il Graffitismo ha trasformato la bomboletta spray in uno strumento di narrazione visiva, dando voce a storie di identità culturale e di resistenza urbana. Il catalogo raccoglie saggi dei curatori e contributi critici, corredati da documenti e immagini iconiche che confermano l’affermazione e l’evoluzione di queste due correnti artistiche, mettendo in luce la loro indiscutibile rilevanza nel panorama del ventesimo secolo.

Giovanni Pintori è stato uno tra i protagonisti della comunicazione visiva del Novecento, grazie a un linguaggio creativo e innovativo che ancora oggi risulta incredibilmente attuale e atemporale. Graphic designer di indiscusso talento, lega il suo nome alla collaborazione, iniziata nel 1936, con Adriano Olivetti e con la sua azienda. Il presente catalogo documenta le tappe più signifi cative della sua lunga carriera e il processo ideativo dal quale sono scaturiti i suoi numerosi elaborati grafi ci: manifesti, stamponi, brochure, house organ, annunci pubblicitari, insegne, stand, costruzioni tridimensionali del moto perpetuo oltre che gli inediti bozzetti e taccuini con appunti. Le pagine del catalogo ripropongono, in una ricca successione di tavole a colori, gli oltre trecento pezzi esposti in mostra. Ad accompagnare nella scoperta e nell’approfondimento di questo artista grafi co ci sono i saggi di Chiara Gatti, Mario Piazza, Davide Cadeddu, Nicoletta Ossanna Cavadini, Luigi Sansone, Angela Madesani. Con i loro contributi, questi studiosi indagano il lavoro di Pintori da diverse angolazioni: dalla formazione professionale al suo rapporto con l’arte e la pittura, che lo accompagnò per tutta la vita; dal suo sofi sticato lessico grafi co al fertile scambio intellettuale, professionale e umano con i conterranei Costantino Nivola, Salvatore Fancello e Ugo Mulas. Negli apparati sono pubblicati i rari scritti di Pintori e completano il volume una accurata biografi a e bibliografia. Giovanni Pintori nasce nel 1912 a Tresnuraghes (Oristano), da genitori originari di Nuoro e, dopo aver frequentato l’ISIA di Monza, nel 1936 inizia la collaborazione con l’Uffi cio Tecnico Pubblicità Olivetti, del quale diventa responsabile nel 1940. Nel 1950 ottiene la Palma d’Oro della Federazione Italiana Pubblicità, il primo di una lunga serie di riconoscimenti, e diventa Art Director di Olivetti e poi nel 1952 entra a far parte dell’AGI (Alliance Graphique Internazionale) di cui diviene poi presidente. Il suo stile e le sue innovative campagne di comunicazione ottengono plauso in tutto il mondo. Nel 1966 gli viene dedicata una grande mostra personale a Tokyo e Kyoto. Dopo il 1967, lascia l’Olivetti per dedicarsi alla libera professione collaborando con Pirelli, Ambrosetti, Gabbianella e Merzario. Muore a Milano il 15 novembre del 1999.

Progenitore di tutte le avanguardie, Filippo Tommaso Marinetti (Alessandria d’Egitto, 1876 - Bellagio, 1944) ha sempre fatto discutere suscitando entusiasmi e ripulse fin da quando in un’Italia provinciale osò pensare in grande, lanciando idee e provocazioni con cui, in modi e tempi diversi, si sarebbero confrontati il futurismo russo, il dadaismo, il surrealismo e le altre correnti del moderno. Soprannominato “Caffeina d’Europa” per la sua frenetica attività in svariati campi – arte, cultura, editoria, teatro, politica – ha riunito in sé caratteri opposti che hanno reso ardua una lettura univoca del suo operare. Anarchico e accademico d’Italia, nazionalista e cosmopolita, precursore di una visione del mondo globale, simultanea e ubiquitaria, è stato l’inventore geniale di un’estetica nuova, il cui lascito ha indubbiamente segnato le successive generazioni di artisti e pensatori. Questo volume, frutto di anni di ricerche condotte da Claudia Salaris – storica dell’arte, tra i più importanti studiosi del futurismo –, offre un’accurata lettura della poliedrica e controversa personalità di Marinetti: non una semplice biografia, ma un saggio dal taglio divulgativo che affronta a tutto tondo la vita e l’arte del fondatore del movimento.

Rivivi tutti i successi di Ducati nei campionati MotoGP e WorldSBK con la nuova edizione del Ducati Corse 2024 Official Yearbook. Immagini spettacolari di altissima qualità dei campioni Francesco Bagnaia, Enea Bastianini, Álvaro Bautista e Nicolò Bulega, di tutte le squadre e dei piloti Ducati.

Questo volume è dedicato a uno dei primi capolavori di Mario Botta, la casa monofamiliare a Ligornetto, realizzata a metà degli anni Settanta, con poche risorse ma molta sapienza costruttiva, per due giovani committenti ticinesi. Il giovane architetto, allora poco più che trentenne, fa un uso spartano della forma, riduce il volume a un parallelepipedo con una grande loggia rivolta verso il paese volgendo in forma moderna un’architettura di carattere vernacolare ampiamente diffusa sul territorio. Utilizza poi materiali “poveri”, che nobilita ricorrendo al colore, com’era in uso nelle case dei contadini. Nella distribuzione degli spazi interni il richiamo è invece alle soluzioni più moderne adottate dai maestri del Movimento Moderno. Il risultato è un manufatto che stupisce ancora oggi.

Il fondo oro per l’arte sacra medievale coincide con l’immagine di assoluto e rappresenta la soglia fra il visibile della figurazione e l’invisibile dell’essenza divina. Ed ecco che, secoli dopo, quella forza simbolica viene recuperata dagli artisti del Novecento per esaltare e rendere più potente la forza concettuale della loro ricerca. Non è infatti il materiale prezioso a legare questi capolavori ma il simbolo che l’oro rappresenta e la consapevolezza che l’arte non è rappresentazione ma manifestazione di una funzione simbolica e necessaria, che la distingue da ogni altro prodotto della cultura visiva. Vedere uno accanto all’altro capolavori così lontani nel tempo, ma uniti nel manifestare una spiritualità che attraversa i secoli, ci permette di comprendere quanto il gusto dei primitivi sia ancora il nostro gusto e di scoprire quanto siano vicini alla sensibilità contemporanea gli straordinari dipinti e sculture della Galleria Nazionale dell’Umbria.