Silvana

Ideato in occasione del centenario della pubblicazione del Manifeste du Surréalisme di Breton (15 ottobre 1924), il presente volume è riccamente illustrato da circa 75 opere appartenenti a prestigiosi musei, istituzioni e collezioni private: più di 50 dipinti e disegni eseguiti da de Chirico nel 1921-1928 e oltre 20 ritratti di artisti, scrittori, poeti e teorici surrealisti fotografati da Man Ray e Lee Miller. Queste pagine intendono far luce sul ruolo fondamentale svolto da de Chirico nella nascita e nel primo sviluppo del Surrealismo attraverso la sua produzione degli anni dieci del Novecento, che ha segnato il percorso di numerosi surrealisti come René Magritte, Salvador Dalí, Max Ernst e Kay Sage. Riesaminano inoltre in chiave critica il rapporto complesso e affascinante di de Chirico con il leader surrealista André Breton, il poeta francese Paul Éluard e sua moglie Gala (futura sposa di Dalí) attraverso numerose lettere e cartoline (1921-1925) qui riprodotte integralmente per la prima volta, insieme a poesie dell’artista, rari cataloghi di mostre e pubblicazioni.

Il volume presenta la collezione di Norman Jones (1903-1985), composta da 150 opere provenienti dall’Asia e dall’Estremo Oriente e frutto dell’incessante interesse per la storia, le culture e l’arte che ha contraddistinto la vita dell’eclettico professore inglese. Tale consistente patrimonio artistico – stampe, tessuti, sculture, miniature, disegni, acquerelli – è pervenuto al Comune di Bologna grazie al generoso atto di donazione della figlia di Norman, Ruth, ed è stato incluso nelle collezioni permanenti del Museo Civico Medievale di Bologna, così da incrementarne le già esistenti raccolte indiane, cinesi e giapponesi. Il lettore troverà una schedatura dettagliata di quarantasette opere di maggior pregio e la riproduzione e descrizione di tutte le restanti, che compongono la collezione.

«Il cavaliere deve avere dei tratti caratteriali del tutto particolari: calma unita ad energia, tranquillità senza debolezza, fermezza senza ruvidità. Deve essere in grado di controllarsi al punto di rimanere sempre padrone delle proprie emozioni e saper combattere l’impazienza con la pazienza, l’irruenza con la calma, la pigrizia e la disobbedienza con la risolutezza. Privo di vanità, il suo amore per l’arte deve fondarsi su una forza morale così solida che nessuna delusione deve farlo vacillare, nessuna difficoltà deve farlo recedere». Con questo monumentale trattato di equitazione, il più noto e completo dell’Ottocento, Gustav Steinbrecht concepisce un sistema che alla scienza equestre di tradizione tedesca, incentrata sull’obbedienza assoluta e sulla perfezione dell’addestramento, sposa un approccio etologico ante litteram, basato sulla natura del cavallo e sul rispetto dell’animale.

Il libro e la mostra più personali di Ferdinando Scianna, maestro indiscusso della fotografia contemporanea internazionale. Il suo linguaggio visivo, profondo e intriso di significati, si precisa in queste fotografie che provengono dalla memoria, unite a parole e scritture. Volti e situazioni che hanno lasciato un’eco profonda nell’autore, incontri con l’umano che vive e spera. Da Paesi come Etiopia, Sudan, India, Vietnam, Stati Uniti, Italia, Francia, America Latina e Libano. “Niente si può esprimere senza geometria. La forma di ogni uomo e donna è la ricerca della felicità. Il dolore del mondo provoca la compassione. E in esso si scopre l’ansia di cercare la felicità”. Al fotografo è ordinato di fare come fece il buon samaritano: “va’ e fa lo stesso”. Si rivela perciò la cifra straordinaria dell’autore che ha scelto quelle immagini sulle quali si è depositata quella pietà e affezione in un rapporto personale con il soggetto che si è trovato davanti, verso il quale si è messo alla stessa altezza. Un lascito: il fotografo accoglie il mistero del mondo, invece di arrendersi a una funzione documentaria si spinge in una silenziosa implorazione del destino.

Genio garbato e lucido, cantore della vita di tutti i giorni, che alla forza del verso epico preferiva quella sommessa dello stornello, Robert Doisneau ha lasciato tante e memorabili immagini che formano l’orizzonte visivo e l’immagine straordinaria di una città che in parte esiste e in parte è il frutto della sua fantasia, ma dove di certo tutti vorremmo vivere.

