Silvana

Attraverso centoventisei opere provenienti dalla collezione Giuseppe Iannaccone e dai Musei Civici di Roma, viene documentata una delle stagioni più originali della cultura artistica italiana della prima metà del XX secolo, quella dell’espressionismo degli anni venti-quaranta. La rassegna riflette su alcune delle più importanti personalità artistiche come Scipione, Carlo Levi e Renato Birolli, tra gli altri, che, individualmente e nel contesto dei gruppi di tendenza della Scuola Romana, dei Sei di Torino e di Corrente a Milano, si sono fatti promotori di un linguaggio spiccatamente antiaccademico, incentrato sulla trascrizione del dato soggettivo interiore, di un colore antinaturalistico e ribelle, di un’idea di “deformazione” rispetto al canone “classico” di bellezza fissato dal Novecento di Margherita Sarfatti che, storiograficamente, dimostra ancora una volta come l’arte italiana fra le due guerre sia tutt’altro che “provinciale”, avendo intessuto feconde e proficue interazioni con gli orizzonti europei.

Nato a Milano da famiglia ticinese, Angelo Giorgetti (1899-1960), pittore e scultore figurativo, dopo essersi formato negli studi di Adolfo Wildt e Aldo Carpi, agli inizi degli anni venti si trasferisce a Parigi, vivendo il clima internazionale degli “Anni folli”. Di questa stagione rimangono eleganti ritratti femminili e felici vedute della capitale francese. Rientrato nel Ticino alla vigilia della Seconda guerra mondiale, Giorgetti si specializza nella ritrattistica e nei paesaggi, dedicandosi anche a temi di figura, natura morta, fiori e all’arte sacra, e sperimenta tecniche quali l’affresco e il mosaico. Amante della montagna, che dipinge in luminosi scorci delle valli sopra Lugano e dell’Engadina, compie viaggi di aggiornamento in Germania e in Italia, scegliendo di trascorrere a Lugano gran parte della sua vita.

Un filo lega il Trionfo della Morte, affresco realizzato da un anonimo maestro intorno al quinto decennio del XV secolo per il cortile dell’Ospedale Grande di Palazzo Sclafani a Palermo, poi staccato e conservato a Palazzo Abatellis; Guernica, il capolavoro di Pablo Picasso del 1937, qui proposto nella seconda versione tessile realizzata nel 1976 da Jacqueline de La Baume-Dürrbach in stretta collaborazione con l’artista spagnolo (la prima versione è esposta nella sede del Consiglio di sicurezza dell’ONU); e la Crocifissione dipinta da Renato Guttuso nel 1941. Le tre opere sono qui poste in relazione, in modo inedito e originale, sollecitando un fecondo dialogo tra capolavori che non solo affrontano il medesimo tema dell’inesorabilità della morte, ma si rimandano a vicenda anche per l’impianto compositivo e figurativo. Picasso probabilmente conosceva l’affresco siciliano da riproduzioni fotografiche, Guttuso lo aveva frequentato direttamente quando era di servizio come allievo ufficiale a Palazzo Sclafani. Come scrive Guttuso, Picasso era “così profondamente entrato nell’ingranaggio poetico di quel dramma da averne prodotto uno equivalente”.

