Silvana

Grazia Varisco è una delle protagoniste dell’arte europea. Per gli spazi della Fondazione Biscozzi-Rimbaud di Lecce ha elaborato un itinerario di diciassette opere di datazione compresa fra il 1957-1959 e il 2009 in relazione tra di loro. Un percorso, insomma, nel quale i singoli pezzi vanno a costituire un corpo unitario, pur conservando ciascuno la propria individualità. La caparbietà di Grazia Varisco è un elemento caratteristico del suo modus operandi, e va intesa come impegno formale ed espressivo. Si tratta dell’esigenza di andare sempre al di là della soluzione esperita, al fine di trovare nuovi contenuti e le modalità di volta in volta più adatte per estrinsecarli. Naturalmente permangono alcune costanti, e l’obiettivo di questo libro è di individuare le principali che permettano di leggere una produzione così ampia entro una cornice interpretativa coerente.

Il volume rende omaggio a un iconico “fashion duo”, Ossie Clark e Celia Birtwell due creativi inglesi il cui sodalizio artistico e personale, breve ma molto intenso, ha dato origine a uno stile inconfondibile che ha lasciato un segno nella Londra del periodo compreso tra la minigonna di Mary Quant e il movimento punk sovversivo di Malcolm MacLaren e Vivienne Westwood, dal 1965 al 1974. Ossie e Celia è la storia di un’alchimia speciale, una delle prime coppie artistiche in cui uno stilista e una designer di tessuti hanno lavorato insieme completandosi in totale armonia fino alla loro separazione nel 1973. Celia era la creatrice delle meravigliose stampe ispirate alla natura e alle diverse correnti artistiche che Ossie, con la sua abilità nei tagli e nella modellistica, trasformava in abiti sensuali e femminili grazie alla leggerezza dei tessuti come crêpes, sete e chiffon che hanno conquistato il jet-set internazionale e la scena musicale dell’epoca. Da Brigitte Bardot a Liz Taylor, fino a Verushka, tutti erano affascinati dalla loro moda. Mick Jagger, Brian Jones, Keith Richards, Jimi Hendrix, Marianne Faithfull, Anita Pallenberg, Eric Clapton, George Harrison, Bianca Jagger e Marisa Berenson sono solo alcuni dei personaggi che Ossie Clark ha vestito. Partendo da un primo importante nucleo di abiti provenienti dall’archivio di Massimo Cantini Parrini, arricchito di ulteriori prestiti provenienti dalla collezione americana di Lauren Lepire e dagli archivi londinesi della famiglia Clark e della stessa Celia Birtwell, il volume racconta il contesto e l’evoluzione dei due artisti tramite abiti, tessuti, disegni fino a oggi mai pubblicati, testimonianze video, foto ed editoriali d’epoca.

Il nostro paese è costituito da un mosaico di grandi realtà interconnesse tra loro. Mondi che nei secoli si sono relazionati con personaggi e luoghi ben oltre gli attuali confini territoriali. Privilegiare la valorizzazione delle grandi città, dei grandi siti archeologici, dei grandi musei, dei borghi più belli con classifiche indecenti, condanna il nostro paese a cancellare una parte della sua storia e del suo patrimonio. La velocità delle trasformazioni tecnologiche ed economiche, il modificarsi di convinzioni e aspettative per il futuro possono ritrovare nella storia di questi centri, definiti a torto minori, momenti di riflessione. Questo volume, che rimanda alla realtà di una piccola capitale padana con un notevole patrimonio di storia e architettura, indica metodologie e obiettivi in continua evoluzione e illustra decenni di studio, ricerche e restauri. Un lavoro collettivo tra istituzioni e maestranze in un’operazione paragonabile all’impegno dei cantieri medioevali che collega la comunità locale ai grandi temi del recupero e alla valorizzazione del patrimonio culturale. In tempi di omologazione globale, che mettono in discussione ogni identità, ciascuno è chiamato a ricercare e riscoprire la propria storia.

