Silvana

Il volume propone un viaggio nel mondo sorprendente di Corrado Cagli (Ancona 1910 - Roma 1976), grande pittore e maestro del Novecento. L’attività di Cagli è sempre stata orientata verso un orizzonte multidisciplinare, dalla pittura alla scultura e alla ceramica, dal teatro alla danza. I suoi esperimenti sono stati di grande ispirazione per artisti come Afro, Guttuso, Burri e Schifano. Le opere presentate - una trentina tra le più iconiche della sua produzione - sono state realizzate nel dopoguerra e sono databili alla fase più prolifica e di maggior qualità all’interno della sua opera: tra queste, alcune immagini esoteriche legate al mondo dei tarocchi, una selezione di opere del 1949 che sperimentano la quarta dimensione, caratterizzate da una gestualità fortemente espressiva, e le ‘carte mute’ realizzate tra il 1958 e 1959, dove l’artista converge arte, scienza, artigianato e teoria per creare straordinari effetti ottici. Il volume accoglie i testi introduttivi di Denise e Alberto Di Castro, Gian Enzo Sperone, Yuri Tagliacozzo, il saggio critico di Ester Coen e la contestualizzazione storica di Veronica Prestini.

Si intitola Corpi estranei il progetto dell’artista Cesare Viel, liberamente ispirato alla poesia di Emily Dickinson, che si è svolto tra l’Italia e la Spagna a partire dal settembre 2022 in diverse tappe sotto forma di workshop, performance e nuovi modelli di produzione artistica. Realizzato grazie al sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell’ambito del programma Italian Council, è stato ideato da Elisa Fulco, Giulia Ingarao e Antonio Leone e promosso dall’Associazione ruber.contemporanea in partnership con Universidad de Málaga, Centre Pompidou Málaga, Facultad de Bellas Artes de Málaga, Colección del Museo Ruso de Málaga, Fondazione Pietro e Alberto Rossini e Fondazione Sicilia. Il volume illustra le tre tappe del progetto: Villa Zito a Palermo, il Centre Pompidou a Malaga e la Fondazione Pietro e Alberto Rossini a Briosco (Monza Brianza). In linea con la pratica artistica di Cesare Viel, Corpi estranei prevedeva differenti azioni unite dall’uso della scrittura come campo allargato che traduce e dà forma a diversi interventi in cui la parola diventa immagine, wall drawing, manoscritto, scrittura su striscioni, voce e performance. Un progetto di sistema incentrato sull’attivazione di processi relazionali e scambio di buone prassi fra tutti gli attori coinvolti, che si è concluso con l’entrata dell’opera manifesto Corpo estraneo/Toccare un tesoro nella collezione di Riso – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo.

Nel 1533 il re di Francia Francesco I donò a papa Clemente VII un arazzo raffigurante l’Ultima cena di Leonardo. Un’opera di qualità così alta da far supporre che il suo cartone fosse stato realizzato sotto la supervisione dello stesso Leonardo. Da allora, per secoli i papi utilizzarono l’arazzo per svolgere alla sua ombra alcune delle principali cerimonie religiose, fra cui la Lavanda dei piedi che si teneva ogni anno il Giovedì Santo. In queste occasioni, il pontefice usava anche uno splendido baldacchino, disegnato dagli allievi di Raffaello che avevano lavorato insieme al maestro urbinate nelle Stanze e nelle Logge Vaticane, ambienti tra i più prestigiosi del Palazzo Vaticano. Il volume racconta la storia di queste due magnifiche opere e delle cerimonie che le videro protagoniste.

A quasi vent’anni dalla scomparsa del grande scultore lombardo Francesco Somaini (1926-2005) il volume ne approfondisce per la prima volta la produzione pittorica, sottolineandone la stretta relazione con la creazione plastica. Attraverso un gruppo scelto di dipinti, eseguiti tra il 1950 e il 1965, rappresentativi delle varie fasi creative e delle diverse tecniche, il lettore è condotto nel cuore del laboratorio dell’artista attraverso sezioni tematico-cronologiche che analizzano momenti esemplari della sua attività, accostando dipinti, disegni e sculture di riferimento, esposti nelle collettive e personali più importanti del periodo. A cominciare dalla rassegna epocale Sessanta maestri del prossimo trentennio, curata da Carlo Ludovico Ragghianti a Prato nel 1955, grande estimatore della pittura dell’artista, che così scrive: “Francesco Somaini, scultore e pittore, in alcuni studi mostra un’esigenza profonda di spogliare, di andare alla radice essenziale delle cose: la capacità di sondaggio di un organismo si accompagna a un’eguale capacità di sintesi, che porta le sue immagini verso la calma monumentale di una compagine architettonica; ma lo sviluppo della forma, sorgente e come nascente da uno spazio partecipe con una scoperta vibrazione di vitalità, mantiene un tormento a volte tagliente, che si accentua nei disegni”.

