Silvana

La pittura di Giuseppe Salvatori è una visione assoluta. La centralità della figura attraversa il corpo della pittura occidentale, ne contiene il segreto e la continuità di canto. Dagli esordi degli ultimi anni settanta, nelle forme di una neofigurazione che vieta le scorciatoie del postmoderno, la sua pittura chiede d’essere un appello alla dignità dell’umano. Non c’è nulla di fatuo nel segno decorativo se la decorazione si fa armonia e musica. Non c’è niente di nostalgico se il tratto dell’arte è la sensibilità di una poesia che guarda alla rappacificazione del dolore con la fragilità delle cose. Il lavoro di Salvatori è votato a narrare quanto il valore della realtà sia l’altezza etica del capire chi siamo veramente. Queste sue immagini restano il sogno antico e contemporaneo di un’intelligenza febbrile. Giacché dipingere vuol dire aggiungere vita alla vita.

Il volume ripercorre oltre 50 anni di attività nel campo dell’industrial design di Antonio Citterio, uno dei maestri del design contemporaneo. Introdotto da Andrea Branzi e Francesco Bonami, il volume - strutturato in sette capitoli - offre un resoconto accurato ed esteso di un lavoro che ha visto la produzione di oltre 600 prodotti, accomunati da una cifra stilistica capace di combinare una modernità discreta ed elegante a una meticolosa attenzione al dettaglio: dalla serie Diesis e dal divano Baia, disegnati con Paolo Nava e che segnano l’inizio di una decennale collaborazione con B&B Italia, alle importanti collaborazioni con Flexform, Arclinea, Vitra, Flos, Axor, sino ai più recenti lavori con Cassina e Illy. Il ricco repertorio iconografico annovera immagini di prodotto, fotografie di repertorio - alcune delle quali raccontano il “dietro le quinte” della nascita di alcune icone del design - e schizzi autografi.

Le teste in terracotta di Paolo Delle Monache raccolte in questo volume “sono – come scrive l’artista – l’eco di forme incontrate molti anni fa, grandi sassi vicini tra loro, disseminati in una faggeta. Ho cercato di evocare il dialogo muto tra loro. Presenze apparentemente sparse che rafforzano sé stesse e le altre con il loro apparire insieme. Contengono pensiero e memoria e forse ci mettono di fronte a quello che abbiamo perso di recente, lo stare accanto gli uni agli altri”.

"Arte e spazio pubblico" è un progetto di ricerca a cura della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura e della Fondazione Scuola dei beni e delle attività culturali. Una ricerca su pratiche artistiche e strategie di progettazione negli spazi pubblici, su processi partecipativi, politiche pubbliche di rigenerazione di spazi urbani e territori, su committenti, mediatori e comunità, sul ruolo della conservazione delle opere d’arte nello spazio pubblico e sulla temporalità dell’opera d’arte pubblica. Il volume restituisce gli esiti delle giornate di studio Arte e spazio pubblico, dei tavoli di lavoro e della giornata di sintesi finale. Raccoglie i contributi di studiosi, artisti e curatori, architetti, giuristi e attori istituzionali, selezionati da una call for abstract e invitati a presentare ricerche, pratiche e casi studio, da cui emerge una visione a tutto campo sui temi Spazio, Temporalità, Partecipazione e Committenza.

Stefano Bessoni è uno dei talenti più eclettici e originali del cinema italiano. Il cinema - quello d’autore, visionario - è il punto di partenza nella costruzione di un immaginario artistico e visivo contaminato da grafica, illustrazione, letteratura, fumetto, fiaba, disegno, scienza, fantascienza, entomologia. Le illustrazioni che ne scaturiscono, presentate in queste pagine, sono un originalissimo spaccato della sua complessa camera delle meraviglie, tra favole eccentriche e scienze inesatte. Due sono le chiavi di lettura privilegiate in questo percorso: da un lato, cinque storie emblematiche, di persone realmente esistite, pionieri capaci di riscrivere a modo loro la storia della scienza, del cinema, dell’architettura. Da Charles Darwin con le sue teorie evolutive, a Cesare Lombroso con i suoi studi sulle teste frenologiche, da Alessandro Antonelli, una sorta di “archistar” ottocentesca, a Maria Adriana Prolo anticonformista “signorina” del cinema del Novecento, fino al maestro del cinema per eccellenza di Bessoni, Peter Greenaway. Dall’altro il mondo delle fiabe, il regno della fantasia e dell’impossibile che diventa possibile, da Alice a Pinocchio, dal Mago di Oz a Pierino Porcospino, tutte storie accomunate da un preponderante lato oscuro, irrazionale e a volte macabro. Il volume accoglie una serie di saggi critici, un’intervista in prima persona dell’artista e apparati biografici.