Violenti, scostanti, scorretti. Gli eretici interpretano il tema della salvezza in ostinata opposizione con l'opinione e il gusto correnti. Rapita tanto dalle altezze quanto dalle bassezze, la loro opera multiforme rivolge lo sguardo alle urgenze della poesia e della verità, lasciando che pensiero e biografia siano un'unica cosa. Gli eretici di questa mostra sono tra gli altri Mattia Moreni, Cristina Campo, Pier Paolo Pasolini, Carmelo Bene, Sylvano Bussotti, Enrico Colombotto Rosso, Federico Tosi, Sergio Vacchi, Giannetto Fieschi, Amelia Rosselli, Pietro Ghizzardi, Cosey Fanni Tutti, Guido Costa, Ugolino, Maria Sole. Esempi di anticonformismo che fanno della follia, della provocazione o della perversione un elemento disturbante eversivo e non assimilabile. Contributi di: Fabio Canessa, Guido Costa, Andrea B. del Guercio, Simone Derai, Demended Burrocacao, Duccio Dogheria, Denis Isaia, Concetta Leto, Brizia Minerva, Daniela Rosi, Stefano Sbarbaro, Vittorio Sgarbi, Franco Ungaro.

Il volume, muovendo dalla sezione italiana dell’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, evento epocale che si tenne a Parigi nel 1925 e da cui deriva il termine “Déco”, intende restituire, attraverso 230 opere circa, una fotografia di quanto si andava producendo in quegli anni non solo nelle arti decorative e nella grafica, ma anche in pittura, scultura e architettura. L’obiettivo è quello di scoprire il fil rouge del gusto déco italiano che, tramite le necessarie intersezioni di stili e temi guida – come la danza, la maschera e la spinta sintetica nell’analisi formale di animali esotici –, favorì quella ricerca orientata verso una maggiore struttura architettonica e geometrizzazione delle forme. Tra le opere illustrate, per citarne solo alcune, le sfavillanti ceramiche firmate da Gio Ponti per Richard Ginori e quelle celebri di Francesco Nonni, le delicate trasparenze buranesi di Vittorio Zecchin, gli straordinari dipinti di Aleardo Terzi e Umberto Brunelleschi, che segnano un versante più illustrativo della pittura di quegli anni, e i progetti di Armando Brasini e Piero Portaluppi. Spazio è dato anche a quel sottile legame che avvicinò il secondo Futurismo alla temperie déco, testimoniato dalla partecipazione all’Expo parigina di Giacomo Balla, Fortunato Depero ed Enrico Prampolini.

«Ciò che è in gioco nelle complesse e abbaglianti immagini di Photopoiesis: The Metapolitan Amuseum […] è la coscienza piuttosto che l’intenzione: la coscienza passata, la coscienza attuale e, ora, naturalmente, la coscienza a venire che sopraggiunge contestualmente. Ciò che originariamente ha incantato l’occhio del fotografo non emerge mai completamente sul momento, ma solo dopo: attraverso un processo di assemblaggio, sovrapposizione ed estrazione in un’immagine finale che è a sua volta una sfida. […] È un metodo simile per molti versi a quello della scoperta scientifica, che implica interrogazione, dissezione, sperimentazione, alterazione e ricostruzione, un approccio di mutazione delle immagini che culmina in una sorprendente gamma di tipologie e fenotipi pittorici, che vanno dal quasi rappresentazionale ai limiti dell’espressionismo astratto. […] le fotografie di Photopoiesis non sono mai una sola immagine, anche prima della loro riproposizione. Ogni immagine è un archivio, un assemblaggio, una composizione, dove ciò che conta o che si materializza nel regno della coscienza “conta solo in seguito”, dove risiedono significato e rivelazione.» (William Galperin). «Photopoiesis offre un modo per esercitare l'immaginazione fotografica per connettere cose - tra esse, luce, colori, forme e soggetti - che non pensi immediatamente come connesse. Quando tutto sarà finito, io immagino dei tableaux che rappresentano i disorientanti ma deliziosi postumi di avvistamenti primari che io credo noi tutti siamo destinati a vedere... L'impatto e il contenuto visivo di un'immagine prendono vita, controintuitivamente, non nel momento in cui è stata creata, spigolata e percepita per la prima volta, ma molto più tardi, sotto forma di avvistamenti assemblati e riformulati nel tempo. È un altro modo per dire che "Photopoiesis vi mostrerà ciò che ho visto - visto in profondità, in effetti - ma mai nel momento preciso o nel modo in cui l'ho visto per la prima volta."» (Gideon Bosker)