Attraverso l'analisi di questioni di carattere attributivo, iconografico e iconologico, e tramite approfondimenti inerenti al rapporto tra scultura e architettura e a temi di carattere sociale - quali la gestione e l'organizzazione dei canteri, la relazione tra centro e periferia e i legami tra le botteghe e le singole maestranze -, questo volume si presenta come uno strumento completo per la comprensione dell'articolato panorama riguardante la scultura dello Stato di Milano dalla fine del XIV ai primi decenni del XVI secolo. L'ampio arco cronologico preso in esame, che vide avvicendarsi Visconti, Sforza e francesi, permette infatti di seguire i cambiamenti culturali e stilistici che caratterizzarono l'arte milanese fra Tardogotico e Rinascimento maturo e di mettere a fuoco l'operato di quegli scultori che influenzarono maggiormente gli artisti a loro contemporanei: su tutti, i Maestri campionesi e caronesi, Jacopino da Tradate, i fratelli Cristoforo e Antonio Mantegazza, Giovanni Antonio Amadeo, Cristoforo Solari e il Bambaia, attivi, a varie riprese e a più livelli, nei maggiori cantieri della zona, ossia quelli della Cattedrale di Milano e della Certosa di Pavia, veri e proprio centri di irradiamento della cultura figurativa lombarda del periodo. Inoltre, l'accento posto sugli spostamenti compiuti dalle maestranze native di questi territori milanesi e sugli scambi culturali e artistici che accompagnarono tali spostamenti, compiuti soprattutto dai cosiddetti "maestri dei laghi", fa sì che le ricerche qui contenute travalichino i confini milanesi e, dalla Spagna alla Slesia moderna, arrivino anche in Liguria, a Venezia, a Ferrara, nella Roma di Andrea Bregno e nella Sicilia di Domenico Gaggini, sottolineando così il vasto respiro delle tematiche affrontate nei diversi contributi raccolti in questo volume. Testi di: Alessandro Barbieri Beatrice Bolandrini, Massimiliano Caldera, Laura Damiani Cabrini, Grégoire Extermann, Laura Facchin, Giuseppe Fazio, Rosa López Torrijos, Predrag Marković, Fernando Marías, Giovanni Mendola, Mirko Moizi, Charles R. Morscheck, Thomas Pöpper, Marco Scansani, Martina Schirripa, Federica Siddi, Mariusz Smoliński, Andrea Spiriti, Michela Zurla.

Questo numero dei “Quaderni del Vittoriale”, in una veste grafica completamente rinnovata, propone nella nuova sezione monografica le relazioni presentate al convegno organizzato dalla Fondazione Il Vittoriale degli Italiani insieme alla Fondazione Giovanni Pascoli sui rapporti fra il poeta romagnolo e Gabriele d’Annunzio. La sezione dedicata alla “Fabbrica” del Vittoriale contiene contributi sulle residenze studio di d’Annunzio e Francesco Paolo Michetti, su Gian Carlo Maroni e il nuovo “Museo della Santa Fabbrica”, nonché sulla passione del Vate per oggetti da lui stesso progettati, come nel caso delle custodie per le bottiglie d’acqua. Infine nella sezione dedicata agli studi e alle ricerche sono presenti due significativi contributi: il primo è un saggio su Ludovico Toeplitz de Grand Ry, legionario e finanziatore dell’Impresa di Fiume, sul quale ben poco era stato scritto finora; il secondo è invece una rilettura critica delle Faville del maglio.

Il volume intende raccontare la seconda fase dell’Avanguardia futurista, successiva al periodo storico che, di fatto, si era concluso con la morte precoce di Boccioni nel 1916. È, anzi, proprio nelle successive generazioni, attive negli anni Venti e Trenta, che il Futurismo trova la propria unicità; rispetto alle altre avanguardie europee, ad esempio, esso dimostra una straordinaria longevità e una notevole capacità di aggiornamento sul cambio dei tempi, un fenomeno che è riuscito a diffondersi capillarmente anche nei piccoli centri e nelle periferie. È una fase meno nota al grande pubblico, che in queste pagine può riscoprirne i grandi protagonisti ma anche alcuni esponenti meno celebri, sorprendenti quanto a personalità e originalità di linguaggio: da Giacomo Balla, Luigi Russolo, Gino Severini, Enrico Prampolini, Filippo Tommaso Marinetti, Antonio Sant’Elia, Fortunato Depero, Tullio Crali a Roberto Marcello Iras Baldessari e Giulio D’Anna.

