Silvana

È possibile individuare un linguaggio “di prossimità” per gli studi che si stanno compiendo nel mondo della ricerca sulla creatività contemporanea? Come trovare la chiave di lettura in grado di coniugare rigore scientifico, profondità delle argomentazioni e comprensione più ampia, capace di essere accessibile anche ad un pubblico composto non necessariamente da specialisti o appassionati? Da questi interrogativi nasce RADART, un progetto a cadenza biennale che offre una visione – necessariamente parziale – dello stato della ricerca sul contemporaneo in Italia. MU6 venti anni dedicati all’espressione della creatività contemporanea nella convinzione, come diceva Leo Longanesi, che l’arte è un incidente dal quale non si esce mai illesi.

Il volume raccoglie una serie di articoli di Francesco Gostoli pubblicati nelle riviste «Spazio e Società», «L’architettura cronache e storia», nel mensile «The Venice international Foundation» e nel quotidiano «Il Gazzettino» di Venezia, unitamente a conferenze e introduzioni a laboratori e seminari tenuti presso le Università di Camerino, di Cà Foscari, di Udine, di Trento, Università Federale di Alfenas (Brasile), Università Cattolica del Mozambico, sede di Beira. Gli scritti affrontano i temi di trasformazione delle città e dell’architettura a seguito della crisi dei modelli di sviluppo che hanno guidato il XX° secolo, offrendo indicazioni concrete in particolare sui temi legati alla sostenibilità. Completa il volume un’appendice di “backstage” con documentazione inedita. "Non ho mai dato retta alle mode culturali. Tantomeno alle polemiche che le mode accendono. Ho sempre pensato che l’architettura è un’arte e una scienza sulle strade del mondo. Tra la gente, non per risolvere i problemi dell’esistenza, ma per far vivere donne e uomini in luoghi migliori. Luoghi che rappresentano la vita delle persone nei tempi in cui vivono. Qui il senso e la fatica di progettare un edificio." (Francesco Gostoli)

Partendo dal gruppo scultoreo del Cenacolo realizzato da Andrea da Saronno nel santuario della Beata Vergine dei Miracoli, il volume offre una ricognizione sulla celebre iconografia dell’opera di Leonardo. L’Ultima cena, infatti, immagine e simbolo allo stesso tempo, è diventata un’icona con cui gli artisti dei secoli seguenti si sono confrontati. Dalle prime incisioni di Jacob Frey, Raffaello Morghen e Rudolf Stang, sino alla rilettura offerta da artisti contemporanei, si ripercorre la fortuna di questo capolavoro, indagandola da diversi punti di vista: iconografico, visivo, comunicativo.

Nuovo numero di Arte Medievale, rivista specialistica internazionale dedicata alla critica dell’arte del medioevo, pubblicata in coedizione con l’Università La Sapienza di Roma. Testi in lingua originale.

La presenza in Italia di oggetti bizantini provenienti da Costantinopoli e dalle altre regioni del Mediterraneo orientale, o prodotti nelle regioni italiane sottoposte alla dominazione bizantina, caratterizza tutto il periodo medievale e rimane significativa nei secoli successivi. Giunte attraverso le vie del commercio, della diplomazia, dei bottini di guerra, dei furta sacra e, in seguito, del collezionismo, queste opere hanno attraversato il tempo e lo spazio, finendo per trovare cittadinanza, di volta in volta, in contesti storici, geografici e culturali diversi da quelli per cui erano state create. Esse pongono l’osservatore e lo studioso di fronte a episodi di riuso, di manipolazione, di ricontestualizzazione e spesso di vera e propria risemantizzazione, ma a ben vedere sono proprio queste radicali trasformazioni ad aver consentito la loro sopravvivenza fino a noi. Si tratta di un patrimonio vasto e diffuso, che vede manufatti noti e meno noti convivere in molti casi all’interno degli stessi luoghi di conservazione, tanto nelle città più frequentate quanto nelle pievi più remote. I saggi contenuti in questo volume presentano alcuni casi studio esemplari, spaziando dall’area altoadriatica alla Sicilia e muovendosi tra tecniche e materiali diversi: dall’oreficeria alla scultura, dal mosaico all’intaglio in avorio. Opere – o frammenti di esse – che hanno viaggiato per sentieri spesso tortuosi e che oggi costituiscono un aspetto forse ancora poco esplorato della multiforme identità artistica della penisola.

Il Teatro delle Strade è un racconto nato all’interno della ricerca fotografica di Enzo Arnone. Tutte le foto sono inedite ed emergono per la prima volta dall’archivio custodito e mantenuto integro per più di cinquanta anni. Il palcoscenico è l’ambiente urbano milanese: partendo dai quartieri di periferia fino alle vie del centro, l’autore insegue con passione due tipi di personaggi, insoliti ed interessanti, che sente affini a sé. Da una parte gli ultimi, gli sconfitti, i clown, tutti quegli anti-eroi splendenti che, come in una ballata, per scelta o per indole restano legati ad un mondo che sta svanendo; dall’altra i bambini e i giovani vitali e ribelli, che incarnano lo spirito ottimistico e utopico di quegli anni. Gli scatti si nutrono di curiosità senza alcuna politicizzazione: in tutti i ritratti Enzo riafferma la dignità dell’individuo, la diversità umana in ogni sua fragilità e contraddizione, ergendosi contro gli stigmi imposti dalla società.