“Basta con le torture, basta con le uccisioni per qualsiasi motivo; basta con il veleno che la violenza porta nell’educazione dei giovani; basta con il pericolo che enormi forze distruttive siano in mano alla decisione di pochi uomini. Noi del Centro per la nonviolenza chiediamo che si allarghi l’applicazione del metodo di resistenza attiva nonviolenta, alle lotte per la liberazione dall’imperialismo, dal colonialismo, da tutte le oppressioni, dal potere assoluto di gruppi dittatoriali o reazionari o asserviti alle forze economiche sfruttatrici. Da questo orizzonte aperto, infinito e fraterno, sacro da più di sette secoli ad ogni essere che nasce alla vita e alla compresenza di tutti, scenda una volontà intrepida e serena di resistere alla guerra, in propositi costruttivi di pace”. Così Aldo Capitini dal palco sul prato della Rocca di Assisi, al termine di quella straordinaria Marcia della pace per la fratellanza tra i popoli del 24 settembre 1961 partita da Perugia. L’eco forte e chiara di queste parole pronunciate da chi la Marcia l’ha a lungo e con cura e passione ideata e poi, assieme a ventimila persone, realizzata è oggi accompagnata da un’eccezionale narrazione fotografica, che i curatori del volume propongono quale auspicio per un rinnovato impegno nonviolento – personale e collettivo – per la pace nel mondo.

Il volume esplora i molteplici volti dell’identità grazie a una serie di autori che hanno osservato con linguaggi innovativi la propria realtà interiore e il mondo: sguardi sempre più necessari nello scenario attuale, in cui “l’arte inquieta” è figlia di quell’urgenza espressiva dell’artista che, alla base della sua febbrile attività, genera opere uniche e sorprendenti. Un viaggio ai primordi dell’arte, alle sue origini spontanee e istintive, seguendo le tensioni della linea espressionista e la poetica surrealista aperta al sogno oltre i confini della ragione. Un percorso tra opere provenienti anche da mondi esclusi, oggi prezioso e necessario archivio dell’immaginario: l’art brut, dunque, visionaria e dai linguaggi inediti. Carla Accardi, Alighiero Boetti, Jean Dubuffet, Max Ernst, Alberto Giacometti, Keith Haring, Emilio Isgrò, Paul Klee, Anselm Kiefer, Maria Lai, Antonio Ligabue, Zoran Mušič, Emil Nolde, Yves Tanguy sono solo alcuni degli artisti qui presentati, accanto a opere provenienti dall’Archivio del San Lazzaro conservato al Museo di Storia della Psichiatria di Reggio Emilia.

