Silvana

L'incarico di Giovanni Carandente come ispettore alle mostre alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, nella seconda metà degli anni cinquanta, sancisce l'inizio del suo impegno sistematico sul fronte della cultura artistica contemporanea, nel luogo che allora costituiva l'unica sede museale italiana a essa votata. In questo contesto, lo studioso arriva a dare con il suo operato un contributo fondamentale all'indirizzo espositivo e didattico promosso dall'allora direttrice, Palma Bucarelli, partecipando attivamente, così, a una delle fasi di maggiore militanza del museo nel proporre gli esiti più attuali dell''arte moderna'. Quella che emergerà non è la visione di uno storico dell'arte prestato occasionalmente a restituire i fatti salienti della realtà artistica contemporanea, ma l'azione di un vero e proprio critico militante alle prese con l'"aspro territorio dell'arte d'oggi". Attraverso lo studio di fonti inedite, si è potuta restituire a Carandente la paternità di audaci scelte allestitive, come pure l'ideazione di cicli di conferenze didattiche capaci di presentare al pubblico alcuni temi al centro del dibattito storico-artistico contemporaneo. Sul fronte del programma espositivo sarà esemplare il caso della mostra di Jackson Pollock (1958), in occasione della quale lo studioso determina il modo in cui il pubblico è chiamato a interfacciarsi con la dirompente novità della pittura dello statunitense. Dal punto di vista del programma didattico emergeranno invece due tematiche ricorrenti su cui si impernia lo sguardo sul contemporaneo di Carandente: l'arte astratta presentata quale linguaggio proprio dell'attualità e il rinnovamento del teatro portato avanti dall'avanguardia artistica nel Novecento, con una particolare predilezione per il balletto, da lui inteso come una sorta di scultura in movimento.

Questo volume racconta, ripercorrendone i momenti salienti con le voci dei suoi protagonisti, il progetto DesertX: la prima Ducati specificamente pensata per l’off-road, una moto costruita per trasformare i sogni di viaggio più selvaggi in realtà. DesertX non è soltanto divertimento, performance e il fascino senza tempo delle grandi epopee dakariane. Ma anche una sfida progettuale, creativa prima ancora che ingegneristica, in cui sono riassunti tutto lo slancio tecnologico e la spinta evolutiva della casa di Borgo Panigale.

Nella Bologna della seconda metà del Settecento Jacopo Alessandro Calvi (Bologna, 1740-1815) diviene il principale competitore dei fratelli Ubaldo e Gaetano Gandolfi. Formatosi sotto l’ala di Giampietro Zanotti, segretario dell’Accademia Clementina, fin dagli anni giovanili si sperimenta nelle «dive arti sorelle» della pittura e della poesia, privilegiando un criterio elettivo nel processo di imitazione della natura. Testimoniano il suo successo l’annessione all’Accademia Clementina (1770) e il gran numero di commissioni, soprattutto pale di destinazione ecclesiastica. Anche nel tempo della «fatal rivoluzione», che comporta una drastica riduzione delle opportunità di lavoro per tutti gli artisti, Calvi regge il colpo, superando le difficoltà del momento, sia attraverso l’intensificarsi dell’attività letteraria — gli si devono fra l’altro la prima monografia critica di Guercino, edita nel 1808, e uno studio su Francesco Francia, pubblicato nel 1812 — sia attraverso lo svolgimento di un ruolo di perito presso l’Accademia Clementina, impegnata nell’ingrato compito di governare il rischio di dispersione dei beni d’arte durante le spoliazioni napoleoniche. Pur estraneo ai valori giacobini, viene convocato come commissario nel Concorso per la “Riconoscenza Nazionale” (1802), indetto a Milano allo scopo di celebrare il ritorno di Napoleone dopo la parentesi austriaca; e nel 1804 sarà annoverato fra i professori della nuova Accademia di Belle Arti di Bologna. Con il nuovo secolo la sua carriera riesce a trovare ragioni di soddisfazione anche sul fronte della produzione artistica: attraverso un’intelligente lettura critica della maniera del tardo Guercino e del dolce e devoto Francesco Francia, la sua pittura saprà farsi anticipatrice di istanze poi affermatesi nella Bologna tornata papale, appena prima della morte di Calvi, avvenuta a un mese dalla Battaglia di Waterloo. Con scritti di Francesca Maria Conti, Igino Conti, Ilaria Negretti.