La mostra organizzata al m.a.x. museo Bicicletta e motocicletta fra grafica e design e il presente catalogo propongono una riflessione organica sulle valenze sociali e culturali dei mezzi di trasporto a due ruote, lette attraverso la storia della grafica e del design. Nel suo insieme l’esposizione intende raccontare come grafica e design si siano intrecciati nelle varie fasi storico-artistiche, fino a raggiungere la contemporaneità. Attraverso oltre un centinaio di tavole a colori, sono qui pubblicati tutti i materiali esposti nelle sale del museo: dai meravigliosi manifesti cromolitografici firmati dai maestri della grafica, da Leopoldo Metlicovitz a Marcello Dudovich, da Aleardo Villa a Plinio Codognato, da Achille Luciano Mauzan a Gino Boccasile, da Erberto Carboni ad Armando Testa; seguono quindi le locandine, le grafiche pubblicitarie, i bozzetti, i dépliant, le brochure, le cartoline, i vari oggetti di design inerenti alla bicicletta e alla motocicletta. Affianca le produzioni grafiche quello che è l’altro carattere distintivo della mostra – il design – ossia i modelli originali di biciclette e motociclette d’epoca: una ventina in totale (dai primordi con il velocipede, quindi al biciclo fino al passaggio dal moto-ciclo alla motocicletta), esempi dei marchi che più hanno segnato l’evoluzione delle due ruote, motorizzate e non, compresi anche rari esemplari prodotti in Svizzera. Un approfondimento particolare è dedicato al designer di motociclette Rodolfo Frascoli con il “bosco dei manifesti” pubblicati a termine delle tavole in catalogo. Ad accompagnare la scoperta e l’approfondimento di questo tema ci sono i saggi di Stefano Pivato, Guido Andrea Pautasso, Giorgio Sarti, Nicoletta Ossanna Cavadini, Maria Canella, Claudio Visentin. Con i loro contributi questi studiosi indagano la storia della bicicletta quale mezzo che cambiò il costume sociale, il furore della fiducia nel progresso al tempo eroico del futurismo; l’evoluzione e design della motocicletta quale intramontabile simbolo di velocità e libertà, la comunicazione attraverso la cartellonistica e la grafica applicata, capaci di generare stupore e fantasia, il ciclo della moda ossia di come cambiò il modo di vestire dell’intera società attraverso l’uso delle due ruote, per finire nell’indagare il nascente fenomeno del binomio sport e turismo. Il risultato è un percorso dove emerge come la bicicletta e la motocicletta, nel corso dei decenni, abbiano dettato tendenze stilistiche e contribuito a costruire diversi miti moderni.

Giorgio Griffa è un maestro della pittura contemporanea che, attraverso i suoi segni, linee e colori, suggerisce un viaggio silenzioso attraverso lo spazio e il tempo. La coerenza della sua pittura, segnata da un personalissimo equilibrio tra i tratti della mano, le linee geometriche e lo spazio vuoto della tela, si accompagna da più di cinquant’anni a una profonda riflessione sulla pittura come strumento di conoscenza. Le opere di Griffa sono state esposte in mostre e collezioni nei musei d’arte contemporanea di tutto il mondo, dalla Tate Modern al Centre Pompidou fino al Museu de Arte Contemporânea de Serralves e al Palazzo Ducale di Genova. Inoltre, le sue tele sono state presentate alla Biennale di Venezia nel 1978, nel 1980 e nel 2017.

L’uomo ha da sempre modificato il mondo che lo circonda per adattarlo e, con le più buone intenzioni, migliorarlo secondo le proprie esigenze. In questo processo, l’architetto e l’ingegnere chimico intervengono in prima persona, progettando, costruendo e apportando nel tempo varianti e cambiamenti che riguardano la trasformazione della materia alle diverse scale: dallo spazio interno agli edifici, dalla città al paesaggio. Il volume esplora queste connessioni scoprendo affinità inedite, rivelando l’invisibile, superando luoghi comuni, non per dare risposte, ma porre domande, offrire spunti per una conoscenza più approfondita, sollecitare riflessioni, generare consapevolezza e coscienza critica.

«Poiché la mia attività progettuale non può prescindere da approfondite indagini sul manufatto ereditato l’attitudine “archeologica” vi diventa propedeutica a ogni possibile intervento, sia esso di tutela integrale, di restauro filologico, di recupero e riuso trasformativo. L’esercizio dello sguardo “archeologico”, come dimostrano gli atelier e seminari tenuti a Mendrisio, si prestava insomma in particolar modo a diventare materia d’insegnamento per futuri architetti chiamati, in diversa misura, a progettare sul costruito, una competenza sempre più richiesta. Nei diversi atelier e corsi ho perciò affrontato temi che spaziassero dalla tutela il più possibile filologica, ad altri in cui si ipotizzavano interventi di recupero e anche di trasformazione di vario grado capaci di dialogare in continuità con il costruito, sempre evitando falsificazioni formali o storicistiche, come mi aveva insegnato Giancarlo De Carlo» (Ruggero Tropeano)

Con questo quarto volume si completa la serie di pubblicazioni promosse nel 2020 dal Comitato Nazionale per le celebrazioni del Centenario della nascita dello storico e critico d’arte Giovanni Carandente (Napoli, 1920 - Roma, 2009): Una vita per l’arte, Archives and Documents e Giovanni Carandente alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma (1955-1961). L’intenso rapporto che ha legato Carandente a Spoleto, a partire dalla leggendaria mostra Sculture nella città da lui ideata nel 1962, è testimoniato oggi dalla collezione che il critico donò nel 2001 alla Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Collicola. Centoquaranta opere, tra sculture, bozzetti, dipinti, grafiche e libri d’artista, costituiscono un’eredità di notevole pregio, resa ancor più eccezionale dai documenti d’archivio e dagli oltre ventimila volumi con cui il curatore ha voluto lasciare integro il sedimento della sua lunga attività. Un insieme organico, che attesta non solo la qualità e l’ampiezza dei suoi interessi, ma anche le relazioni personali, spesso di sincera amicizia, coltivate con molti artisti, in primo luogo Alexander Calder. La collezione viene qui illustrata attraverso nuove ricerche e approfondimenti tematici, arricchiti da schede critiche sulle singole opere, in un percorso scandito da una folta sequenza di artisti internazionali, oggi eccezionalmente compresenti in uno spazio espositivo pubblico italiano.