La mostra Klimt e l’arte italiana mette in luce l’influenza che Gustav Klimt esercitò su numerosi artisti italiani del primo Novecento, contribuendo al delinearsi di una delle pagine più affascinanti dell’arte del secolo scorso. L’esposizione e il catalogo che l’accompagna analizzano per la prima volta le opere di pittori e scultori che accolsero le suggestioni del maestro austriaco, dopo l’eco suscitata dalla sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 1910 e all’Esposizione Internazionale di Roma del 1911. Sono eccezionalmente riunite in questa occasione le due opere “italiane” di Klimt, Giuditta II (1909) e Le tre età della donna (1905), acquistate dallo Stato per le collezioni pubbliche nazionali. I due capolavori sono il perno di un percorso che prende in esame l’opera di pittori attivi a Venezia, quali Vittorio Zecchin e i giovani “dissidenti” di Ca’ Pesaro, o coinvolti nelle grandi imprese decorative della Biennale (Galileo Chini). Altre sezioni sono dedicate ad artisti, quali il trentino Luigi Bonazza o il triestino Vito Timmel, che, per prossimità geografica e storica, furono particolarmente vicini al clima delle Secessioni. La cultura mitteleuropea ispirò inoltre Adolfo Wildt, che diede vita a un linguaggio personalissimo, tanto da essere definito “il Klimt della scultura”. Attraverso circa 200 opere provenienti da importanti collezioni pubbliche e private, la mostra illustra un panorama ampio e vario, nel quale discipline diverse – dalla pittura alle arti decorative – convivono sotto il segno del gusto sontuoso e decadente della Secessione.

La pittura dei macchiaioli fu tra le più innovative in Italia nella seconda metà dell’Ottocento. Il gruppo di artisti di varia provenienza, che inizialmente si riuniva presso il Caffè Michelangelo a Firenze, propose ricerche pittoriche d’avanguardia che per molti aspetti anticiparono, con sorprendente modernità, quelle successivamente sperimentate dagli impressionisti francesi. Il volume indaga i vari aspetti di questo importante sodalizio concentrandosi sulle novità tecniche apportate da coloro che lo animarono, considerati padri della pittura en plein air. Il percorso ha inizio con una serie di opere della scuola francese di Barbizon e di altri pittori italiani, quali i Palizzi e Antonio Fontanesi, impegnati nel rinnovamento della pittura di paesaggio, per poi addentrarsi nel vivo dell’avventura macchiaiola. Dai soldati di Fattori, ai paesaggi di Sernesi, agli scorci cittadini di Signorini, fino alle donne di Lega: un viaggio in un movimento che ha cambiato la storia dell’arte europea, guardando “il vero dal vero”.

Nel 1966 Firenze visse la terribile esperienza dell’alluvione, con più di cento vittime e il danneggiamento o la distruzione di migliaia di capolavori d’arte e libri rari. Con lo sforzo congiunto di volontari italiani e stranieri molte di queste opere sono state restaurate, ma dopo questa tragedia la città ha infatti dimenticato le rive dell’Arno, osservandolo “da lontano”, perdendo ogni intimità con il fiume. Da anni il Progetto RIVA, diretto da Valentina Gensini, stimola un’indagine critica ed interdisciplinare che ponga le basi per la progettazione di un parco fluviale nel cuore della città, attraverso la partecipazione di artisti, curatori, scienziati, biologi e architetti, italiani e stranieri. Recentemente, seguendo l’idea di riscoprire il patrimonio ambientale e culturale legato al fiume, il Progetto RIVA ha realizzato installazioni artistiche e mostre in collaborazione con fotografi, artisti e compositori che hanno prodotto ritratti visivi e sonori originali del fiume e della sua memoria, promuovendo nuove visioni del fiume e delle sue sponde, workshop, incontri, residenze d’artista. Il volume offre una panoramica sugli interventi più significativi realizzati nel corso degli ultimi cinque anni, a partire dal 50° anniversario dell’alluvione.

La parabola artistica di Italo Antico (Cagliari, 1934), per quanto eccentrica rispetto alle vicende più battute degli anni settanta, costituisce un'efficace cartina al tornasole di alcune problematiche fondamentali per l'arte italiana di quel decennio. I cambiamenti nel suo metodo di lavoro, il passaggio dalla figurazione all'astrazione e l'attenzione alla didattica artistica sono le tracce che, lontano dalle prospettive angolate di cui risente la narrazione di quegli anni, ci accompagnano alla riscoperta di uno scultore che mantenne sempre una posizione appartata e senza compromessi nei confronti di quanto poteva vedere nelle gallerie più à la page della Milano degli anni di piombo o sulle pagine delle patinate riviste d'avanguardia. L'importante nucleo di opere dell'artista presentato in questo volume offre dunque un’occasione per apprezzare la qualità intrinseca delle sculture, dei gioielli e degli altri ambiti del suo operare, al tempo riconosciuta e messa a fuoco da alcune delle personalità più attente del panorama critico nazionale, tra cui Gillo Dorfles, Enrico Crispolti e Rossana Bossaglia.

Oltre ad aver raccontato l’arte e gli artisti del secondo Novecento attraverso la documentazione di cinquant’anni di mostre, studi e grandi manifestazioni pubbliche in Italia, Enrico Cattaneo (Milano, 1933-2019) ha sviluppato una personalissima ricerca visuale sui modi, i soggetti e i materiali della fotografia. Questi due aspetti della sua attività, inseparabili fra loro come le due facce di una medaglia, si ricompongono nella fisionomia unitaria di un autore capace di mettere in questione i presupposti tecnici e concettuali del linguaggio fotografico. Come lui stesso ha scritto: “L’opera d’arte contemporanea è spesso una cosa più un’idea… Difficile fotografare un’idea”.