Nato a Brescia, ma attivo soprattutto a Venezia, Giovan Girolamo Savoldo (circa 1480 - post 1548) è stato uno dei pittori più misteriosi e affascinanti del suo tempo. Immerse in un’atmosfera incantata, le sue opere si distinguono per i raffinati studi chiaroscurali e le ambientazioni notturne, oltre che per il sincero naturalismo delle figure. Tutte peculiarità che contribuiscono a riconoscere nell’artista una fonte di ispirazione imprescindibile per la formazione di Caravaggio. Ma le creazioni di Savoldo presentano anche altri caratteri assolutamente originali, che risiedono in una singolare interpretazione dei soggetti religiosi. Lo testimoniano alcuni suoi dipinti in cui i committenti, invece di rimanere immobili ai margini della scena, diventano protagonisti accanto ai personaggi sacri e instaurano con loro un rapporto di sorprendente confidenza. Prendendo spunto da quelle immagini, il volume indaga l’ambiente culturale nel quale si giocò l’avventura di Savoldo, mettendo a fuoco gli orientamenti del pittore e dei collezionisti a lui fedeli. Si scopre così come le invenzioni dell’artista riverberino un sentimento diffuso nella religiosità di primo Cinquecento, che sollecitava i devoti a percepire gli avvenimenti della storia sacra come attuali e realmente presenti davanti ai loro occhi, al fine di sperimentare una più coinvolgente partecipazione a quei fatti. Un atteggiamento che si rivela un’imprevedibile chiave di lettura anche per le simili scelte iconografiche di altri grandi maestri attivi in Italia settentrionale negli anni di Savoldo, da Lorenzo Lotto a Tiziano, da Moretto a Giovan Battista Moroni.

Le fotografie delle barricate di Parma del 1922 oltrepassano la loro storia per diventare icone di resistenza e rivolta. Le immagini non testimoniano solo i fatti dell’agosto che precede la marcia su Roma ma assumono un carattere autonomo, si elevano a simbolo per esibirsi su un palcoscenico più ampio. Armando Amoretti aveva venticinque anni, lavorava come apprendista presso lo studio Vaghi e intuì la necessità di rappresentare quei giorni, di immortalare quelle sculture anonime che sarebbero sparite poco dopo. Ventiquattro immagini che restituiscono una città in attesa dello scontro, persone unite in piccoli gruppi ma soprattutto strade, borghi che sospendono temporaneamente la loro funzione per essere allestiti a festa. Oggetti che poco prima riempivano le case vengono riversati nello spazio pubblico e i selciati delle strade divelti per proteggerle, in un gesto di mutuo soccorso. La fotografia guarda, celebra, trasforma e si abbandona al proprio incerto destino.

Raffaello Schiaminossi (1572-1622), nato e vissuto a Sansepolcro, è uno dei massimi incisori italiani tra Cinque e Seicento. La sua produzione, ricca di oltre centottanta lastre, spazia dalle immagini sacre all’illustrazione libraria, dalle argute scene d’invenzione a quelle ispirate ai modelli dei migliori artisti dell’epoca. Tra le sue opere più celebri spicca il primo libro “pop-up” della storia, la Descrizione del Sacro Monte della Vernia, e l’illustrazione del celebre Gran Simulacro dell’arte, e dell’uso della scherma di Ridolfo Capoferro, uno dei più antichi e diffusi trattati di scherma rinascimentale. Il volume, pubblicato in occasione delle celebrazioni per il IV centenario della morte dell’artista, contiene il catalogo ragionato illustrato delle incisioni di Schiaminossi, un saggio sulla sua tecnica incisoria e uno sulle sue matrici, oggi custodite presso l’Istituto Centrale per la Grafica di Roma.