Pino Daniele ha saputo travolgere e arricchire l’universo musicale italiano e internazionale, fondendo tradizioni diverse in un’armonia unica. Il volume propone un viaggio attraverso la sua produzione e la sua personalità, tracciando un percorso che conduce alla sua essenza più autentica e spirituale: l’attitudine a dare un significato profondo alle azioni e la forte connessione con il blues. Attraverso varie testimonianze e più di duecento fotografie, queste pagine ripercorrono la poetica di Pino, l’ironia dei suoi testi, l’impatto culturale e sociale. La sua musica, fatta di improvvisazione, ricerca instancabile e straordinaria espressività emotiva, ha saputo raccontare storie senza tempo, lasciando un segno indelebile nel panorama artistico e nel cuore di chi ha ascoltato le sue canzoni.

All’origine dei film rivoluzionari di James Cameron, diventati pilastri della cultura popolare, ci sono schizzi, disegni e dipinti da lui realizzati. Il libro vi accompagnerà in un viaggio attraverso le complessità di una mente brillante la cui immaginazione non conosce limiti. Dagli archivi personali del cineasta, vengono qui svelate centinaia di illustrazioni rare e inedite, tutte commentate dal loro autore, che ripercorrono la sua evoluzione creativa nel corso degli anni. Dai disegni dell’infanzia ai dipinti per i poster fino alla concept art più recente, il volume mostra come le sue più grandi idee siano rimaste sulla carta per molto tempo, in attesa di una scintilla, di un’innovazione tecnologica capaci di portarle in vita.

Il volume di Luca Pietro Nicoletti, propone un regesto sistematico e ragionato degli scritti editi dello storico dell'arte, critico militante e docente universitario Enrico Crispolti (Roma 1933-2018); offre un ritratto dello studioso, dei suoi interessi e del suo metodo di lavoro, cantieri editoriali e grandi mostre, ma anche fanzine e documenti più rari, custoditi nel suo archivio. Accanto ad alcuni assi portanti che ne connotano il profilo - dal Futurismo all'Informale, dalla partecipazione sociale all'Arte ambientale -, emerge infatti lo sguardo "orizzontale" sull'arte contemporanea che ha caratterizzato il suo impegno critico e storiografico in senso politico: una lettura che, pur non rinunciando alle scelte di valore, fosse dettata da uno spirito democratico, lontano sia da posizioni ufficiali che guidata da logiche di mercato. Il volume offre un ampio repertorio iconografico ed alcune tracce sonore - a cui rinviano i codici QR presenti nel libro - per poter approfondire il pensiero ricco e articolato di Enrico Crispolti.

Dopo circa due anni di un accurato e specialistico restauro da parte dei tecnici dell’ICR la scultura “L’Allieva di danza” (1958) di Venanzo Crocetti ritorna alla GAM - Galleria d’Arte Moderna di Roma. Acquistata nel 1960 dal Comune di Roma a seguito della VIII Quadriennale Nazionale d’Arte, l’opera rappresenta una delle prime sculture di Crocetti di grande formato dedicate al tema della danza, che già compare in vari bozzetti degli anni Quaranta e che, a partire dalla fine degli anni Cinquanta, diventerà tema ricorrente all’interno della sua produzione ma anche icona simbolo per molti scultori figurativi del secondo Novecento. Il volume, ricco di saggi scientifici, storici e critici, documenta l’intervento conservativo compiuto sulla scultura, e offre al contempo un’approfondita lettura dell’opera, dalla sua genesi alla tecnica di realizzazione. Viene altresì offerto un contributo importante per la conoscenza del validissimo artista, la cui figura non risulta ancora perfettamente messa a fuoco nelle sue tappe e nella sua effettiva posizione nella storia dell’arte italiana. Il volume è completato da apparati biobibliografici e da un glossario tecnico.