Questo atlante visivo del Bestiario della Terra, il progetto artistico promosso nel 2022 dall’Associazione Reggio Parma Festival (costituita da Fondazione Teatro Regio di Parma, Fondazione Teatro Due, Fondazione I Teatri di Reggio Emilia e dalle due Città di Parma e Reggio Emilia) restituisce al lettore la visionaria e complessa meta-opera di Yuval Avital. In questo progetto l’artista connette e pone in dialogo differenti linguaggi artistici: dal suono alla performance, dalla pittura al disegno, dal video alle installazioni icono-sonore. Tutte le tappe in cui il suo lavoro si è snodato hanno preso vita in luoghi e spazi diversi delle province di Parma e Reggio Emilia, creando un intenso dialogo con il territorio. La loro successione si rispecchia nei capitoli di questo ‘atlante’: Anatomie Squisite in dialogo con la Collezione Spallanzani, Musei Civici, Reggio Emilia; Il Canto dello Zooforo, Casa del Suono, Parma; Cadavre Exquis, Magazzino Farmacie Comunali Riunite, Reggio Emilia; Lessico Animale. Prologo, APE Parma Museo, Parma; Membrane, Chiostri di San Pietro, Reggio Emilia; Mostrario parte I, Teatro Regio, Parma; Mostrario parte II, Teatro Due, Parma; Mostrario parte III, Teatro Municipale Valli, Reggio Emilia; e inoltre Persona (promossa da Parma 360 in collaborazione con Reggio Parma Festival), Palazzo Marchi, Parma. La realizzazione del progetto ha annoverato oltre 500 collaborazioni, tra istituzioni, associazioni culturali, maestranze artistiche, artigiani, tecnici, danzatori, cantanti, musicisti, performer, e ha contato più di 20.000 presenze agli eventi.

La monografia, a cui Germano Celant lavorò prima della sua scomparsa e che viene pubblicata postuma con un testo introduttivo di Carlos Basualdo, è la prima a ripercorrere in modo sistematico la vita e la carriera del fotografo Claudio Abate (Roma, 1943-2017). Viene proposta una lettura storica e critica del suo lavoro, documentato attraverso una cronologia con illustrazioni, materiali inediti, testi e citazioni. La produzione di Abate spazia dalle fotografie di opere, artisti e mostre dell’Arte Povera agli scatti sulla scena espositiva italiana e internazionale, fino a immagini di teatro, moda, costume, attualità per settimanali e periodici, nonché a vere e proprie opere d’arte sperimentali. In una visione omnicomprensiva, Abate mette alla prova il mezzo fotografico adattandolo a molteplici ambiti, discipline, temi e soggetti differenti.

In Val di Sella, nel comune di Borgo Valsugana, in provincia di Trento, è nata nel 1986 Arte Sella, un’iniziativa volta a promuovere l’arte contemporanea nel contesto naturale. Lungo i sentieri, tra i boschi si incontrano opere d’arte che condividono il tempo della natura e i suoi processi trasformativi. Molte opere nel tempo sono ritornate alle origini e ne rimane solo la documentazione fotografica. Tuttavia il lavoro di ciascuno degli artisti che ha partecipato al progetto ha contribuito a rafforzarlo e a rendere reale la possibilità di agire delicatamente sulla natura e sempre a suo favore. Negli anni Arte Sella si è dimostrata occasione di importanti interventi artistici e grazie alla sua presenza la valle ha assunto una connotazione particolare: accanto alle bellezze del luogo, l’incontro con le opere offre ai visitatori sensazioni ed emozioni ineguagliabili. Più di 300 artisti, architetti e designer, provenienti da diverse nazioni, hanno collaborato: Nils-Udo, Giuliano Mauri, Patrick T. Dougherty, Chris Drury, Alan Sonfist, Luc Schuiten, Michelangelo Pistoletto, Arne Quinze, Edoardo Tresoldi, Henrique Oliveira, Krištof Kintera, Arcangelo Sassolino, Stefano Boeri, Michele De Lucchi, Kengo Kuma, Eduardo Souto de Moura e molti altri ricordati in questo volume.