Da mezzo di trasporto a simbolo di emancipazione, da alternativa economica a status symbol, lo scooter ha rappresentato non solo un pilastro fondamentale nel cambiamento del sistema di mobilità in Italia, ma ha anche inciso sulla rappresentazione del nostro Paese all’estero. Grazie all’inventiva delle sue aziende, lo scooter ha segnato tappe importanti nel costume, nella storia industriale e sociale e nelle forme di comunicazione pubblicitaria italiani. Illustrando le raccolte di collezionisti presenti in Friuli Venezia Giulia, il volume ripercorre l’epoca d’oro dello scooter attraverso le aziende italiane che l’hanno inventato, dalle più conosciute Piaggio e Innocenti a quelle meno note come Carnielli e Gianca, per individuare tanto i motivi del successo straordinario di alcuni modelli quanto le ragioni della minore fortuna di altri. Questo viaggio lungo quasi trent’anni è accompagnato e arricchito da fotografie storiche, manifesti cinematografici e pubblicitari che permettono di comprendere quanto lo scooter abbia pervaso la cultura e l’immaginario visivo italiani negli anni della rinascita.

Nell’estate del 1988 un gruppo di giovani studenti d’arte del Goldsmiths College di Londra decise di affittare un capannone dismesso nell’area del porto sul Tamigi e organizzò una mostra intitolata Freeze. L’evento agì come un’autentica deflagrazione nel sonnolento panorama artistico della capitale inglese, anestetizzato dal dominio decennale del governo conservatore di Margaret Thatcher. Quei sedici giovani e spavaldi studenti erano determinati a conquistarsi il successo da soli senza soggiacere ai tempi e alle ritualità di un sistema dell’arte chiuso e autoreferenziale come quello britannico dell’epoca. Nel decennio che andò dal 1988 al 1997, anno in cui si tenne Sensation, la più importante mostra del gruppo che fu ospitata in ben tre musei del mondo, si consumò una delle pagine più appassionanti della storia dell’arte dell’ultimo scorcio del ventesimo secolo, plasmando le carriere di alcuni dei più brillanti e rinomati artisti contemporanei quali Damien Hirst, Tracey Emin, Chris Ofili e Rachel Whiteread.

L’arte come esperienza dell’anima. La migliore pittura italiana declina i temi essenziali del Vangelo: l’infanzia, il perdono, il volto della Madre, la lezione della povertà e della speranza, la visione dell’amato innamorato, la sapienza dei santi e la fedeltà della Chiesa. L’arte si appella alla bellezza, giacché è la bellezza a svelarsi come la maniera per ritrovare il significato della vita. Perugino, Annibale Carracci, Andrea del Sarto e Batoni, Pietro da Cortona, Sassoferrato, Mengs e Barocci, assieme ai contemporanei Ceccobelli, Salvatori e Stoisa, fanno dell’arte il risveglio dell’uomo verso l’uomo. Grazie alla committenza papale e all’influenza della cultura cristiana, gli artisti contribuiscono a creare un linguaggio visivo capace di parlare ancora oggi in modo diretto e universale.

Questo volume è dedicato a Purim, una delle feste più gioiose del calendario ebraico, e alla sua protagonista, la regina Ester. A distanza di secoli, la vicenda dell’eroina biblica che per salvare il suo popolo corre il rischio di svelare la propria identità, e decide di affrontare con coraggio un uomo potente, risulta di grande attualità e trasmette un fascino immutato. I saggi di approfondimento qui raccolti ci guidano in un originale percorso che esplora l’evoluzione dell’episodio biblico nel tempo e nello spazio, e la sua percezione in ambito religioso, artistico e folkloristico. Il ricco apparato iconografico del volume testimonia poi la fortuna che la storia della regina Ester ha riscosso in ambito ebraico e non solo. Un itinerario tra arte rinascimentale e contemporanea, che offre riletture, interpretazioni e una immaginifica riproposizione delle principali scene del racconto.

Nei primi decenni del XX secolo, la strenua lotta delle avanguardie contro un modernismo estetizzante passa inevitabilmente anche dal progresso tecnologico e dalle nuove modalità di percezione della realtà da esso derivanti: la macchina avvia, così, un rapido processo di integrazione con la produzione artistica offrendosi a essa sotto forma di struttura, simbolo o funzione. I movimenti e gli artisti che il presente studio prende in considerazione (Futurismo, Dadaismo, avanguardie russe, Picabia, Duchamp, Man Ray, Ernst, Léger, Munari, Moholy-Nagy, Calder e Tinguely) sono paradigmatici di questi diversi, e spesso antitetici, approcci.