Il volume indaga lo stretto rapporto fra Guido Reni - e gli artisti a lui coevi - con gli illustri letterati che animavano il panorama culturale bolognese del suo tempo, nell’intento di delineare la rete di rapporti, amicizie, scambi che caratterizzò il vivace contesto artistico-intellettuale della città, e che trovò il suo centro nelle accademie dell’epoca. Partendo dal raffronto tra alcune diverse versioni del dipinto raffigurante Atalanta e Ippomene di Guido Reni, vengono presentate in queste pagine opere d’arte anche di altri autori - quali Ludovico e Agostino Carracci, Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi, solo per citarne alcuni - che esercitarono un particolare fascino sugli scrittori, sia in quanto dedicatarie di componimenti e antologie liriche e sia come oggetto di vero e proprio interesse collezionistico per le raccolte personali degli autori. Presenti anche opere di pittori che si cimentarono nella scrittura poetica, come Leonello Spada, o di artisti frequentanti accademie, come Giovan Giacomo Sementi. Un volume che restituisce una lettura d’insieme di un fenomeno culturale di grande interesse e che restituisce una nuova prospettiva sulla figura del maestro del Seicento bolognese.

La collezione di opere di Adolfo De Carolis (1874-1928) appartenenti alla Fondazione della Cassa di Risparmio di Fermo evidenzia l’eclettismo dell’artista piceno che, oltre a segnalarsi come xilografo e come pittore, ha affrontato imponenti imprese decorative al pari dei grandi maestri del Rinascimento da lui molto ammirati, ma si è avvalso anche delle più moderne tecnologie come la fotografia per documentare le attività del mondo dei campi e della marineria adriatica, non soltanto per servirsene in vista delle sue realizzazioni pittoriche, ma anche con l’intento di lasciare una testimonianza visiva degli stili di vita che, pochi anni dopo, sarebbero stati trasformati dall’avanzare inarrestabile del progresso. Il Trittico del mare del 1907, recentemente restaurato, è un’opera emblematica della capacità di De Carolis di sublimare la dura quotidianità dei pescatori piceni attingendo all’epos omerico, mentre l’insieme della collezione testimonia l’importanza che il pittore attribuiva al disegno come strumento indispensabile per la realizzazione delle sue opere. Gli studi eseguiti con tecniche diverse per i grandiosi cicli destinati al Palazzo del Governo di Ascoli Piceno, al salone del Palazzo Comunale di Bologna, alla cappella di San Francesco nella basilica di Padova, all’aula magna dell’Università di Pisa e alla villa Puccini di Torre del Lago sono la prova di quanto De Carolis condividesse la tradizione accademica del primato del disegno, quando oramai le avanguardie avevano già cominciato la loro opera di sovvertimento di quella stessa tradizione.

La mostra dal titolo "Raoul Dal Molin Ferenzona: Enchiridion Notturno. Un sognatore decadente verso l’occultismo e la teosofia" propone un magistrale percorso tra l’Italia e l’Europa, attraverso il quale assaporare e rileggere la biografia, lo stile e la variegatissima produzione di un raffinato protagonista del Novecento toscano quale Raoul Dal Molin Ferenzona, da più di vent’anni fuoriuscito dai riflettori critici. In circa ottanta opere, suddivise in quattro sezioni, si propone per la prima volta un’immersione totalizzante nell’universo eclettico, tra misticismo e decadentismo, di una personalità complessa e intrigante, contraddistinta da un inguaribile tormento spirituale, acuito dall’inquietudine di eterno déraciné votato alla vita nomade, la cui tensione ascetica alla ricerca spasmodica di mete arcane e trascendentali rappresentava un autentico processo evolutivo dell’anima e di trasmutazione alchemica della coscienza. Vengono inoltre approfondite, attraverso ricerche inedite, le relazioni dell’artista con i cenacoli del Novecento livornese, dove confluì dopo infinite peregrinazioni internazionali, da Parigi a Vienna, da Bruges a L’Aya, dalla Moravia a Praga, riuscendo a radicarsi brillantemente nella compagine cittadina, dal Caffè Bardi al Gruppo Labronico, con una congerie di ritratti, paesaggi, capisaldi mistici, esoterici e occultistici destinati a esercitare sulla critica e sul pubblico un’attrazione fatale, fino a imporsi come artefice di una féerie teatrale, ricostruita oggi per la prima volta grazie allo straordinario materiale documentario e iconografico conservato presso l’Archivio Bioiconografico e Fondi storici della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Tra i capolavori editoriali in mostra spicca il magnifico volume (Misteri Rosacrociani - Opera n.° 2), AÔB (Enchiridion Notturno) - Dodici Miraggi Nomadi, Dodici Punte di Diamante Originali, vero e proprio diapason della collaborazione con i Fratelli Belforte di Livorno e le Edizioni di “Bottega d’Arte”, nella cui dedica “Al mio indimenticabile, indivisibile, invisibile fratello Frederick Chopin”, Ferenzona ribadiva il proprio notturnismo simbolico di filiazione crepuscolare, dannunziana ed esoterica.

