Silvana

Un grande volume per celebrare i sessant’anni di carriera - e i novant’anni di età - di Michelangelo Pistoletto (Biella, 1983), una delle voci più note e affermate internazionalmente dell’arte contemporanea. In queste pagine sono riproposte le opere simbolo del maestro, dalle storiche alle più recenti: dagli anni Sessanta con Metrocubo di Infinito, Venere degli Stracci, Orchestra di stracci e Labirinto, continuando poi con gli anni Settanta con L’Etrusco e la serie delle Porte Segno Arte e Autoritratto di Stelle, fino agli anni Novanta e Duemila con Libri, i quadri specchianti, Love Difference – Mar Mediterraneo, Neon e Terzo Paradiso. Una rassegna che accompagna in un viaggio emozionante dentro la poetica e il mondo, i tanti mondi, del maestro piemontese: come recita il sottotitolo, le opere di Pistoletto raccontano di un’infinità di modi di fare arte, un’infinità di modi di vedere, di cambiare prospettiva, di leggere la realtà. Al centro un unico artista ma nelle sue tante possibilità di essere, di trasformarsi, di raffigurare e rappresentarsi. «Con Oggetti in meno, già nel 1965, Michelangelo Pistoletto teorizzava la fragilità commerciale di un’identità artistica ridotta a riconoscibilità di mercato. Opere distorte, linguisticamente e formalmente distanti reclamavano percorsi creativi differenti, sfuggivano a ogni classificazione, a ogni inquadramento: una mostra “collettiva” di un solo artista, una pluralità di accenti per una sola voce. Ecco, la straordinaria ricerca artistica di Michelangelo Pistoletto muove lungo le dinamiche fra identità e collettività, fra riconoscibilità e differenza. Lo specchio è l’archetipo di questo meccanismo, tra la presenza soggettiva e l’infinito possibile. è un continuo gioco con la realtà, con l’aggiunta della molteplice variabile temporale. Un libro sull’arte di Michelangelo Pistoletto, così come una sua mostra, rappresenta un’infinita serie di domande, di scoperte, di curiosità, di sorprese. “Infinity” al Chiostro del Bramante, come questo catalogo, è la raccolta di tanti piccoli racconti, tanti panorami, tanti differenti viaggi. Insomma, questa non è una mostra di Michelangelo Pistoletto, ma con Michelangelo Pistoletto.» (Danilo Eccher)

La raccolta di saggi presenti nel volume vuole rendere omaggio ad amici e maestri che hanno accompagnato un lungo percorso tra linguaggi diversi, ma sempre rivolti al futuro. Il lavoro inizia con Antonietta Raphaël, dalla quale muove poi l’interesse, mai interrotto, per Scipione e Mario Mafai, quindi per i pittori che guardavano con rispetto alla “Scuola romana”, ne avevano ricevuto stimoli oppure ne facevano parte. Intanto i viaggi all’estero, dapprima in Europa e poi in America, determinavano i contatti con artisti legati all’Italia, pronti a esaltare la mai sopita passione per la grafica, congiunta inevitabilmente alla letteratura, e a farne nascere un’altra, quella per la scultura, che nel corso degli anni diventerà predominante, tanto da sollecitare ricerche e approfondimenti multidisciplinari utili per raccontare la storia di ognuno di essi nel loro divenire. Tra gli uni e gli altri, i poeti, gli scrittori e gli editori, sempre al centro di un interscambio che poneva in primo piano una visione totale della cultura, l’importanza del libro d’artista nella storia del Novecento e il connubio parola/segno.

Progetto Genesi. Arte e Diritti Umani, a cura di Ilaria Bernardi e promosso dall’Associazione Genesi, è un progetto cross-disciplinare e inclusivo che coniuga momenti espositivi ed educativi con l’obiettivo di fornire un’educazione permanente in tema di diritti umani. Si articola in un ricco programma composto da attività educative rivolte al pubblico di tutte le età, e da una mostra itinerante delle opere d’arte contemporanea dell’Associazione Genesi che costituiscono la Collezione Genesi, e che riflettono sulle più drammatiche questioni del nostro tempo. Dopo il successo della prima edizione di Progetto Genesi (tenutosi dal 21 settembre 2021 al 21 settembre 2022), questo volume racconta la seconda edizione del progetto concepita per l’anno 2023, focalizzandosi soprattutto sulle nuove quindici acquisizioni entrate a far parte della Collezione Genesi e mai esposte finora.

