Silvana

Il progetto dal titolo La visione trasparente del fotografo Claudio Gobbi nasce dalla suggestione di un dipinto di Caspar David Friedrich (1774 —1840), Junotempel in Agrigent (1828 —1830) conservato al Museum fúr Kunst und Kulturgeschichte di Dortmund. La mancata presenza di Friedrich ad Agrigento e la sua esperienza immaginaria e mediata da un'incisione diventa la chiave per riflettere sulla smaterializzazione delle immagini fotografiche nell'era digitale, sulla loro ubiquità e prevedibilità, e sulla conseguente scomparsa dell'autore propria dell'iconosfera in cui siamo costantemente immersi. L'illuminazione notturna della Valle dei Templi di Agrigento, un condizionamento contemporaneo della visione che in Sicilia coincide, a partire dagli anni cinquanta, con la musealizzazione dei siti archeologici a opera dell'architetto Franco Minissi (1919 —1996), è al centro della riflessione di Claudio Gobbi. In linea con la sua ricerca, la serie costituita da 25 fotografie da negativo evidenzia la natura polisemica delle immagini, che, sottratte all'utilizzo originario, svelano contenuti semantici latenti, aumentando il proprio potere evocativo. Immagini trovate in archivi italiani ed esteri, insieme a fotografie scattate al Museo Archeologico Pietro Griffo e al Parco Archeologico e Paesaggistico della Valle dei Templi di Agrigento, si ricompongono in una nuova, enigmatica unità di senso.

In questo pamphlet Marina Valcarenghi evidenzia il rapporto fra la crescente affermazione sociale delle donne e l’aumento della violenza sessuale maschile: un fenomeno opposto a quanto generalmente si supponeva. L’autrice, psicoterapeuta e psicoanalista con quarantacinque anni di lavoro clinico sulle spalle, per prima ha introdotto la psicoanalisi in carcere, lavorando nei reparti di isolamento maschile con detenuti in gran parte condannati per reati di violenza sessuale. Dalla sua esperienza nei penitenziari di Opera e di Bollate - ancora in corso - Valcarenghi ha potuto osservare come l’insicurezza femminile sopravviva e proporre un’analisi lucida e feconda di nuove possibili direzioni. Il volume affianca l’omonimo film realizzato dall’artista Yuri Ancarani. La forza del pensiero femminile sta prima di tutto nella capacità di riconoscerlo e di abbatterne l’antico esproprio. Per questo è necessario studiare, tenere insieme la complessità e poi ricordare, pensare e infine agire.

Simbolo della partecipazione italiana alle grandi rivoluzioni scientifiche e tecnologiche dei tempi moderni, Guglielmo Marconi (Bologna, 1874 - Roma, 1937) ha incarnato il genio inventivo e imprenditoriale capace di affermare ovunque lo sviluppo della radiotelegrafia. Le onde hertziane erano già note ai fisici di fine Ottocento, ma fu Marconi a intuire la possibilità di impiegarle per trasmettere messaggi, colmando le distanze e superando qualsiasi tipo di ostacolo. Nel 150° anniversario della sua nascita si celebra un inventore geniale e visionario, capace di anticipare il futuro, di gestire e promuovere il suo nome e le sue invenzioni a suon di brevetti. Era il 1901 quando dall’Isola di Terranova, in Canada, fu lanciato il primo segnale radio transatlantico tra il Nord America e l’Europa. Parte da qui la strada verso il Nobel per la Fisica, vinto da Marconi – primo italiano in assoluto – a soli 35 anni nel 1909. Tutta la vita di Marconi rappresenta un incitamento a rafforzare la ricerca scientifica e a utilizzare la comunicazione globale come veicolo per alimentare la scintilla della conoscenza e del dialogo fra i popoli. Le sue scoperte restano straordinarie in un XX secolo che ci ha donato un progresso scientifico senza precedenti