"Essere contemporanei vuol dire per me essere veri e dignitosi, appunto onesti. Non è così la società capitalistica di oggi in cui tutto è calcolo, tecnologia, è sfruttamento dell’incompetenza degli altri. Vedi, la forza della mia pittura sta nel fatto che essa sia un lavoro onesto perché pensato, lavorato, costruito. La sua forza appartiene a un lavoro regale, è la via regale della vita. Per me, è molto importante la connessione del tempo nella storia. Mi alimento ancora e molto dell’arte, da quella primordiale a quella che è fonte della mia memoria e della terra in cui vivo: il medioevo gotico, la luce dei bizantini in Italia, la voce delle laudi jacoponiche. […] Io dipingo per spostare le ombre interne, per modificare l’interno dello sguardo. No, non si possono cancellare le ombre. L’alchimia mi ha insegnato la necessità, la conciliazione degli opposti: l’androginia, che ho tanto studiato, mi ha detto che le ombre e le luci si chiamano, sono reciproche. Ho fatto molte opere sul tema perché la luce, che è anche ombra, continui a illuminarci.”

“Già da qualche decennio le Accademie di Belle Arti italiane sono diventate luogo non di replicazione, ma di ricerca, aprendosi all’elaborazione innovativa dei linguaggi tradizionali e all’esplorazione di quelli più recenti: dalla fotografia alla realtà virtuale, all’intelligenza artificiale, dalla trasformazione degli interni a quella del paesaggio. Il volume rappresenta il culmine di questo percorso: include e presenta giovani artisti provenienti dalle Accademie di Belle Arti italiane, Bari, Bologna, Catania, Firenze, L’Aquila, Macerata, Brera-Milano, Napoli, Roma, Torino, Urbino e Venezia, proponendo un panorama d’insieme, che coinvolge anche i docenti. All’interno del sistema universitario, infatti, le Accademie sono comunità in cui docenti e studenti non si limitano gli uni a insegnare, gli altri a imparare, ma creano insieme. È l’antropologia dell’apprendimento, non solo quella dell’arte, a guardarci da queste pagine. Ogni opera riprodotta ha un valore intellettuale estetico e insieme esistenziale: parla di estetica ma anche delle nostre vite, come sono, o come vorremmo che fossero.” (Fabio Finotti)

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) e André Kertész (1894-1985) sono nati nello stesso anno e le loro vite hanno attraversato gran parte del Novecento. Avrebbero potuto incontrarsi a Parigi nel periodo tra le due guerre, invece si sono conosciuti solo nel 1973 a New York. Né Lartigue né Kertész hanno mai scelto la via più diretta per il successo. Le rispettive mostre al Museum of Modern Art di New York nel 1963 e nel 1964 hanno rappresentato per entrambi una svolta decisiva: l’inizio di un riconoscimento internazionale e istituzionale per Lartigue e per Kertész la riscoperta del suo lavoro dopo due decenni di relativa oscurità. I due eventi hanno inoltre legato saldamente la pratica di entrambi alla prima metà del Novecento, consacrandoli come i precursori della modernità visiva: Lartigue fu definito “dilettante primitivo”, Kertész fu celebrato come l’“inventore del fotogiornalismo”. Se Lartigue è considerato un maestro dell’istantanea, Kertész lo è di una fotografia più meditativa. Due personalità dallo spirito indipendente, hanno costruito la loro carriera in assoluta libertà, lontano dai grandi movimenti artistici, e a partire dagli anni settanta sono stati percepiti come modelli senza aver mai fondato alcuna scuola. Presentare le loro fotografie in parallelo non soltanto rivela le affinità e le divergenze di vita e di visione, ma consente di mettere in luce la loro reale complementarità nella storia della fotografia.