Votata al grado massimo di simulazione della realtà, tanto più ingannevole quanto più illusoria, la ceroplastica policroma si afferma nella Bologna dell’età di Prospero Lambertini, papa col titolo di Benedetto XIV. Le prerogative di perfetta adesione al vero ne fanno uno strumento di utile applicazione all’ambito scientifico della didattica anatomica, ma si rivelano altrettanto strategiche nella conturbante verisimilissima raffigurazione di venerabili, santi, aristocratici, villani. Dalle Sale di Anatomia dell’Istituto delle Scienze, che ospitano i preparati anatomici e le statue dei ‘nudi’ di Ercole Lelli, l’iperreale resa della natura consentita dalla modellazione in cera associata all’uso di altri materiali, come vestiti e capelli veri, conquista infatti i luoghi del sacro, nonché le dimore private, tramite le opere di Angelo Gabriello Piò, Filippo Scandellari, Nicola Toselli, Luigi Dardani, Anna Morandi Manzolini. Le cere conservate presso il Museo Davia Bargellini hanno fornito il primo spunto all’ideazione del volume, dedicato ad Andrea Emiliani, studioso di rilievo internazionale, autorevole sovrintendente dalla lunga carriera spesa nella conoscenza e nella tutela del patrimonio storico artistico, autore tra l’altro nel 1960 di un pionieristico saggio sull’arte bolognese della ceroplastica.

Il volume intende proporre una riflessione sul tema del dono, perpetuando la visionaria volontà di Gian Giacomo Poldi Pezzoli (1822-1879) – fondatore della casa-museo e, quindi, primo donatore – di accrescere la raccolta dʼarte da lui avviata. Il dono ha la capacità di cambiare i rapporti, le situazioni, le azioni, le persone e addirittura i musei. Donare unʼopera, denaro o le proprie capacità professionali per sostenere unʼistituzione significa restituire alla comunità un privilegio ricevuto dalla vita, come fece Poldi Pezzoli. Questa pubblicazione, che si inserisce nel palinsesto delle celebrazioni per il bicentenario della nascita del nobile collezionista, presenta vari dipinti, alcuni dei quali inediti, insieme a una serie di orologi e ventagli di manifattura europea e tre stipi rinascimentali di produzione milanese. Le schede di catalogo illustrano la rilevanza storico-artistica delle opere, datate dal XIV al XX secolo, il valore culturale che esse apportano alle collezioni del Museo e una nota sui donatori.

Focus on Future è un racconto per immagini dedicato agli obiettivi di sviluppo sostenibile dell’Agenda ONU 2030, sottoscritta il 25 settembre 2015 da 193 Paesi, tra cui l’Italia. Gli autori dei lavori presentati nel volume sono fotografi che gravitano nell’area di Torino, per esplorare anche l’interazione fra una comunità cittadina e la dimensione dei valori globali. Sono fotogiornalisti, artisti, fotografi di architettura, di still life, di ritratti. Tra loro ci sono vincitori di premi prestigiosi, con lavori esposti in gallerie e musei e pubblicati su prestigiose testate nazionali e internazionali; altri sono giovani che si affacciano alla professione. Le fotografie selezionate fanno parte di progetti più ampi e ogni sequenza è una finestra su un mondo. Un percorso che attraversa storie, luoghi, destini, a comporre un’antologia delle grandi sfide che si pongono oggi di fronte all’umanità.

Se è nel segno che si esprime la materialità del visibile e del percepibile nelle sue infinite declinazioni, è nella funzione della mente di conservare e richiamare alla coscienza nozioni ed esperienze del passato che si comprende la trasformazione di quell'unità che si compone di "significante e significato", "immagine e contenuto". In un percorso guidato, storici dell'arte, filosofi del linguaggio, semiologi e saggisti si interrogano sulle potenzialità di questo legame enunciando letture differenziate sul significato di segno e memoria. I contributi sono divisi in tre sezioni: I Poster, riservata agli studiosi più giovani, con saggi di Samanta Viziale, Elena S. Lazaridou, Marta Acciaro e Gabriella Rava; I Lavori, per accademici e personalità integrate negli ambienti istituzionali della produzione culturale, con testi di Eirene Campagna e Tommaso Casini, Roberto Pellerey, Pietro Gaglianò, Francesca Franco, Jérôme Godeau, Giuseppe Previtali, Grazia Basile, Harula Economopoulos, Alice Cati e Emanuela Sesti, e le Recensioni, con un intervento critico di Giorgio Marini e Flavia Pesci.