Nelle pagine di questo libro è illustrata una scelta di circa duecento utensili, per lo più taglienti, sia antichi che moderni, italiani ed esteri, provenienti dalla collezione di oltre duemila esemplari di Aldo e Edda Lorenzi, custoditi nella Fondazione che porta il loro nome. Lo scopo è quello di fermare, anche sulla carta, il ricordo dei meravigliosi artigiani che li hanno costruiti, il cui talento si è avvalso dell’amore per il proprio lavoro e, nel caso dei pezzi più antichi, della conoscenza che si è trasmessa di generazione in generazione. Non solo una rassegna di oggetti, ma di memorie, passioni, fatiche, per ispirare coloro che volessero intraprendere lo stesso percorso degli autori: un’esperienza in un negozio specialistico, quale fu quello di famiglia (in via Montenapoleone, a Milano), cui si sono dedicati per una vita, per la gioia di poter costituire un occhio aperto sulla città, dalla quale ricevere messaggi sempre in evoluzione e restituirli arricchiti della loro esperienza.

Manuele Cerutti, pittore torinese, presenta presso la Pattern Room della Collezione Maramotti "Quem genuit adoravit", nuovo corpus di dipinti e opere su carta specificamente sviluppato in una dimensione progettuale originale. Partendo da esperienze autobiografiche semplici quanto intense – la propria paternità e i primi anni di vita del figlio – Cerutti si è focalizzato sulla creazione di un’entità destinata ad assumere, inaspettatamente, sembianze infantili: una creazione inconsapevole, quasi involontaria, che attinge largamente al vissuto vegetativo delle piante e, nella tradizione alchemica, dei minerali. Per anni l’artista ha infuso forma pittorica e presenza performativa a oggetti comuni – a volte mutili o frammentari, sempre privati della loro funzione primaria – che popolano il suo studio: una vecchia caffettiera, tubi e bastoni ritorti, scarti di plastica, ossi di pollo, sgabelli, palette, secchi e vasi multiformi divengono protagonisti di nature vive in cui i dettagli del quotidiano, attraverso nuove composizioni, si fanno interpreti di un tempo sospeso, originario, a tratti sacrale.

Roberto Matta (Santiago del Cile, 11 novembre 1911 – Civitavecchia, 23 novembre 2002) è uno degli artisti più importanti del XX secolo ma ha ricevuto sorprendentemente pochi riconoscimenti. Prendendo spunto da due capolavori dell’artista conservati nelle collezioni civiche della Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Venezia, la mostra intende documentare la sua capacità come pittore ma anche rivelare la portata e la scala del suo lavoro e del suo pensiero. Autore poliedrico, fervido pittore e disegnatore, architetto e scultore, fortemente politico, Matta ha esplorato ed espresso la più straordinaria gamma di idee e modalità di conoscenza, scientifica, culturale e filosofica, esposte nella significativa selezione di opere illustrate nel volume, corredate da importanti saggi critici di Dawn Ades, Norman Rosenthal, Elisabetta Barisoni, Gavin Parkinson, Loris Zanatta.

Alterazioni Video, Francesco Arena, Massimo Bartolini, Rossella Biscotti, Paolo Cirio, Claire Fontaine, Céline Condorelli, Marie Cool Fabio Balducci, Danilo Correale, Irene Dionisio, Chiara Fumai, Stefano Graziani, Alice Guareschi, Adelita Husni-Bey, Francesco Jodice, Rä di Martino, Stefano Serretta, Stalker, Bert Theis, Luca Vitone Quarant’anni dopo Identité italienne, l’importante mostra organizzata da Germano Celant al Centre Pompidou di Parigi, Villa Arson diventa il teatro della scena artistica italiana più recente: dalla generazione emersa negli anni novanta a quella attuale. Ad accomunare i venti artisti (o gruppi artistici) non è tuttavia il senso di appartenenza culturale, né il risultato della sedimentazione di un tempo che si sarebbe potuto sviluppare nella continuità, quanto piuttosto una frattura temporale, un incontro mancato con la Storia. Questa scena artistica trova la sua definizione nel disorientamento seguito all’esaurirsi dell’ondata rivoluzionaria e creativa degli anni settanta e dalla necessità di lasciare emergere ciò che le era stato sottratto negli anni ottanta dalla reazione ideologica e neoliberale. In tal senso, il catalogo offre uno sguardo duplice e rovesciato. La frattura temporale diventa lo spazio per un appuntamento e un incontro con il passato, un passato che gli artisti presenti non hanno vissuto in prima persona, ma che intendono testimoniare.