Le rare e preziose placchette di piombo databili al III secolo d.C., nuova acquisizione e opera più antica del Museo Diocesano Carlo Martini, sono con ogni probabilità offerte votive riferibili al culto religioso denominato dei Cavalieri Danubiani (Equites Danuvini), attestato tra la fine del II e gli inizi del IV secolo tra le multietniche schiere dell’esercito romano. Si tratta di un culto poco noto, di carattere misterico e iniziatico, diffuso soprattutto nell’area balcano-danubiana. Complessa e suggestiva la lettura iconografica delle singole placchette, con simboli e immagini riconoscibili solo dagli adepti del culto.

In occasione del centenario della nascita di Federico Zeri (Roma, 12 agosto 1921 – Mentana, 5 ottobre 1998) la Fondazione a lui dedicata ha ritenuto doveroso pubblicare la sua bibliografia completa, corretta, rivista e aggiornata rispetto a quella presente nel sito dell’istituzione. L’opportunità di rileggere i testi ha fatto emergere tanti elementi che contribuiscono a mettere a fuoco le circostanze che li hanno occasionati. Questi elementi sono i ricordi stessi dello studioso, assunti come documenti di prima mano per ricostruire il suo percorso intellettuale: tanti i viaggi citati, di cui è possibile circoscrivere epoca e meta, che lo hanno portato a visitare luoghi, collezioni e musei; numerosissimi i nomi rievocati di studiosi, collezionisti, antiquari e conoscenti, che restituiscono il raggio ampio dei suoi rapporti e delle sue frequentazioni. Sono presenti anche dediche e ringraziamenti che dimostrano come la rete delle sue relazioni fosse diventata ben presto di caratura internazionale. Dalla stampa generalista si ricavano le sue letture preferite sugli argomenti più vari, dalla letteratura alla botanica, alla fotografia. Per questo si è scelto di valorizzare questa abbondanza di informazioni corredando le voci bibliografiche di alcune righe di commento che mettono a fuoco la sua crescita intellettuale e la sua personalità. Anno dopo anno, uno dopo l’altro, questi commenti, pur brevi, hanno incominciato a raccontare la vita di Zeri, le sue inclinazioni letterarie, le battaglie in difesa dei beni culturali, i suoi valori, amicizie e inimicizie, interessi e passioni, le idiosincrasie e le irruente prese di posizione.

Nato nel 1921 e formatosi come tornitore di bronzo alla scuola di Arti Applicate École Boulle, Robert Mathieu ha creato alcune delle luci più eccezionali della sua generazione. Dopo l’urgenza della ricostruzione del dopoguerra, in Francia è sorta un’intera economia legata al settore abitativo, fondata sulla grande tradizione francese della decorazione e del mobile. La nuova generazione uscita dalle "Grandes Ecoles" coglie le opportunità offerte da questo momento, ponendo le basi di quello che oggi chiamiamo Design, ovvero la creazione di beni al servizio della produzione di massa. Robert Mathieu ne è uno dei protagonisti, grazie ai suoi sistemi a doppio pendolo e alla sua infinita creatività e perfetta competenza tecnica, realizzando lampade articolate per illuminare ogni zona dell’appartamento moderno e manipolando il concetto di asimmetria e contro-peso. Questa prima monografia su Robert Mathieu è il risultato della ricerca di Pascal Cuisinier, che si interessa al Design francese del dopoguerra sin dai primi anni 2000. Esplorando in egual misura sia gli aspetti accademici sia estetici, questo lavoro si propone di presentare il lavoro di Robert Mathieu sia ai neofiti che ai collezionisti più informati, svelando al contempo questo periodo glorioso vissuto dalle arti decorative in Francia durante gli anni Trenta.