Alan Bee è lo pseudonimo di una figura di spicco nel mondo degli affari, personalità di grande rilievo nel panorama dell'arte europea degli ultimi decenni che negli anni ha costruito con passione e arguzia il proprio personaggio a tutto tondo, dandogli non solo un nome ma fornendolo di una serie di suggestioni biografiche plausibili e del tutto compatibili con il corpus fisico delle sue opere. Alan Bee è l'artista che non ti aspetti; quello che non ha bisogno di un museo, di una galleria d'arte, di una mostra, e - per assurdo - neanche di un libro. Il suo scopo, infatti, non è mai stato quello di raggiungere la fama, non ha mai visto nella propria produzione artistica una possibile fonte di guadagno, quanto piuttosto un messaggio che potesse raggiungere chiunque con grande semplicità, riassunto da poche parole chiave: solidarietà, equità, difesa della natura, collaborazione, coesione. Talentuoso e fervido, Alan Bee ha incentrato il proprio lavoro - la cui diffusione ha autorizzato solo dopo la sua scomparsa - su una irreprimibile fascinazione per il virtuoso universo delle api, portatrici e custodi di ritmi e tempi armoniosi, simbolo di un ordine inviolabile del mondo: un modello che si estende al concetto ideale di humanitas, intesa come pienezza e orgoglio della dignità umana, di cui Bee è sempre stato portatore e difensore, dando voce per mezzo della sua opera ai valori e diritti fondamentali di tutte le creature, primo fra tutti la libertà. Questo senso di libertà, che egli ha assunto in modo potente nel suo operare artistico, è declinato in un linguaggio originale e mai assimilabile ai codici contemporanei conosciuti. In questo libro conoscerete un "profeta" che parla per immagini, un uomo che ha avuto il coraggio di guardare al futuro con la speranza che potesse essere migliore di come la nostra disillusione lo ha "dipinto".

Il volume raccoglie i lavori del convegno (2017) che seguì l’esposizione, in tre sedi (Pienza, San Quirico d’Orcia e Montepulciano), su Il buon secolo della pittura senese. Tale rassegna vide articolarsi nella sede di Pienza la sezione su Francesco Rustici detto il Rustichino, ‘caravaggesco gentile’, con pitture e disegni del maestro e degli artisti da lui influenzati. A conclusione dell’esposizione, la prima dedicata al pittore, furono coinvolti dieci studiosi della pittura e del disegno del Seicento (a cui successivamente se ne sono aggiunti altri sei), che contestualizzarono la figura del Rustici nell’ambito del movimento caravaggesco. Ne è scaturita una serie di contributi che, oltre a mostrare la vastità dei rapporti del pittore con colleghi e mecenati, ha ribadito l’importanza del Seicento senese e ha fatto conoscere meglio l’attività degli artisti collegati al Rustici, con la presentazione di non poche opere inedite.

Il volume raccoglie i risultati di due progetti di ricerca, il primo su Palazzo Reale nel XIV e XV secolo, finanziato dal Comune di Milano – Area Polo Mostre e Musei Scientifici – all’Università Cattolica, il secondo sull’Insula viscontea di Milano, finanziato da Regione Lombardia, Fondo Europeo di Sviluppo Regionale, progetto Mobartech. Coordinato da Serena Romano e Marco Rossi, questo doppio asse di ricerca ha fatto luce sul grande ‘quartiere’ di Milano che i Visconti occuparono e fecero proprio, invadendolo con i propri palazzi, i propri discorsi pittorici e scultorei, le proprie insegne di potere, e così cambiando il volto della città, rendendola capitale di un’avventura storica senza confronti nell’Italia delle signorie. Il palazzo di Azzone Visconti – oggi Palazzo Reale – e il palazzo arcivescovile dominano questo panorama, rivelando le loro strutture medievali, la distribuzione degli spazi, gli apparati ornamentali che tanto colpivano coloro che fino al Cinquecento avevano potuto vederli più integri rispetto ad oggi. In questo libro vengono resi pubblici migliaia di dati nuovissimi, resi possibili dalle indagini innovatrici e meticolose di Edoardo Rossetti, Carlo Cairati, Federico Riccobono, Santina Novelli, Damiano Spinelli: la città medievale si rivela come mai prima grazie a una conoscenza dettagliatissima dei monumenti e a un corredo archivistico imponente. Insieme con il volume Strategie urbane e rappresentazione del potere. Milano e le città d’Europa, 1277-1385, che con questo forma un dittico inscindibile, quest’opera collettiva getta una nuova luce sulla storia di Milano e sulla civiltà artistica lombarda nel Medioevo.

Il volume riunisce gli atti del convegno svoltosi a Milano nel novembre 2021, e forma un dittico con il volume Le residenze viscontee da Palazzo Reale a San Giovanni in Conca. L’asse fondamentale dell’intero progetto è il rapporto fra spazio della città, e forme e funzioni del potere, colti in un preciso frangente storico, cioè nei decenni in cui avviene la trasformazione delle città comunali in signorie, e in cui in varie città d’Europa i mutamenti storici e sociologici impongono anche all’habitat e alle sue forme cambiamenti radicali. Il fuoco è sul ruolo cruciale delle costruzioni culturali – quelle letterarie e quelle visive – nelle procedure dell’affermazione del potere: nei modi di presentazione del sapere e del retaggio delle conoscenze, dell’appropriazione dello spazio, della visualizzazione del potere, della strutturazione cerimoniale, in generale della comunicazione e, ancora più in generale, della percezione e autopercezione di una comunità civica in un quadro storico dato. Gli interventi qui pubblicati, dovuti a un gruppo di eminenti studiosi italiani e stranieri, hanno inteso situare lo studio di Milano viscontea nella più ampia rete della civiltà tardomedievale europea: da Verona a Padova, da Venezia alla Toscana, da Parigi a Vienna, da Avignone a Praga, il giro d’orizzonte è suggestivo e, speriamo, utilissimo, per chiunque voglia proseguire nello studio della civiltà ‘signorile’, alle radici dell’Europa moderna. Testi in lingua originale.