Per la prima volta la Collezione Peter Goop, la più importante raccolta in mano privata di erbari a stampa, è presentata in un libro. Il lettore potrà ammirare in queste pagine una serie di esemplari che hanno fatto la storia degli erbari e della scienza: dalla splendida edizione del 1476 della Storia naturale di Plinio il Vecchio fino allo stupendo volume acquerellato dell’Hortus Eystettensis di Basilius Besler del 1613, oltre al punto forte della collezione, i Kräuterbücher – i «libri di semplici» stampati tra il 1470 e il 1500. Questa già di per sé prestigiosa rassegna è completata da una scelta di preziosi volumi di botanica appartenenti alla Biblioteca dell’Accademia Nazionale dei Lincei e Corsiniana di Roma, la più antica accademia scientifica del mondo.

Il gusto per i soffitti lignei dipinti costituisce un fenomeno che interessò soprattutto l’Europa meridionale dal Medioevo centrale al Rinascimento, rappresentando – pur se declinato secondo modalità strutturali ed esornative differenti – un elemento caratteristico e unificante. Anche se tali manufatti sono depositari di molteplici informazioni sulla cultura del tempo e costituiscono spesso l’unica cifra capace di tramandarci il decoro degli interni, solo recentemente sono divenuti oggetto di un sempre crescente interesse. Inserito nell’ambito di un percorso di ricerca in seno al Dipartimento di Studi umanistici e del patrimonio culturale (DIUM) dell’Università di Udine, il convegno ha riunito studiosi provenienti da Croazia, Francia, Germania, Italia, Portogallo, Spagna, Svizzera e, oltre ad affrontare aspetti strettamente scientifici, ha voluto stimolare l’interesse per questa espressione artistica in parte ancora a rischio di dispersione e di distruzione, tuttora poco nota a un pubblico non specialistico e soltanto parzialmente valorizzata. Testi in lingua originale.

Nel 1886 venne bandito il concorso internazionale per il rifacimento della facciata del Duomo di Milano, uno dei più importanti di quel periodo. Questo volume ne ripercorre la lunga e controversa storia, ma non solo: fotografie, incisioni, rilievi e pubblicazioni oggi conservate alla Biblioteca dell’Accademia di architettura di Mendrisio e già appartenute all’architetto ticinese Augusto Guidini, tra i membri della giuria del concorso, conducono i lettori al tavolo stesso dei giurati, mettendoli così a conoscenza delle pratiche di organizzazione di un concorso internazionale di architettura del tardo Ottocento, ma anche degli strumenti allora adottati per la valutazione dei progetti presentati. Il libro raccoglie infatti nel suo insieme, per la prima volta, l’ingrediente più raro e sorprendente dell’innovativo metodo messo a punto dai giurati: un archivio fotografico di tutte le proposte storiche per la facciata del Duomo fino ai progetti presentati al concorso. Ne risulta una narrazione per immagini che testimonia la ricezione del Gotico e le variazioni del gusto nelle varie epoche. La storia della facciata del Duomo diventa così storia mutevole ove a dispiegarsi è anche il tempo, con le sue continuità e le sue fratture, sedimentatosi sul monumento simbolo della città di Milano.

Dopo Cina, Cuba, Africa, Brasile e Australia, il volume prosegue la rassegna di approfondimento e conoscenza delle culture extraeuropee effettuata negli ultimi anni dal PAC di Milano, partendo dalla lettura dell’opera di artisti contemporanei. Il volume offre un’approfondita panoramica sull’arte contemporanea in Giappone. La lettura che ne viene data, parte dall’analisi di diverse opere degli anni 2000, con una particolare attenzione alle forme espressive che coinvolgono il corpo degli artisti, alle performance, e alle dinamiche ad essa pertinenti. Le opere proposte - diverse tra loro sia per stile che per medium utilizzato - sono strettamente legate alla riflessione sull’identità, tema di grande rilievo nella ricerca artistica giapponese contemporanea, e sono analizzate nel contesto più ampio delle avanguardie giapponesi sviluppatesi nel dopoguerra - come l’associazione artistica Gutai - al fine di esplorare i contorni della relazione esistente tra il retaggio delle guerre del XX secolo e il mondo contemporaneo. Ne emerge un quadro sfaccettato ma funzionale a descrivere il fermento artistico del Giappone: un laboratorio contemporaneo caratterizzato da un’interessante vivacità intellettuale. Artisti: Makoto Aida, Dumb Type, Finger Pointing Worker/Kota Takeuchi, Mari Katayama, Meiro Koizumi, Yuko Mohri, Saburo Muraoka, Yoko Ono, Lieko Shiga, Chiharu Shiota, Kishio Suga, Yui Usui, Ami Yamasaki, Chikako Yamashiro, Fuyuki Yamakawa, Atsuko Tanaka, Kazuo Shiraga.