Umwelt, un progetto a cura di Marco Mancuso, mette in luce come le tecnologie e le scienze, integrate con il discorso artistico, consentano agli esseri umani di comprendere ed entrare maggiormente in relazione con le forme non-umane e più-che umane di intelligenza che si manifestano con forme e modalità a noi inconoscibili, per lo sviluppo di una nuova concezione di ambiente collettivo, naturale e artificiale, e una nuova etica ecologica.

In occasione del 140° Anniversario delle Relazioni Diplomatiche tra Italia e Corea, Rabbit Inhabits the Moon intende stimolare un dialogo dinamico che riflette l’evoluzione del panorama culturale e artistico dei due Paesi, rileggendo in particolare l’eredità dell’artista coreano Nam June Paik e la sua pervasiva influenza nell’attualità contemporanea. Costantemente in movimento tra Asia, Europa e Stati Uniti, Paik unisce progresso tecnologico e tradizione, combinando mass media e poesia, elettronica, ritualità e sciamanesimo in un linguaggio artistico rinnovato e transglobale, capace di rompere i confini dell’arte visiva e sonora e influenzare la cultura mediatica e la produzione artistica del XX e XXI secolo. Il titolo richiama il topos letterario del coniglio sulla luna, presente in varie culture dell’Estremo Oriente – dalla Cina al Giappone, passando per la Corea – fino all’Asia centrale, all’Iran e alla Turchia ed è ispirato all’omonima installazione di Paik del 1996, in cui un coniglio scolpito in legno osserva l’immagine della luna su uno schermo televisivo. In questa pubblicazione che accompagna il progetto espositivo realtà e immaginazione si fondono e si specchiano: forme, simboli e iconografie coesistono organicamente, narrando un percorso privo di coordinate cronologiche, dove i temi riemergono ciclicamente. Manufatti coreani di diverse epoche, dal X al XX secolo, tra cui mappe antiche, dipinti e ceramiche in dialogo con le opere di Paik e altre installazioni di artisti contemporanei, non solo testimoniano l’evoluzione storica e artistica della Corea, ma anche la continuità culturale tra passato e presente e la proficua contaminazione tra aree geografiche distanti, tra mondo occidentale e asiatico.

Il volume è dedicato ad Hans Ruedi Giger, uno degli artisti più visionari del secondo Novecento, e viene pubblicato in occasione della prima grande retrospettiva a lui dedicata, ospitata al Museo Mastio della Cittadella di Torino. Conosciuto al grande pubblico come l’uomo che ha creato l’immaginario del film Alien, Hans Ruedi Giger (1940-2014) è soprattutto un artista poliedrico, dotato di un proprio e unico stile, “biomeccanico”, come lui stesso lo definiva, e che ha sperimentato le tecniche più diverse. Il volume ripercorre, a dieci anni dalla scomparsa, l’intera carriera del grande maestro svizzero che ha profondamente cambiato e influenzato il surrealismo, l’horror fantascientifico e l’immaginario gotico contemporaneo.

Con il titolo Ovunque si respira Guercino, ispirato al suggestivo resoconto di Goethe durante la sosta centese del suo viaggio in Italia, la Regione Emilia-Romagna comprende in un unico percorso tutti i luoghi nei quali sono conservate le sue opere, anche quelli al momento inaccessibili. E così, i portoni sbarrati delle chiese ancora inagibili a causa del sisma del 2012, oppure quelli dei musei in corso di ristrutturazione, si spalancheranno metaforicamente, svelando quei capolavori del Guercino e della sua scuola altrimenti invisibili. La chiesa di San Lorenzo ospiterà i capolavori di Palazzo del Merenda di Forlì, delle chiese centesi di San Biagio, di San Pietro, del Santissimo Rosario, della parrocchiale di Casumaro, nonché due rarissimi dipinti di Giovanni Battista Gennari di collezione privata.