Il volume racconta attraverso cinque saggi e un ricco apparato iconografico il lungo ed emozionante restauro della Caduta della manna e del Sacrificio di Melchisedech, le due tele di più ampio formato che il genio di Giambattista Tiepolo realizzò durante la sua folgorante carriera artistica, ora riportate alla corretta lettura cromatica e luministica. Nuove ricerche archivistiche hanno permesso di precisare la controversa datazione dei due spettacolari dipinti che furono eseguiti a Venezia tra il 1741 e il 1748, grazie al fondamentale intervento della moglie di Carlo Antonio Gambara, la nobildonna veneziana Elisabetta Grimani, figura chiave nel mantenere viva la corrispondenza con l'artista e nel mediare con il committente, la confraternita del Santissimo Sacramento della parrocchiale di San Lorenzo di Verolanuova. Le indagini diagnostiche hanno inoltre permesso di scoprire quali pigmenti furono utilizzati dall'artista, e di comprendere meglio diversi aspetti della sua modernissima tecnica esecutiva.

L’attuale approfondimento, nato dalle analisi legate al progetto espositivo "E dimmi che non vuoi morire: il mito di Niobe", intende riattualizzare le declinazioni del mito nelle sue principali sedi alla luce della mostra Niobe e i suoi figli allo specchio. Il complesso scultoreo delle VILLÆ di Tivoli agli Uffizi. Il gruppo scultoreo rinvenuto a Villa Adriana, oggetto di recente restauro, le decorazioni della Grotta di Diana a Villa d’Este e il complesso niobidico del Santuario di Ercole Vincitore costituiscono preziose testimonianze per comprendere, attraverso l’attualità della tradizione tragica e mitologica, la immanente drammaticità della condizione umana secondo uno schema epistemico proiettato al futuro.

Pittore, incisore, scrittore, editore, collezionista: sono molteplici le anime di Mario Lattes (Torino, 1923-2001), figura unica e singolarissima nel panorama culturale italiano del secondo Novecento. Il volume, edito in occasione del centenario dalla nascita, è dedicato alla sua opera pittorica e grafica, di cui offre un’ampia rassegna di dipinti, acquerelli, gouache e incisioni. Acuto testimone delle vicende del suo secolo, Lattes ne interpreta le tensioni e le ambiguità: ne vive i drammi e le esaltazioni, filtrando le emozioni attraverso la sua personalissima visione della figurazione, intrisa di umori fantastici e visionari. La feconda inquietudine lo spinge sempre a ricercare, a sperimentare, a inseguire modalità espressive inconsuete ma utili a liberare l’urgenza creativa.

Dal 1934 al 1990, anno della morte, Alberto Moravia scrive d’arte, dedicandosi alla critica militante su riviste, giornali e cataloghi di mostre: qualcosa di più di una passione, una vera e propria attività parallela che gli ha permesso di raccontare un lungo periodo del Novecento, con una particolare predilezione per la pittura figurativa. Il volume, attraverso una trentina di opere selezionate tra quelle che ha più amato e raccontato, è dedicato a questo aspetto poco conosciuto dello scrittore, delineandone il percorso cronologico. A partire dagli anni trenta Moravia scrive per i Sei di Torino, in particolare per Carlo Levi che conosce a Londra, quindi affronta la Scuola Romana di Capogrossi e Mafai, cominciando la lunga frequentazione e complicità con Renato Guttuso di cui sarà amico per tutta la vita. Negli anni sessanta intrattiene un dialogo molto fecondo con Mario Schifano, che lo introduce all’ambiente pop della Capitale e all’opera di Giosetta Fioroni e Titina Maselli. Senza dimenticare l’interesse per il Surrealismo e per pittori che si muovevano controtendenza, come Antonio Recalcati e Piero Guccione.

Sulla figura di Ambrogio Nava, nobile milanese della prima metà del XIX secolo, pittore e architetto, esiste una letteratura limitata: poche cronache dei suoi successi come pittore dilettante, un racconto riferito allo sfregio subito dal suo ritratto, opera di Francesco Hayez, in pieno clima risorgimentale, e due articoli che ricordano il suo restauro della guglia maggiore del Duomo di Milano. Sul suo ruolo di progettista, collaboratore di Luigi Cagnola, capace di giungere alla carica di Architetto della Fabbrica del Duomo, non esistono riferimenti bibliografici esaustivi. Questo studio ha l’obiettivo di porre rimedio alle numerose lacune che caratterizzano le informazioni sulla vita e l’opera di un protagonista degli eventi che contraddistinsero la storia di Milano e della Lombardia nella prima metà dell’Ottocento. Le vicende del conte Nava offrono l’occasione di prendere parte a un’epoca turbolenta, dove il restauro architettonico diventa tema fondamentale nel dibattito sulla città che si rinnova, privilegiando un’idea per l’epoca non scontata: la conservazione del patrimonio antico.