Il volume è dedicato alla collezione di opere di Giorgio Morandi raccolte da Antonio e Matilde Catanese, di cui si dà conto per la prima volta in queste pagine, in maniera esaustiva e definitiva. Questa raccolta, per il numero di esemplari, per la loro cronologia distribuita in un arco temporale che abbraccia quasi tutti gli anni dell’attività del maestro, per la tecnica che li caratterizza, per i temi rappresentati, per la storia collezionistica e soprattutto per la loro rilevanza artistica, rappresenta un microcosmo esemplare per decifrare e intendere l’attività di Morandi. Essa infatti comprende quindici dipinti realizzati tra il 1914 e il 1959 che si distinguono per i temi peculiari del suo lavoro: nature morte, paesaggi, fiori e soprattutto un autoritratto del 1914 che, anche per la ritrosia dell’autore a trattare la figura umana, rappresenta l’opera di spicco della raccolta. Di grande importanza anche tre acquarelli e la serie quasi completa delle acqueforti, a testimonianza della completezza della collezione, aperta alla tecnica che Morandi praticò in parallelo alla pittura e che da questa non può essere disgiunta. Le opere sono state oggetto di indagini scientifiche, preliminari al restauro e alla conservazione, condotte dall’Università di Urbino, di cui sono qui presentati gli esiti. La raccolta Catanese, formatasi negli anni Trenta del Novecento, si inserisce nella tradizione dei grandi collezionisti milanesi che con lungimiranza seppero guardare al Morandi contribuendo tra i primi alla sua fama."

La Fondazione Santarelli offre ai cittadini e agli amici di Amatrice un volume che raccoglie saggi di architettura, di urbanistica, di ambito storico-artistico: ricerche iniziate da tempo, bruscamente interrotte dopo la catastrofe del 2016 che ha atterrato la parete degli affreschi di San Francesco, annientato palazzo Orsini, danneggiato l’abside della Madonna di Filetta, messo a repentaglio l’Icona Passatora e i cento santuari delle “ville” della città laziale. Il libro non vuole solo celebrare un patrimonio artistico irripetibile e, speriamo, non irrecuperabile, ma è anche la promessa che gli studi, quietamente portati avanti in tempi meno calamitosi, non soltanto riprenderanno, ma trarranno nuova linfa vitale dalla necessità di sostenere l’opera di restauro, alimentando così la memoria e l’amore per una terra complessa e martoriata, che deve riprendere a vivere insieme con i suoi capolavori.

"Ponti sospesi. Storia, tecnologia e futuro" rappresenta la summa delle informazioni e degli studi che Marco Peroni e il team del suo studio Marco Peroni Ingegneria hanno raccolto e condotto nel corso del tempo sul tema dei ponti sospesi. Il testo intende spiegare perché il sistema strutturale del ponte sospeso è migliore rispetto agli altri disponibili, e ripercorrere le tappe storiche e gli eventi fondamentali che hanno permesso la sua evoluzione e il suo progresso ingegneristico. A margine dei capitoli più importanti si trovano dei riquadri di approfondimento relativi ai vari tipi di impalcato, a eventi storici e a crolli famosi (uno tra tutti, quello del Tacoma Narrows Bridge, che ha condizionato la costruzione di tutti i ponti successivi), oltre che a studi e osservazioni su come si costruisce un ponte sospeso. La sezione centrale del libro è dedicata alla vicenda del ponte sullo Stretto di Messina, a partire dalle prime idee di fine Ottocento, fino al progetto vincitore della gara di appalto, che viene illustrato nelle sue caratteristiche peculiari. Particolare attenzione è rivolta all’analisi della soluzione proposta da Sergio Musmeci, alla cui idea e alla cui persona sono dedicate delle apposite schede. La sezione finale del libro esamina la soluzione avanzata dallo studio Marco Peroni Ingegneria per il ponte sullo Stretto di Gibilterra, a partire dall’analisi dei concetti tensostrutturali elaborati da Musmeci, per poi illustrare la medesima soluzione applicata, più in piccolo, come proposta alternativa per il ponte sullo Stretto di Messina. Il taglio del testo è pensato per i non addetti ai lavori, sebbene siano previsti anche alcuni riquadri di approfondimento su argomenti specifici, fondamentali per comprendere il comportamento di queste strutture. Ulteriori approfondimenti si trovano nelle appendici tecniche.